Hoa Kỳ
Ko có kết quả
Có một định dạng mã hóa âm thanh mới được gọi là .flac. Đây là viết tắt của “Bộ giải mã âm thanh không mất dữ liệu miễn phí”. Xiph.org Foundation được thành lập và phát triển vào năm 1994. Xiph.org Foundation là một tổ chức phi lợi nhuận sản xuất các công cụ phần mềm nguồn mở cũng như các định dạng đa phương tiện. Flac là một dạng mã hóa âm thanh cho các tệp nén không mất dữ liệu. Khi phần mềm này được phát triển, nó có sẵn dưới dạng một chương trình phần mềm miễn phí. Flac có khả năng nén và giảm kích thước tệp từ 50% đến 70% so với WAV hoặc các định dạng lossless khác và có thể tái tạo âm thanh lossless. Đây là một công cụ tuyệt vời nếu bạn bị giới hạn về dung lượng hoặc không muốn sử dụng WAV vì tệp quá lớn. Flac cung cấp khả năng nén mà không làm giảm chất lượng. Việc giảm kích thước từ 50% đến 70% có thể cung cấp thêm dung lượng cho các ứng dụng khác mà anh ấy không thể làm được khi sử dụng WAV. Lossless có nghĩa là không làm giảm chất lượng âm thanh và là tiêu chuẩn trong ngành công nghiệp âm nhạc. Flac mang lại lợi ích to lớn cho nhiều ứng dụng.
MP3, còn được gọi là MPEG lớp 3, là định dạng tệp âm thanh kỹ thuật số lưu trữ và chia sẻ các tệp âm thanh. Kbps, được gọi là kilobit trên giây, đề cập đến "bitrate", là chất lượng và kích thước nén của tệp âm thanh. 128kb là kích thước tệp MP3 có tốc độ bit 128 kilobit mỗi giây. Đó là mức thấp so với 256 hoặc 320, chất lượng tương đối cao hơn của định dạng âm thanh MP3. Điều này làm cho kích thước tệp hiệu quả hơn để lưu trữ và chia sẻ qua internet. Tác động tiêu cực của việc này là tốc độ bit thấp hơn sẽ dẫn đến chất lượng tệp âm thanh thấp hơn.
MP3 256kb là tốc độ bit của tệp MP3, cho phép một lượng dữ liệu được xử lý mỗi giây bằng cách phát âm thanh. Tốc độ bit càng cao thì kích thước tệp càng lớn. Điều này dẫn đến chất lượng tốt hơn. Kích thước tệp 256 kb là tệp âm thanh có tốc độ bit là 256 kilobit mỗi giây. Ví dụ: mức này lớn hơn nhiều so với tệp 64kb, thường là kích thước tệp dành cho nhạc chuông. Lý do đằng sau “chất lượng âm thanh” phụ thuộc vào các yếu tố như cài đặt mã hóa, thiết bị phát lại và tài liệu nguồn. Ưu tiên về chất lượng âm thanh phụ thuộc vào cách phân phối tệp âm thanh. Ví dụ: ghi tệp âm thanh trong phòng thu âm (.wav) so với bản tải xuống kỹ thuật số (128-320kb.)
Trường hợp 320kb đề cập đến kích thước tệp có tốc độ bit là 320 kilobit/giây, đây là tốc độ bit cao nhất trong số các kích thước tệp MP3 có sẵn để tải xuống. Tốc độ bit cao hơn, chẳng hạn như 320kb, mang lại chất lượng tốt hơn vì nhiều dữ liệu được sử dụng hơn để mã hóa thông tin âm thanh. Ở 320kb, tệp âm thanh có thể có chất lượng cao hơn 128 hoặc 256. Tuy nhiên, điều quan trọng cần lưu ý là chất lượng của tệp âm thanh phụ thuộc vào các yếu tố khác, bao gồm tài liệu nguồn, cài đặt mã hóa và quan trọng nhất là thiết bị phát lại.
WAV hoặc Waveform Audio File Format là định dạng tệp âm thanh được sử dụng để lưu trữ các bản ghi âm thanh kỹ thuật số ở chất lượng tệp âm thanh cao nhất. WAV là một tập tin không nén. WAV được ghi ở kích thước tệp gốc. IBM và Microsoft đã phát triển WAV vào đầu những năm 1990 làm tiêu chuẩn để lưu trữ các tệp âm thanh kỹ thuật số trên máy tính. WAV có chất lượng tuyệt đối cao nhất; tuy nhiên, nhược điểm là nó cũng là một tệp rất lớn. WAV không có bất kỳ siêu dữ liệu nào. Siêu dữ liệu xác định các thông tin như nghệ sĩ, tiêu đề, năm, số bản nhạc, v.v. WAV là tiêu chuẩn ngành trong sản xuất âm nhạc vì chất lượng âm thanh. Các kỹ sư âm thanh và nhà sản xuất âm nhạc cho biết nó cũng mang lại dải động và độ sâu lớn hơn cho âm thanh không có ở các định dạng khác. WAV đã làm được nhiều việc hơn là tiêu chuẩn cho việc lưu trữ âm thanh máy tính; nó được sử dụng làm định dạng tệp âm thanh chất lượng cao nhất. Ngày nay, WAV là định dạng tệp âm thanh tiêu chuẩn trong ngành công nghiệp âm nhạc và là đỉnh cao về chất lượng của tệp âm thanh. WAV có thể được sử dụng trên mọi thiết bị, chẳng hạn như DVD, TV, iPad, máy tính, v.v. WAV từng là vấn đề với điện thoại thông minh vì kích thước, nhưng giờ đây điện thoại có thể chứa 64 GB đến 1T dữ liệu thì không. còn là một vấn đề nữa
