힙합
음악이 항상 기적과 평화를 마음에 만들어낸다고 믿습니까? 그리고 힙합 스타일은 여전히 모든 시대에 사람들이 좋아하는 장르입니다. 그리고 각 음악 스타일이 여전히 음악의 멜로디에 사람들의 문화와 다양성이 각인된 향을 가지고 있다는 것은 부인할 수 없습니다. 그리고 그것은 힙합이 여전히 항상 이야기되는 이유입니다. 힙합 음악을 들으면 항상 노래를 통해 말하고 상황이나 듣는 사람과 일치하는 음악이나 음악 리듬을 통해 소통하는 것처럼 느껴진다는 것은 분명합니다. H 1970년대 힙합은 매우 인기가 있었습니다. 그리고 물론 모든 시기에 항상 불규칙성이 있습니다. 힙합 음악은 1979년까지 공식적으로 라디오나 텔레비전에 녹음되지 않았는데, 주로 탄생 당시 빈곤과 흑인 커뮤니티의 수용 부족 때문이었습니다. 이 장르는 흑인 커뮤니티 전역의 폐쇄적인 파티를 통해 퍼지기 시작했습니다. 이것은 다양성을 지닌 사람들의 그룹의 중요성을 반영하게 하는 한 가지입니다. 어떤 스타일의 음악을 듣든 우리는 항상 차이점에서 아름다움을 배울 수 있습니다.
국가
컨트리 송을 상상할 때 무엇이 떠오르나요? 저에게는 사랑과 가족의 따뜻함이 가득한 노래이거나 시골의 들판 한가운데서의 노래입니다. 컨트리 송을 들을 때마다 긴장감을 느끼거나 이런 스타일의 음악을 따르게 될 것이라고는 상상할 수 없습니다. 또는 오늘날까지도 알고 있는 또 다른 이름은 컨트리 음악이라고 합니다. 컨트리(컨트리 앤 웨스턴이라고도 함)는 미국 남부 지역, 남부와 남서부 모두에서 시작된 음악 장르입니다. 1920년대에 처음 만들어진 컨트리 음악은 미국의 노동 계층과 노동자들의 삶에 대한 이야기를 노래하는 데 중점을 두었습니다. 미국인이 다양한 나라이고 항상 차이점이 아름다운 음악 스타일을 가지고 있다고 생각하지 않았기 때문에 매우 흥미롭게 들립니다. 그리고 그게 일어났습니다. 당신은 이런 음악 장르를 따르고 있습니까? 그리고 저를 놀라게 한 것은 무엇입니까. 2009년 미국에서 컨트리 음악은 저녁 출퇴근 시간대에 가장 많이 듣는 음악이었고, 아침 출퇴근 시간대에도 두 번째로 인기 있는 장르였습니다. 컨트리 음악은 간단한 형식과 포크 가사가 있는 발라드와 댄스곡("홍키통크 노래")으로 유명합니다. 그리고 하모니는 일반적으로 밴조, 피들, 하모니카, 다양한 유형의 기타(어쿠스틱, 일렉트릭, 스틸, 레조네이터 기타 포함)와 같은 악기와 함께 연주됩니다. 컨트리 음악은 올드타임과 애팔래치아와 같은 형태로 미국 포크 음악에 뿌리를 두고 있지만, 멕시코, 아일랜드, 하와이와 같은 다른 많은 전통도 컨트리 음악의 창작에 영향을 미쳤습니다. 블루스의 블루스 모드도 역사 전반에 걸쳐 널리 사용되었습니다. 물론, 이 글을 읽는 동안 이 지점에 도달할 때쯤이면 각 장르가 종종 역사와 문화적 전통을 통합하는 방식에 약간 지쳐 있을 것이라고 생각합니다. 하지만 저는 1960년대 반전 운동에 대한 반응으로 보수적 가치와 현대 컨트리 음악의 긴밀한 연결이 시작된 곳이 바로 그곳이라고 생각합니다. 그때까지 거의 모든 컨트리 음악은, 그때까지 포크 컨트리라고 불렸지만, 명확한 정치적 지향이 없었고 대신 노동계급의 일상적인 문제와 불안에 초점을 맞췄습니다. Merle Haggard의 1969년 앨범 Okie from Muskogee는 컨트리 음악에 확실히 보수적이고 정치적인 관점을 제시했고, 이는 인기를 끌었습니다. 공화당 대통령 Richard Nixon은 재임 기간 동안 이러한 보수적인 음악적 연결을 더욱 강화했습니다. 컨트리 음악가들을 위한 이벤트를 자주 개최했고, 1970년 10월을 컨트리 음악의 달로 선포했으며, 컨트리 음악을 정치적 동기로 보는 청취자들에게 어필했습니다. 하지만 지금까지 컨트리 음악은 아시아의 많은 국가와 컨트리 음악을 끊임없는 명예의 원천으로 보는 다른 많은 국가로 퍼졌습니다.