Nhạc chuông và/hoặc cắt nhạc chuông đề cập đến quá trình rút ngắn hoặc cắt một phần của tệp âm thanh để tạo nhạc chuông theo sở thích của bạn. Bằng cách mua hoặc tải xuống nhạc chuông, đó có thể là phiên bản đầy đủ của bài hát hoặc có thể chỉ là đoạn clip dài 30 giây ít có thể tùy chỉnh nhất. Việc sử dụng tính năng cắt nhạc chuông có thể cho phép bạn chọn một phần của tệp âm thanh. Phần thường được cắt bớt để làm nhạc chuông sẽ là giai điệu hoặc điệp khúc hấp dẫn của bài hát bạn yêu thích. Ngày nay, nhiều điện thoại thông minh và ứng dụng đã được phát triển để cho phép người dùng dễ dàng cắt và tùy chỉnh nhạc chuông bằng cách điều chỉnh điểm bắt đầu và điểm kết thúc của tệp âm thanh. Quá trình này được thực hiện bằng cách sử dụng giao diện trực quan cho phép người dùng xem dạng sóng của tệp âm thanh và cắt nó theo sở thích của họ. Đây là một công cụ thú vị. Bạn có thể dễ dàng theo dõi tất cả các thông báo đến và giải trí với các nhạc chuông khác nhau. Công cụ này cho phép bạn tùy chỉnh tất cả các thông báo âm thanh để bạn biết nhạc chuông vừa phát ra điều gì. Tùy chỉnh từng nhạc chuông cho các thông báo khác nhau như thư đến, văn bản đến, bài đăng trên Facebook, Instagram, Twitter, cảnh báo thời tiết, v.v. Ngoài nhạc chuông tiêu chuẩn, bạn cũng có thể cắt một bài hát hoặc tệp âm thanh yêu thích để nó chỉ phát một đoạn ngắn. Việc sử dụng tính năng cắt nhạc chuông có thể cho phép bạn chỉ chọn một phần của tệp âm thanh hoặc một đoạn thay vì toàn bộ bài hát. Phần thường được cắt bớt để làm nhạc chuông sẽ là giai điệu hoặc điệp khúc hấp dẫn của bài hát bạn yêu thích. Có thể là bài hát đám cưới của bạn khi chồng bạn gọi điện hoặc nhắn tin cho bạn, hoặc bài hát yêu thích của mẹ bạn khi bà gọi điện hoặc nhắn tin cho bạn. Hầu hết mọi người có thể không biết rằng nhiều điện thoại thông minh và ứng dụng đã được phát triển để cho phép người dùng dễ dàng cắt và tùy chỉnh nhạc chuông bằng cách điều chỉnh điểm bắt đầu và điểm kết thúc của tệp âm thanh. Quá trình này được thực hiện bằng cách sử dụng giao diện trực quan cho phép người dùng xem dạng sóng của tệp âm thanh và cắt nó theo sở thích của họ. Dạng sóng của âm thanh cho phép bạn biết ngay nơi bắt đầu lời bài hát hoặc giai điệu ưa thích và sau đó bạn có thể chọn chính xác nơi bạn muốn kết thúc.
Bạn có tin rằng âm nhạc luôn tạo ra những điều kỳ diệu và bình yên trong trái tim không? Và phong cách hip-hop vẫn là một thể loại mà mọi người vẫn thích trong mọi thời đại. Và điều đó không thể phủ nhận rằng mỗi phong cách âm nhạc vẫn có một mùi hương được gắn liền với văn hóa và sự đa dạng của con người trong giai điệu của âm nhạc. Và điều đó khiến hip-hop vẫn luôn được nhắc đến. Rõ ràng là khi nghe nhạc hip-hop, chúng ta luôn cảm thấy rằng họ đang nói chuyện thông qua giọng hát và giao tiếp thông qua âm nhạc hoặc nhịp điệu âm nhạc phù hợp với hoàn cảnh hoặc những người nghe nó. H Hip-hop vào những năm 1970 rất phổ biến. Và tất nhiên, trong mọi thời kỳ, luôn có những sự bất thường. Nhạc hip-hop không được thu âm chính thức trên đài phát thanh hoặc truyền hình cho đến năm 1979, chủ yếu là do tình trạng nghèo đói vào thời điểm ra đời và sự thiếu chấp nhận của cộng đồng người da đen. Thể loại này bắt đầu lan rộng thông qua các bữa tiệc kín trong toàn bộ cộng đồng người da đen. Đây là một điều khiến chúng ta phản ánh tầm quan trọng của một nhóm người có sự đa dạng. Bất kể bạn nghe phong cách âm nhạc nào, chúng ta luôn có thể học hỏi từ sự khác biệt để trở nên đẹp đẽ.
Nhạc pop thực sự ảnh hưởng hay bắt nguồn như thế nào? Và có đúng là nó dễ nghe và dễ nghe đối với mọi lứa tuổi không? Bởi vì hầu hết mọi người đều tin rằng âm nhạc bắt nguồn từ văn hóa và nghệ thuật luôn kết hợp với nhau. Và tại sao nó vẫn là một bài hát hấp dẫn đối với những người yêu âm nhạc?, ai biết được phong cách nhạc pop thực sự là hiện đại hay bảo thủ? Trên thực tế, nhạc pop đã phát triển cùng với định nghĩa của nó. Như nhà văn âm nhạc Bill Lamb đã nói, nhạc pop là "tất cả các hình thức âm nhạc kể từ cuộc Cách mạng Công nghiệp những năm 1800 gần giống nhất với sở thích và mối quan tâm của tầng lớp trung lưu thành thị". Thuật ngữ "nhạc pop" lần đầu tiên được sử dụng vào năm 1926 để chỉ loại nhạc "phổ biến trong quần chúng". Hatch và Millward lập luận rằng một số sự kiện trong lịch sử thu âm của những năm 1920 được coi là nơi khai sinh của ngành công nghiệp nhạc pop hiện đại, bao gồm nhạc đồng quê, nhạc blues và nhạc hillbilly. Nhạc pop được sản xuất như một nỗ lực, không phải là một hình thức nghệ thuật", và được "thiết kế để thu hút mọi người", nhưng "không bắt nguồn từ bất kỳ nơi nào hoặc thể hiện bất kỳ sở thích cụ thể nào". Frith nói thêm, “Nhạc pop không bị thúc đẩy bởi bất kỳ tham vọng lớn nào, ngoại trừ lợi nhuận và phần thưởng thương mại, và về mặt âm nhạc, nó không bị thúc đẩy bởi bất kỳ tham vọng lớn nào, ngoại trừ lợi nhuận và phần thưởng thương mại.” Nhạc pop về cơ bản là bảo thủ. Nó đến từ trên (bởi các hãng thu âm, đài phát thanh và nhà tổ chức hòa nhạc) chứ không phải từ dưới. Nó không phải là âm nhạc tự sáng tác, mà là âm nhạc được sản xuất và đóng gói chuyên nghiệp, và thường được trích dẫn là nhạc pop hay nhất. Như Frith nói, các đặc điểm của nhạc pop bao gồm mục tiêu thu hút khán giả nói chung hơn là một nền văn hóa phụ hoặc hệ tư tưởng cụ thể, và nhấn mạnh vào sự khéo léo hơn là các phẩm chất “nghệ thuật” chính thức.
Khi bạn tưởng tượng đến một bài hát đồng quê, điều gì hiện ra trong tâm trí bạn? Với tôi, đó là một bài hát tràn ngập tình yêu thương, sự ấm áp từ gia đình hoặc giữa những cánh đồng ở vùng quê. Chúng ta không thể tưởng tượng rằng mỗi lần nghe một bài hát đồng quê, nó sẽ khiến chúng ta cảm thấy căng thẳng hoặc trở thành tín đồ của thể loại nhạc này. Hay một cái tên khác mà bạn vẫn biết đến cho đến ngày nay là nhạc Đồng quê. Đồng quê (còn gọi là nhạc đồng quê và nhạc miền Tây) là một thể loại nhạc có nguồn gốc từ miền Nam Hoa Kỳ, cả ở miền Nam và Tây Nam. Nhạc đồng quê, lần đầu tiên được sản xuất vào những năm 1920, tập trung vào việc hát những bài hát kể về cuộc sống của tầng lớp lao động và người lao động ở Mỹ. Nghe có vẻ rất thú vị vì tôi không nghĩ rằng người Mỹ là một quốc gia đa dạng và có một phong cách âm nhạc luôn đẹp trong sự khác biệt của nó. Và đó là những gì đã xảy ra. Bạn có phải là tín đồ của thể loại nhạc này không? Và điều khiến tôi ngạc nhiên là. Vào năm 2009 tại Hoa Kỳ, nhạc đồng quê là thể loại nhạc được nghe nhiều nhất trong giờ cao điểm vào buổi tối khi đi làm và cũng là thể loại nhạc phổ biến thứ hai trong giờ đi làm vào buổi sáng. Nhạc đồng quê được biết đến với những bản ballad và bài hát khiêu vũ ("bài hát honky-tonk") có hình thức đơn giản và lời dân gian. Và phần hòa âm thường được đệm bằng các nhạc cụ như đàn banjo, đàn vĩ cầm, đàn harmonica và nhiều loại đàn guitar khác nhau (bao gồm guitar acoustic, guitar điện, guitar thép và guitar cộng hưởng). Mặc dù nhạc đồng quê có nguồn gốc từ nhạc dân gian Mỹ dưới các hình thức như nhạc cổ điển và nhạc Appalachian, nhiều truyền thống khác, chẳng hạn như nhạc Mexico, nhạc Ireland và nhạc Hawaii, cũng đã ảnh hưởng đến quá trình sáng tác nhạc này. Thể loại nhạc blues từ nhạc blues cũng đã được sử dụng rộng rãi trong suốt chiều dài lịch sử. Tất nhiên, tôi tin rằng khi bạn đọc đến phần này, bạn có thể hơi chán ngán về cách mỗi thể loại thường kết hợp lịch sử và truyền thống văn hóa. Nhưng tôi tin rằng đó là nơi bắt đầu mối liên hệ chặt chẽ giữa các giá trị bảo thủ và nhạc đồng quê đương đại, để đáp lại phong trào phản chiến của những năm 1960. Cho đến lúc đó, hầu hết nhạc đồng quê, cho đến thời điểm đó vẫn được gọi là nhạc đồng quê dân gian, đều không có định hướng chính trị rõ ràng và thay vào đó tập trung vào các vấn đề và nỗi lo lắng hàng ngày của tầng lớp lao động. Album Okie from Muskogee năm 1969 của Merle Haggard đã trình bày nhạc đồng quê với một góc nhìn chính trị và bảo thủ rõ rệt, rất được ưa chuộng. Tổng thống Cộng hòa Richard Nixon đã củng cố thêm mối liên hệ âm nhạc bảo thủ này trong những năm tại nhiệm. Album thường xuyên tổ chức các sự kiện cho các nhạc sĩ đồng quê, tuyên bố tháng 10 năm 1970 là Tháng nhạc đồng quê và thu hút những người nghe coi nhạc đồng quê là có động cơ chính trị. Tuy nhiên, đến nay, nhạc đồng quê đã lan rộng đến nhiều quốc gia ở Châu Á và nhiều quốc gia khác coi nhạc đồng quê là nguồn vinh dự liên tục.