팝
팝 음악은 실제로 어떻게 영향을 미쳤거나 시작되었을까? 그리고 모든 연령대가 듣고 들을 수 있다는 것은 사실일까? 대부분의 사람들은 음악이 항상 함께 모인 문화와 예술에서 시작되었다고 믿기 때문이다. 그리고 음악 애호가들에게 여전히 매력적인 노래인 이유는 무엇일까? 팝 음악의 스타일이 진정으로 현대적이거나 보수적인지 누가 알겠는가? 사실, 팝 음악은 정의와 함께 진화했다. 음악 작가 빌 램이 말했듯이, 팝 음악은 "1800년대 산업 혁명 이후 도시 중산층의 취향과 관심사와 가장 유사한 모든 형태의 음악"이다. "팝 음악"이라는 용어는 1926년에 "대중에게 인기 있는" 음악을 의미하는 데 처음 사용되었다. 해치와 밀워드는 1920년대 녹음 역사에서 컨트리, 블루스, 힐빌리를 포함한 여러 사건이 현대 팝 음악 산업의 발상지로 여겨진다고 주장한다. 팝 음악은 예술 형식이 아니라 노력으로 제작되었으며, "모든 사람에게 어필하도록 설계되었지만" "어느 한 곳에서 시작되지 않았고 어떤 특정한 취향을 표현하지 않았다." 프리트는 "대중 음악은 이익과 상업적 보상을 제외하고는 큰 야망에 의해 주도되지 않으며, 음악적으로 상업적 이득과 보상을 제외하고는 큰 야망에 의해 주도되지 않습니다."라고 덧붙였습니다. 대중 음악은 근본적으로 보수적입니다. 그것은 아래가 아닌 위(레코드 레이블, 라디오 및 콘서트 프로모터)에서 나옵니다. 그것은 스스로 만든 음악이 아니라 전문적으로 제작되고 포장된 음악이며, 종종 대중 음악의 최고로 언급됩니다. 프리트가 말했듯이, 대중 음악의 특징은 특정 하위 문화나 이념보다는 일반 대중에게 어필하는 것을 목표로 하며, 형식적인 "예술적" 특성보다는 장인 정신을 강조하는 것입니다.