Khi nhiều người nghe thể loại nhạc này, nhạc rock thực sự có thể khiến nhiều người nghĩ rằng nhạc rock có thể có những câu chuyện hoặc nền văn hóa ẩn chứa trong đó, và thật không thể tin được rằng nguồn gốc của nhạc rock bắt nguồn từ Hoa Kỳ dưới cái tên "rock and roll" vào cuối những năm 1940 và đầu những năm 1950 và đã phát triển thành nhiều hình thức khác nhau kể từ giữa những năm 1960, chủ yếu là ở Hoa Kỳ và Vương quốc Anh. Rock có nguồn gốc từ nhạc rock and roll, một hình thức bắt nguồn trực tiếp từ các thể loại nhạc của người da đen như nhạc blues, nhạc rhythm and blues và nhạc đồng quê. Rock cũng chịu ảnh hưởng nặng nề từ các thể loại như nhạc blues điện tử và nhạc dân gian, và kết hợp các ảnh hưởng từ nhạc jazz và các phong cách âm nhạc khác. Đối với nhạc cụ, nhạc rock thường tập trung vào đàn guitar điện, thường là một phần của nhóm nhạc rock có đàn guitar bass điện, trống và một hoặc nhiều ca sĩ. Rock thường là một bài hát nhấn mạnh vào phần hát, với nhịp điệu 4 phách và sử dụng mẫu câu và hòa âm. Nhưng thể loại này rất đa dạng. Giống như nhạc pop, lời bài hát có xu hướng tập trung vào tình yêu lãng mạn, nhưng cũng nói về nhiều chủ đề khác, thường là xã hội hoặc chính trị. Rock là thể loại nhạc phổ biến nhất ở Hoa Kỳ và trên khắp thế giới phương Tây từ những năm 1950 đến những năm 2010. Vào giữa những năm 1960, các nhạc sĩ nhạc rock bắt đầu đưa album lên hàng đầu thay vì đĩa đơn như là hình thức biểu đạt và tiêu thụ được ghi âm chiếm ưu thế, với The Beatles dẫn đầu. Tác phẩm của họ đã đưa thể loại này vào sự chấp nhận chính thống và mở ra kỷ nguyên nhạc rock chịu ảnh hưởng của album kéo dài hàng thập kỷ trong ngành công nghiệp âm nhạc. Vào cuối những năm 1960, nhạc rock cổ điển đã tạo ra một số thể loại phụ, bao gồm các thể loại lai như nhạc blues rock, nhạc folk rock, nhạc country rock và nhạc jazz rock, giúp phát triển nhạc rock ảo giác, chịu ảnh hưởng của các phong trào phản văn hóa ảo giác và hippie. Các thể loại mới hơn xuất hiện, bao gồm nhạc rock tiến bộ, mở rộng các yếu tố nghệ thuật, nhạc heavy metal, nhấn mạnh vào âm thanh mạnh mẽ và nhạc rock quyến rũ, nhấn mạnh vào phong cách trình diễn và hình ảnh.
Khi nói đến thể loại âm nhạc, nhạc R&B không phải là thể loại mà nhiều người quen thuộc. Tuy nhiên, hầu hết mọi người có xu hướng viết tắt là R&B hoặc R'n'B. Thể loại nhạc đại chúng này bắt nguồn từ cộng đồng người da đen vào những năm 1940. Các công ty thu âm bắt đầu mô tả các bản thu âm được tiếp thị chủ yếu cho người da đen. Trong thời kỳ "nhạc jazz-rock nặng nề, kéo dài" trỗi dậy vào những năm 1950 và 1970, các ban nhạc thường bao gồm một cây đàn piano, một hoặc hai cây đàn guitar, một cây bass, trống, một hoặc nhiều cây saxophone và đôi khi là một ca sĩ hát bè. Lời bài hát R&B thường tóm tắt lịch sử và trải nghiệm của người da đen ở Mỹ, bao gồm nỗi đau, hành trình tìm kiếm tự do và hạnh phúc, cũng như những chiến thắng và thất bại về mặt phân biệt chủng tộc, áp bức, các mối quan hệ, kinh tế và khát vọng xã hội. Bạn thấy đấy, cuối cùng chúng ta cũng có một thể loại nhạc phản ánh lối sống của một nhóm trong một xã hội mãnh liệt và đa dạng, hòa trộn với mọi thể loại nhạc và tất nhiên, khiến "rhythm and blues" thay đổi ý nghĩa nhiều lần. Vào đầu những năm 1950, thuật ngữ này thường được dùng cho các bản thu âm nhạc blues. Vào giữa những năm 1950, sau khi thể loại nhạc này giúp phát triển nhạc rock and roll, thuật ngữ "R&B" được sử dụng trong bối cảnh rộng hơn, ám chỉ một phong cách âm nhạc phát triển từ và kết hợp nhạc blues điện tử, nhạc phúc âm và nhạc soul. Vào những năm 1970, "rhythm and blues" lại thay đổi và được sử dụng như một thuật ngữ chung cho nhạc soul và funk. Một phong cách nhạc R&B mới đã phát triển và được gọi là "R&B đương đại". Phong cách đương đại này kết hợp R&B với nhạc pop, nhạc disco, nhạc hip hop, nhạc soul, nhạc funk và nhạc điện tử. Vào thời điểm đó, R&B được áp dụng cho các album nhạc blues. Nhà văn kiêm nhà sản xuất Robert Palmer định nghĩa nhạc R&B là "thuật ngữ chung cho mọi hình thức âm nhạc do người Mỹ da đen sáng tác và dành cho họ". Ông cũng sử dụng thuật ngữ "R&B" như một từ đồng nghĩa với nhạc jump blues. Tuy nhiên, AllMusic đã tách thuật ngữ này khỏi nhạc jump blues vì R&B có ảnh hưởng phúc âm lớn hơn.[16] Lawrence Cohn, tác giả của Nothing but the Blues, đã viết rằng "nhạc R&B" là thuật ngữ chung được phát minh ra để thuận tiện cho ngành công nghiệp. Theo ông, thuật ngữ này bao gồm tất cả nhạc của người da đen, ngoại trừ nhạc cổ điển và nhạc tôn giáo, trừ khi nhạc phúc âm bán chạy đủ để lọt vào bảng xếp hạng cho đến tận thế kỷ 21. Thuật ngữ R&B tiếp tục được sử dụng (trong một số bối cảnh) để phân loại nhạc do các nhạc sĩ da đen sáng tác, tách biệt với phong cách do các nhạc sĩ khác sáng tác. Trong nhạc R&B thương mại, đặc trưng của những năm 1950 và 1970, các ban nhạc thường bao gồm một cây đàn piano, một hoặc hai cây đàn guitar, bass, trống và saxophone. Các bản hòa âm được tập luyện ở mức tối thiểu và đôi khi có cả ca sĩ hát bè. Các phần đơn giản, lặp đi lặp lại được đan xen, tạo ra động lực và nhịp điệu chơi tạo ra kết cấu mềm mại, giai điệu và thường thôi miên trong khi thu hút sự chú ý vào giọng hát của từng người, mặc dù các ca sĩ đã tham gia về mặt cảm xúc với lời bài hát, thường là rất mãnh liệt. Nhưng họ vẫn bình tĩnh, thoải mái và kiểm soát được. Ban nhạc mặc vest và đồng phục, một thông lệ liên quan đến âm nhạc đại chúng mà các nhạc sĩ R&B khao khát thống trị. Lời bài hát thường đáng ngại và âm nhạc thường tuân theo các mẫu hợp âm và cấu trúc có thể đoán trước. Lời bài hát R&B thường gói gọn những trải nghiệm đau đớn của người Mỹ gốc Phi. Một ấn phẩm của Smithsonian đã tóm tắt nguồn gốc của thể loại này vào năm 2016: “Âm nhạc của người Mỹ gốc Phi, cụ thể là, dựa trên các nhánh sâu sắc của biểu hiện của người Mỹ gốc Phi, là sự kết hợp của nhạc phúc âm, nhạc jump blues, nhạc big band swing, nhạc boogie và nhạc blues đã phát triển trong khoảng thời gian ba mươi năm kéo dài trong kỷ nguyên của nhạc hợp pháp.
Nhạc cụ điện tử được sử dụng rộng rãi trong hầu hết mọi hình thức âm nhạc. Trong âm nhạc đại chúng, chẳng hạn như nhạc khiêu vũ điện tử, hầu hết mọi âm thanh được ghi lại đều là âm thanh điện tử (ví dụ như bộ tổng hợp âm trầm, bộ tổng hợp, máy trống). Sự phát triển của các nhạc cụ điện tử, bộ điều khiển và bộ tổng hợp mới vẫn là một lĩnh vực nghiên cứu tích cực và đa ngành. Hội nghị quốc tế về Giao diện mới cho Biểu đạt âm nhạc được tổ chức để báo cáo về các tác phẩm tiên tiến và giới thiệu các nghệ sĩ biểu diễn hoặc sáng tác nhạc bằng các nhạc cụ điện tử, bộ điều khiển và bộ tổng hợp mới. Và bây giờ là nội dung chuyên sâu hơn về chủ đề âm nhạc này. Một sự phát triển mới quan trọng là sự ra đời của máy tính với mục đích sáng tác nhạc. Thay vì kiểm soát hoặc tạo ra âm thanh, Iannis Xenakis đã tiên phong trong cái mà ông gọi là Musique Stochastique hay âm nhạc ngẫu nhiên, một phương pháp sáng tác nhạc sử dụng các hệ thống xác suất toán học. Các thuật toán xác suất khác nhau đã được sử dụng để tạo ra các tác phẩm trong một tập hợp các tham số. Xenakis đã sử dụng giấy kẻ ô để giúp tính toán đường đi của vận tốc glissandos cho tác phẩm dành cho dàn nhạc Metastasis (1953–54) của mình, nhưng sau đó chuyển sang máy tính để sáng tác, chẳng hạn như ST/4 cho tứ tấu đàn dây và ST/48 cho dàn nhạc (cả hai đều vào năm 1962). Tác động của máy tính tiếp tục vào năm 1956 khi Lejaren Hiller và Leonard Issacson sáng tác Illiac Suite cho tứ tấu đàn dây. Đây là tác phẩm hoàn chỉnh đầu tiên về sáng tác có sự hỗ trợ của máy tính sử dụng sáng tác thuật toán. Năm 1957, Max Matthews của Bell Lab đã viết loạt MUSIC-N, chương trình máy tính đầu tiên tạo ra sóng âm kỹ thuật số bằng tổng hợp trực tiếp. Sau đó, Barry Vercoe đã viết MUSIC 11, dựa trên chương trình tổng hợp âm nhạc thế hệ tiếp theo MUSIC IV-BF (sau này được phát triển thành csound, hiện vẫn được sử dụng rộng rãi). Vào giữa những năm 1980, Miller Puckett của IRCAM đã phát triển một phần mềm xử lý tín hiệu đồ họa cho 4X có tên là Max (theo tên Max Matthews), và sau đó chuyển nó sang Macintosh (với Dave Ciccarelli mở rộng nó cho Opcode[39]) để điều khiển MIDI theo thời gian thực, giúp sáng tác thuật toán có thể tiếp cận được với hầu hết các nhà soạn nhạc có trình độ lập trình máy tính trung cấp.