바위
많은 사람들이 음악 장르를 들을 때, 록 음악은 실제로 많은 사람들에게 록 음악에 스토리나 문화가 내재되어 있다고 생각하게 만들 수 있으며, 록 음악의 기원이 1940년대 후반과 1950년대 초반에 "록앤롤"이라는 이름으로 미국에서 시작되어 1960년대 중반 이후 주로 미국과 영국에서 여러 다른 형태로 발전했다는 것은 믿을 수 없습니다. 록은 블루스, 리듬 앤 블루스, 컨트리와 같은 흑인 음악 장르에서 직접 영감을 얻은 록앤롤에서 유래되었습니다. 록은 또한 일렉트릭 블루스와 포크와 같은 장르의 영향을 크게 받았으며 재즈와 다른 음악 스타일의 영향을 통합합니다. 악기의 경우 록은 일반적으로 일렉트릭 기타에 초점을 맞추는데, 이는 종종 일렉트릭 베이스 기타, 드럼, 한 명 이상의 가수가 있는 록 그룹의 일부입니다. 록은 일반적으로 4박자 리듬으로 노래를 강조하고 구절과 하모니 패턴을 사용하는 노래입니다. 그러나 이 장르는 매우 다양합니다. 팝 음악처럼 가사는 낭만적인 사랑에 초점을 맞추는 경향이 있지만, 종종 사회적 또는 정치적인 다른 많은 주제에 대해서도 이야기합니다. 록은 1950년대부터 2010년대까지 미국과 서구 세계 전역에서 가장 인기 있는 음악 장르였습니다. 1960년대 중반까지 록 뮤지션들은 싱글보다 앨범을 기록된 표현과 소비의 지배적인 형태로 밀어붙이기 시작했으며, 비틀즈가 선두를 달렸습니다. 그들의 작업은 이 장르를 주류로 수용하게 했고 음악 산업에서 수십 년 동안 앨범의 영향을 받은 록 시대를 열었습니다. 1960년대 후반에 클래식 록은 블루스 록, 포크 록, 컨트리 록, 재즈 록과 같은 하이브리드를 포함한 여러 하위 장르를 낳았고, 이는 사이키델릭 록의 발전을 도왔으며, 사이키델릭 록은 사이키델릭과 히피 반문화 운동의 영향을 받았습니다. 예술적 요소를 확장한 프로그레시브 록, 하드 사운드를 강조한 헤비메탈, 퍼포먼스와 비주얼 스타일을 강조한 글램 록을 포함한 새로운 장르가 등장했습니다.
전자
전자 악기는 거의 모든 형태의 음악에 널리 사용됩니다. 일렉트로닉 댄스 음악과 같은 대중 음악에서 거의 모든 녹음된 사운드는 전자적입니다(예: 베이스 신시사이저, 신시사이저, 드럼 머신). 새로운 전자 악기, 컨트롤러 및 신시사이저의 개발은 여전히 활발하고 학제간 연구 분야입니다. 음악 표현을 위한 새로운 인터페이스에 대한 국제 컨퍼런스는 최첨단 작품을 보고하고 새로운 전자 악기, 컨트롤러 및 신시사이저로 음악을 연주하거나 만드는 아티스트를 선보이기 위해 개최됩니다. 이제 이 음악 주제에 대한 보다 강렬한 콘텐츠를 살펴보겠습니다. 주요한 새로운 발전은 음악을 작곡하기 위한 컴퓨터의 출현이었습니다. Iannis Xenakis는 소리를 제어하거나 생성하는 대신 Musique Stochastique 또는 무작위 음악이라고 하는 수학적 확률 시스템을 사용하는 음악 작곡 방법을 개척했습니다. 다양한 확률적 알고리즘을 사용하여 일련의 매개변수 내에서 작품을 생성했습니다. Xenakis는 그의 오케스트라 작품 Metastasis(1953-54)에서 글리산도의 속도 경로를 계산하는 데 그래프 용지를 사용했지만, 나중에는 현악 4중주를 위한 ST/4와 오케스트라를 위한 ST/48(둘 다 1962년)과 같이 작곡을 위해 컴퓨터를 사용했습니다. 컴퓨터의 영향은 1956년 Lejaren Hiller와 Leonard Issacson이 현악 4중주를 위한 Illiac Suite를 작곡했을 때 계속되었습니다. 이것은 알고리즘 작곡을 사용한 최초의 완전한 컴퓨터 지원 작곡 작품이었습니다. 1957년 Bell Lab의 Max Matthews는 직접 합성을 통해 디지털 음파를 생성하는 최초의 컴퓨터 프로그램인 MUSIC-N 시리즈를 작성했습니다. 그런 다음 Barry Vercoe는 차세대 음악 합성 프로그램 MUSIC IV-BF(나중에 csound로 개발되어 여전히 널리 사용됨)를 기반으로 MUSIC 11을 작성했습니다. 1980년대 중반, IRCAM의 Miller Puckett은 Max(Max Matthews의 이름을 따서 명명)라는 4X용 그래픽 신호 처리 소프트웨어를 개발했고 나중에 이를 Macintosh로 이식했으며(Dave Ciccarelli가 이를 Opcode로 확장[39]) 이를 통해 중급 수준의 컴퓨터 프로그래밍을 갖춘 대부분의 작곡가가 알고리즘 작곡을 할 수 있게 되었습니다.
포크
今日、フォークミュージックというジャンルに馴染みがない方のために、著者と読者が一緒に見つけられるような要約とともに、フォークミュージックを深く探究していきます。このタイプの音楽を聴く人の多くはそう信じています。フォークミュージックは、各地域の伝統や文化に根ざした、文化や生活様式を反映するジャンルです。たとえば、アイルランドのフォークソング「The Parting Glass」やアメリカのフォークソング「This Land Is Your Land」は、世代から世代へと受け継がれてきた人々、彼らの生き方、信念、経験の物語を伝えています。そして、フォークミュージックの発展について言えば、フォークミュージックはどの国にも存在し、時代に合わせて発展してきました。20世紀には、特に米国とヨーロッパでフォークミュージックが大きく復活しました。フォークを主流にするのに重要な役割を果たしたアーティストは、ボブ・ディラン、ジョーン・バエズ、ウディ・ガスリーでした。フォークミュージックは単なるジャンルではなく、社会についての物語を伝えるツールです。それは、それぞれの時代の人々の問題や感情を反映するために使われた媒体です。例えば、貧困、戦争、公民権などの社会問題に対処するために民謡が使われてきました。社会問題を反映した民謡、伝統的な民謡、現代音楽と融合した音楽など、民謡は今でも世界中の音楽業界で重要な役割を果たしており、信じられないほど広まっています。民謡が実際には非常にユニークで、聴く人を魅了する文化の物語を提示しているとは信じられません。だからこそ、フォークミュージックの特徴は、愛や仕事、喜びや悲しみ、歴史的出来事など、人々の物語を歌ったものなのです。シンプルなメロディーで、ギター、バイオリン、バンジョー、マンドリン、フルートなどのアコースティック楽器がよく使われます。音符として記録されたり、現代に録音される前は、口伝えで受け継がれてきました。アイルランドのフォークミュージック、アメリカのブルーグラス、タイのカントリーミュージック、スペインのフラメンコ音楽など、それぞれの文化に固有の特徴があります。ここまで読んでくださった方は、すでに体験し、フォークミュージックには必ず良いエネルギーを秘めた物語があることに気づいているはずです。
집
하우스는 반복적인 4박자 리듬과 분당 115~130비트의 일반적인 템포를 가진 일렉트로닉 댄스 음악입니다. 많은 사람들이 이 장르를 들을 때 종종 집에서 음악을 만들거나 가족 문화 또는 집에 있는 사람들로부터 발명되거나 만들어졌을 것이라고 생각한다고 믿어집니다. 하지만 사실 이 장르는 시카고의 언더그라운드 클럽 문화에서 온 DJ와 음악 프로듀서에 의해 만들어졌고, DJ가 디스코 음악을 더 기계적인 리듬으로 바꾸기 시작한 1980년대 초반에서 중반에 점차 발전했습니다. 1988년 초에 하우스가 주류가 되었고 80년대의 일반적인 리듬을 대체했습니다. 사실, 조금 더 깊이 파고들면, 가장 일반적인 형태로, 이 장르는 반복적인 4/4 비트, 베이스 드럼, 오프비트 하이햇, 스네어 드럼, 박수, 그리고/또는 분당 120~130비트(bpm)의 템포로 치는 슬랩, 신시사이저 리프, 깊은 베이스라인, 그리고 종종, 하지만 반드시 그런 것은 아니지만, 노래, 말 또는 샘플링된 보컬이 특징입니다. 하우스에서 베이스 드럼은 일반적으로 비트 1, 2, 3, 4에서 연주되고, 스네어 드럼, 박수 또는 더 높은 음조의 타악기는 비트 2와 4에서 사용됩니다. 하우스 음악의 드럼 비트는 일반적으로 전자 드럼 머신, 일반적으로 Roland TR-808, TR-909 또는 TR-707입니다. 박수, 셰이크, 스네어 드럼 또는 하이햇 사운드는 싱코페이션을 추가하는 데 사용됩니다. 특히 초기 시카고 하우스의 특징적인 리드미컬 리프는 클라베 패턴을 따라 만들어지며, 때로는 아프리카 사운드를 위해 콩가와 봉고를 더합니다. 또는 라틴 느낌을 위해 메탈릭 타악기를 사용합니다.