House là nhạc dance điện tử có nhịp điệu bốn nhịp lặp lại và nhịp độ chung là 115–130 nhịp mỗi phút. Người ta tin rằng khi nhiều người nghe thể loại này, họ thường nghĩ rằng nó có thể được phát minh hoặc tạo ra từ việc làm nhạc tại nhà hoặc từ văn hóa gia đình hoặc từ những người trong nhà. Nhưng trên thực tế, thể loại này được tạo ra bởi các DJ và nhà sản xuất âm nhạc từ nền văn hóa câu lạc bộ ngầm của Chicago và dần phát triển vào đầu đến giữa những năm 1980 khi các DJ bắt đầu thay đổi nhạc disco để có nhịp điệu cơ học hơn. Vào đầu năm 1988, House trở nên phổ biến và thay thế nhịp điệu chung của những năm 80. Nếu chúng ta đào sâu hơn một chút, trên thực tế, ở dạng tổng quát nhất của nó, thể loại này được đặc trưng bởi nhịp 4/4 lặp đi lặp lại, trống trầm, hi-hat lệch nhịp, trống snare, tiếng vỗ tay và/hoặc tiếng tát với nhịp độ từ 120 đến 130 nhịp mỗi phút (bpm), các đoạn riff tổng hợp, một đường âm trầm sâu và thường xuyên, nhưng không nhất thiết, là giọng hát, nói hoặc lấy mẫu. Trong house, trống trầm thường được chơi ở nhịp 1, 2, 3 và 4, và trống snare, tiếng vỗ tay hoặc nhạc cụ gõ có âm vực cao hơn được sử dụng ở nhịp 2 và 4. Nhịp trống trong nhạc house thường là máy trống điện tử, thường là Roland TR-808, TR-909 hoặc TR-707. Tiếng vỗ tay, tiếng lắc, trống snare hoặc tiếng hi-hat được sử dụng để thêm sự ngắt quãng. Những đoạn riff nhịp điệu đặc trưng, đặc biệt là trong nhạc house Chicago thời kỳ đầu, được xây dựng theo mô hình clave, đôi khi thêm congas và bongo để tạo nên âm thanh châu Phi. Hoặc bộ gõ kim loại để tạo nên cảm giác Latin.
Nhạc dance điện tử Trên thực tế, nguồn gốc của thể loại nhạc dance điện tử đã phát triển và bắt nguồn từ đâu? Theo tác giả, khi tôi sinh ra, tôi đã nghe thể loại nhạc này. Nó khiến tôi thấy nó như một thứ gì đó quốc tế đến từ Châu Âu và mọi người biết đến thể loại nhạc (EDM) hoặc tên có thể được gọi là nhạc khiêu vũ hoặc âm nhạc mà những người yêu thích cuộc sống về đêm và đam mê âm nhạc, giai điệu câu lạc bộ. Tất nhiên, đó là một loại nhạc điện tử gõ được tạo ra cho các hộp đêm, tiệc tùng và lễ hội âm nhạc. Nó thường được sản xuất để chơi bởi các DJ, những người tạo ra một loạt các bài hát liền mạch được gọi là. DJ mix bằng cách thay đổi từ bản ghi âm này sang bản ghi âm khác. Bộ điều khiển chương trình, thường là anh hùng thầm lặng của thế giới EDM, là bộ óc chủ mưu đằng sau việc sản xuất thể loại này. EDM không chỉ giới hạn trong phòng thu; nó trở nên sống động dưới hình thức biểu diễn trực tiếp tại các buổi hòa nhạc hoặc lễ hội, một định dạng thường được gọi là PA trực tiếp. Nói về thế kỷ kể từ khi thành lập, EDM đã mở rộng. EDM trở nên phổ biến rộng rãi ở châu Âu vào cuối những năm 1980 và đầu những năm 1990 sau sự xuất hiện của các buổi tiệc rave, nhạc radio lậu, tiệc trên đám mây, lễ hội ngầm và sự quan tâm ngày càng tăng đối với văn hóa câu lạc bộ. Tuy nhiên, văn hóa rav không phổ biến rộng rãi ở Hoa Kỳ. Nó thường không phổ biến bên ngoài các bối cảnh khu vực ở Thành phố New York, Florida, Trung Tây và California. Mặc dù electro, house Chicago và techno Detroit đã ảnh hưởng đến cả châu Âu và Hoa Kỳ, các phương tiện truyền thông chính thống và ngành công nghiệp thu âm Hoa Kỳ vẫn công khai không chấp thuận thể loại này cho đến những năm 1990 trở đi. Người ta cũng ngày càng nhận thức được mối liên hệ của EDM với văn hóa ma túy, khiến chính quyền tiểu bang và thành phố phải thông qua luật và chính sách nhằm ngăn chặn sự lây lan của văn hóa rave. Ồ, điều đó nghe có vẻ thú vị và đáng ngạc nhiên đối với tôi. Liệu các thể loại âm nhạc có thực sự phản ánh tính cách của những người nghe chúng không? Vào cuối thiên niên kỷ mới, EDM ngày càng trở nên phổ biến trên toàn thế giới, đặc biệt là ở Hoa Kỳ và Úc. Vào đầu những năm 2010, ngành công nghiệp âm nhạc và phương tiện truyền thông âm nhạc Hoa Kỳ đã thúc đẩy các thuật ngữ "nhạc dance điện tử" và từ viết tắt "EDM" để đổi mới văn hóa rave của Mỹ. Bất chấp những nỗ lực của ngành công nghiệp này nhằm xây dựng thương hiệu EDM như một thể loại duy nhất, từ viết tắt này vẫn tiếp tục được sử dụng như một thuật ngữ chung cho một số thể loại, bao gồm dance-pop, house, techno, electro và trance, cũng như các thể loại phụ liên quan. Tất cả đều có trước từ viết tắt này. Sự ra đời của mọi thể loại âm nhạc không chỉ có một câu chuyện và bắt nguồn từ thời Samui, mà còn phản ánh giá trị của việc sử dụng âm nhạc để chữa lành tâm hồn con người và đã trở thành một lịch sử mà tôi đã tóm tắt ngắn gọn trong bài viết. Lịch sử Âm nhạc điện tử và Lịch sử của DJ Các thể loại EDM khác nhau đã phát triển trong 40 năm qua, bao gồm house, techno, drum and bass, dance-pop, v.v. Những thay đổi về phong cách trong các thể loại EDM hiện có có thể dẫn đến sự xuất hiện của những gì được gọi là các thể loại phụ. Sự kết hợp các yếu tố của hai hoặc nhiều thể loại có thể dẫn đến sự xuất hiện của một thể loại EDM hoàn toàn mới.