R&B
음악 장르에 관해서 리듬 앤 블루스는 많은 사람들에게 친숙하지 않은 것입니다. 그러나 대부분의 사람들은 그것을 R&B 또는 R'n'B로 줄입니다. 이 대중 음악 장르는 1940년대에 흑인 커뮤니티에서 시작되었습니다. 음반 회사는 주로 흑인을 대상으로 마케팅된 녹음을 설명하기 시작했습니다. 1950년대와 1970년대에 "헤비하고 지속적인 재즈 록"이 부상하는 동안 밴드는 일반적으로 피아노, 1~2개의 기타, 베이스, 드럼, 1개 이상의 색소폰, 때로는 백업 싱어로 구성되었습니다. R&B 가사는 종종 고통, 자유와 행복에 대한 탐구, 인종 차별, 억압, 관계, 경제 및 사회적 열망 측면에서의 승리와 실패를 포함하여 미국 흑인의 역사와 경험을 요약합니다. 마침내 우리는 강렬하고 다양한 사회에서 한 집단의 삶의 방식을 반영하는 음악 장르를 가지게 되었고, 모든 유형의 음악과 섞였으며, 물론 "리듬 앤 블루스"는 여러 번 그 의미를 바꾸었습니다. 1950년대 초반에 이 용어는 블루스 레코드에 자주 사용되었습니다. 1950년대 중반에 이 음악이 록 앤 롤을 발전시키는 데 도움이 된 후, "R&B"라는 용어는 더 넓은 맥락에서 사용되어 전기 블루스, 가스펠, 소울에서 진화하여 결합된 음악 스타일을 지칭하게 되었습니다. 1970년대에 "리듬 앤 블루스"는 다시 바뀌었고 소울과 펑크를 통틀어 부르는 용어로 사용되었습니다. 새로운 스타일의 R&B 음악이 발전하여 "현대 R&B"로 알려지게 되었습니다. 이 현대적 스타일은 R&B를 팝, 디스코, 힙합, 소울, 펑크, 일렉트로닉 음악과 결합했습니다. 그때쯤 R&B는 블루스 앨범에 적용되었습니다. 작가이자 프로듀서인 로버트 팔머는 리듬 앤 블루스를 "흑인 미국인이 만든 모든 형태의 음악에 대한 총칭"이라고 정의했습니다. 그는 또한 "R&B"라는 용어를 점프 블루스의 동의어로 사용했습니다. 그러나 AllMusic은 R&B가 복음 음악의 영향력이 더 크기 때문에 점프 블루스에서 이 용어를 분리했습니다.[16] Nothing but the Blues의 저자인 로렌스 콘은 "리듬 앤 블루스"가 업계의 편의를 위해 발명된 포괄적인 용어라고 썼습니다. 그에 따르면 이 용어는 고전 음악과 종교 음악을 제외한 모든 흑인 음악을 포괄하는 용어였으며, 복음 음악이 21세기까지 차트에 오를 만큼 잘 팔리지 않는 한 예외였습니다. R&B라는 용어는 (일부 맥락에서) 다른 음악가가 만든 스타일과 별도로 흑인 음악가가 만든 음악을 분류하는 데 사용되었습니다. 1950년대와 1970년대를 특징짓는 상업적 리듬 앤 블루스 음악에서 밴드는 일반적으로 피아노, 기타 1~2개, 베이스, 드럼, 색소폰으로 구성되었습니다. 편곡은 최소한으로 리허설되었고, 때로는 백업 가수도 포함되었습니다. 