Khi nói đến bản sắc của thể loại nhạc Dubstep, có thể người hâm mộ thể loại nhạc này không mấy quen thuộc. Với tính độc đáo và đặc điểm riêng, thể loại này tương tự như nhạc dance điện tử có nguồn gốc từ Nam London vào đầu những năm 2000. Phong cách này xuất hiện từ nhánh nhạc garage ở Anh, kết hợp nhịp 2 bước và sản xuất soft dub. Ở Anh, nguồn gốc của thể loại này bắt nguồn từ sự phát triển của bối cảnh tiệc tùng hệ thống âm thanh Jamaica vào đầu những năm 1980. Dubstep được đặc trưng bởi việc sử dụng các mẫu nhịp điệu syncopated, các đường bass nổi bật và tông màu tối. Năm 2001, âm thanh underground này và các thể loại garage khác bắt đầu được giới thiệu và quảng bá tại hộp đêm Plastic People ở London, tại sự kiện 'Forward' (đôi khi là FWD>>) và trên đài phát thanh lậu Rinse FM, sau này có ảnh hưởng lớn đến sự phát triển của nhạc dubstep. Nhịp nửa thời gian: Dubstep thường sử dụng nhịp điệu giống như nhịp nửa thời gian (mặc dù chúng thực sự nhanh), chẳng hạn như trong ví dụ này giải thích rằng bài hát có nhịp độ 71 bpm, cảm giác như bằng một nửa thời gian của nhịp độ nhanh hơn (142 bpm). Đây là một trong những kỹ thuật giúp tạo ra sự căng thẳng và sức mạnh trong bài hát. Sub-Bass: Âm trầm thấp và dày độc đáo của Dubstep có độ rung mạnh và có thể cảm nhận được bằng vật lý. Sử dụng âm trầm chắc chắn này giúp bài hát có chiều sâu và sức mạnh hơn. Mẫu cắt: Dubstep thường sử dụng âm thanh ngắn, bị cắt hoặc "bị cắt" để thêm sự thú vị cho nhịp điệu và âm thanh, tạo cho nó cảm giác đứt quãng hoặc không đồng đều. Tôi nghĩ khi bạn đọc bài viết này, bạn sẽ bắt đầu nhận ra rằng các thể loại thường được điều chỉnh và thao túng để tạo ra sức hấp dẫn về mặt thẩm mỹ cho những người đam mê âm nhạc và đó là một điều thực sự độc đáo được tạo ra dưới dạng một thể loại dễ nhận biết và đặc biệt, và đôi khi là vậy. Vocal Chops: Dubstep có thể có giọng hát đã bị cắt và bóp méo, mang đến cho âm nhạc chiều sâu và bầu không khí sâu sắc hơn.
Nhạc Trap là gì, nó bắt nguồn từ đâu và thể loại này được tạo ra để làm gì? Thể loại nhạc đã thay đổi ngành công nghiệp âm nhạc Nhạc Trap xuất hiện vào đầu những năm 2000, có nguồn gốc từ Atlanta, Georgia, Hoa Kỳ. Thuật ngữ "trap" bắt nguồn từ tiếng lóng chỉ việc buôn bán ma túy ở Hoa Kỳ, đây là một trong những chủ đề chính được tìm thấy trong thể loại nhạc này. Nhạc Trap được đặc trưng bởi 808 trống, hi-hat, snare rolls và synthesizer hoặc giai điệu. Nhịp điệu của bài hát được cấu trúc theo một cách thú vị. Điều này đã dẫn đến sự gia tăng về mức độ phổ biến trong cả các nghệ sĩ hip-hop và nhà sản xuất từ các thể loại khác. Nguồn gốc và sự phát triển của nhạc Trap. Nhạc Trap lần đầu tiên được biết đến vào khoảng năm 2003-2005. Những nghệ sĩ đầu tiên giúp tạo ra và phổ biến thể loại nhạc này là T.I., Gucci Mane và Young Jeezy. Đặc biệt, album Trap Muzik năm 2003 của T.I. đã đóng vai trò quan trọng trong việc chính thức định nghĩa thuật ngữ "Nhạc Trap" là một thể loại.
Nếu bạn chưa quen với thể loại nhạc dân gian ngày nay, tôi sẽ đưa bạn đi khám phá sâu hơn với bản tóm tắt mà cả tác giả và độc giả sẽ cùng tìm hiểu. Nhiều người nghe thể loại nhạc này đều tin rằng. Nhạc dân gian là một thể loại phản ánh văn hóa và lối sống, có nguồn gốc từ truyền thống và văn hóa của từng địa phương. Ví dụ, bài hát dân gian Ireland 'The Parting Glass' hoặc bài hát dân gian Mỹ 'This Land Is Your Land' truyền tải những câu chuyện về con người, lối sống, niềm tin và trải nghiệm của họ được truyền từ thế hệ này sang thế hệ khác. Và nếu chúng ta nói về sự phát triển của Nhạc dân gian, Nhạc dân gian tồn tại ở mọi quốc gia và được phát triển theo thời đại. Vào thế kỷ 20, Nhạc dân gian đã được hồi sinh mạnh mẽ, đặc biệt là ở Hoa Kỳ và Châu Âu. Những nghệ sĩ đóng vai trò thiết yếu trong việc đưa Nhạc dân gian vào dòng chính là Bob Dylan, Joan Baez và Woody Guthrie. Nhạc dân gian không chỉ là một thể loại mà còn là công cụ để kể những câu chuyện về xã hội. Đây là phương tiện được sử dụng để phản ánh các vấn đề và cảm xúc của con người trong từng thời đại. Ví dụ, các bài hát dân gian đã được sử dụng để giải quyết các vấn đề xã hội như đói nghèo, chiến tranh và quyền công dân. Cho dù đó là những bài hát dân gian phản ánh các vấn đề xã hội, các bài hát dân gian truyền thống hay âm nhạc kết hợp với âm nhạc hiện đại, Nhạc dân gian vẫn đóng một vai trò quan trọng trong ngành công nghiệp âm nhạc trên toàn thế giới và đã lan rộng đáng kinh ngạc. Tôi không thể tin rằng nhạc dân gian thực sự khá độc đáo và trình bày những câu chuyện về văn hóa hấp dẫn người nghe. Đó là lý do tại sao đặc điểm của nhạc dân gian là những bài hát kể những câu chuyện về con người như tình yêu, công việc, hạnh phúc và nỗi buồn, và các sự kiện lịch sử. Với giai điệu đơn giản, các nhạc cụ acoustic như guitar, violin, banjo, mandolin và sáo thường được sử dụng. Nó được truyền miệng trước khi được ghi lại dưới dạng nốt nhạc hoặc được ghi lại trong thời đại hiện đại. Với những đặc điểm riêng biệt cho từng nền văn hóa, chẳng hạn như nhạc dân gian Ireland, nhạc bluegrass Mỹ, nhạc đồng quê Thái Lan hoặc nhạc flamenco Tây Ban Nha. Nếu bạn đã đọc đến đây, bạn đã trải nghiệm và nhận ra rằng nhạc dân gian luôn có những câu chuyện chứa đựng năng lượng tốt đẹp.
Không thể phủ nhận rằng việc đi du lịch vòng quanh thế giới sẽ khiến một thành phố trở nên đáng nhớ, và tôi tin rằng nếu bạn đã đi du lịch đến bất kỳ quốc gia nào ở phía Nam nước Mỹ, bạn chắc chắn sẽ quen thuộc với nhạc Latin. Ngay cả khi bạn không quen thuộc với âm nhạc này, người dân địa phương và những người dân đã bảo tồn âm nhạc địa phương chắc chắn sẽ có thể giới thiệu cho bạn những giai điệu của nhạc Latin. Và đó là lý do tại sao nhạc Latin vẫn tiếp tục phổ biến cho đến ngày nay và ngày càng trở nên phổ biến hơn ngay cả sau khi chúng đã di chuyển đến Mỹ. Tôi tin rằng bạn cũng sẽ thích thể loại nhạc này vì nó có thêm tiếng Tây Ban Nha hoặc Bồ Đào Nha, khiến nó trở nên hấp dẫn hơn. Thời kỳ hoàng kim của âm nhạc Latin bắt đầu khi NARAS thành lập Học viện thu âm Latin (LARAS) vào năm 1997 nhằm mở rộng hoạt động tại cả Mỹ Latin và Tây Ban Nha. Vào tháng 9 năm 2000, LARAS ra mắt Giải thưởng Latin Grammy, một lễ trao giải riêng biệt với Giải thưởng Grammy. Những người tổ chức cho biết vũ trụ âm nhạc Latin quá lớn để đưa vào giải Grammy. Michael Greene, cựu giám đốc NARAS, từng nói rằng sự đa dạng của các phong cách nhạc Latin đã làm phức tạp quá trình thành lập Giải thưởng Grammy Latin. Lưu ý rằng điểm chung duy nhất của chúng là ngôn ngữ, Giải thưởng Grammy Latin được trao cho các bản thu âm được phát bằng tiếng Tây Ban Nha hoặc tiếng Bồ Đào Nha, trong khi tổ chức này tập trung vào âm nhạc từ Mỹ Latinh, Tây Ban Nha và Bồ Đào Nha. Kể từ cuối những năm 1990, Hoa Kỳ đã chứng kiến sự gia tăng ngày càng tăng về dân số "người La tinh", một thuật ngữ phổ biến vào những năm 1960 do nhầm lẫn thuật ngữ "Tây Ban Nha" với thuật ngữ chính xác hơn nhưng ít phổ biến hơn là "người Tây Ban Nha". Người dân ở Hoa Kỳ bắt đầu gọi tất cả các bản nhạc có giọng hát Tây Ban Nha là "nhạc Latin". Bất kỳ thể loại nhạc Tây Ban Nha nào được hát đều được phân loại là "La tinh". Điều này khiến các nghệ sĩ ở Tây Ban Nha được gọi là "La tinh".