단순하고 반복적인 부분이 얽혀서 모멘텀과 리드미컬한 연주가 만들어져 부드럽고 멜로디컬하며 종종 최면적인 질감을 만들어냈고, 가수들이 가사에 감정적으로 몰입했지만, 종종 강렬하게 개별 보컬에 주의를 끌었습니다. 하지만 그들은 차분하고, 느긋하며, 통제력을 유지했습니다. 밴드는 정장과 유니폼을 입었는데, 이는 R&B 뮤지션들이 지배하고자 열망했던 대중 음악과 관련된 관행이었습니다. 가사는 종종 불길했고, 음악은 종종 예측 가능한 코드 패턴과 구조를 따랐습니다. R&B 가사는 종종 아프리카계 미국인의 고통스러운 경험을 요약했습니다. 스미소니언 간행물은 2016년에 이 장르의 기원을 요약했습니다. "아프리카계 미국인 음악, 특히 아프리카계 미국인 표현의 깊은 가지를 그리는 것은 합법적인 음악 시대에 걸쳐 30년에 걸쳐 발전한 가스펠, 점프 블루스, 빅 밴드 스윙, 부기, 블루스의 융합입니다.
라틴어
전 세계를 여행하면 그 도시가 기억에 남는다는 것은 부인할 수 없으며, 미국의 남부 국가를 여행한 사람이라면 누구나 라틴 음악에 익숙할 것이라고 생각합니다. 비록 여러분이 라틴 음악에 대해 잘 모르더라도, 지역 주민과 지역 음악을 보존해 온 시민들이 여러분에게 라틴 음악의 사운드를 소개해 줄 수 있을 것입니다. 그리고 그것이 라틴 음악이 오늘날에도 여전히 인기를 누리는 이유이며, 미국으로 전해진 후에도 점점 더 인기를 얻고 있는 이유입니다. 여러분도 이런 종류의 음악을 좋아하실 거라고 믿습니다. 스페인어와 포르투갈어가 삽입되어서 다시 한번 귀에 잘 들어오거든요. 라틴 음악의 황금기는 1997년 NARAS가 라틴 아메리카와 스페인에서 사업을 확장하고자 라틴 레코딩 아카데미(LARAS)를 설립하면서 시작되었습니다. 2000년 9월, LARAS는 그래미 어워드와 별도의 시상식인 라틴 그래미 어워드를 시작했습니다. 주최측은 라틴 음악의 세계가 그래미상에 포함되기에는 너무 크다고 말했다. NARAS의 전임 회장인 마이클 그린은 라틴 음악의 스타일이 다양하기 때문에 라틴 그래미 어워드를 만드는 과정이 복잡했다고 말한 적이 있습니다. 두 시상식은 언어만 공통점으로 꼽히며, 라틴 그래미 어워드는 스페인어와 포르투갈어로 연주된 음반에 수여하는 반면 이 시상식은 라틴 아메리카, 스페인, 포르투갈 음악에 중점을 둡니다. 1990년대 후반부터 미국에서는 "라티노" 인구가 꾸준히 증가했습니다.라티노라는 용어는 1960년대에 "스페인"이라는 용어와 더 적절하지만 덜 인기 있는 "히스패닉"이라는 용어를 혼동하여 대중화된 용어입니다.미국인들은 스페인어 보컬이 특징인 모든 음악을 "라틴 음악"이라고 부르기 시작했습니다.모든 장르의 스페인어는 "라틴"으로 분류되었습니다.이로 인해 스페인의 아티스트는 "라틴"이라고 불리게 되었습니다.
미국
