สหรัฐ
ไม่มีผลลัพธ์
มีการเข้ารหัสเสียงรูปแบบใหม่ที่เรียกว่า .flac ย่อมาจาก "Free Lossless Audio Codec" Xiph.org Foundation ก่อตั้งและพัฒนาในปี 1994 Xiph.org Foundation เป็นองค์กรไม่แสวงหาผลกำไรที่ผลิตเครื่องมือซอฟต์แวร์โอเพ่นซอร์สและรูปแบบมัลติมีเดีย Flac คือรูปแบบหนึ่งของการเข้ารหัสเสียงสำหรับไฟล์บีบอัดแบบไม่สูญเสียข้อมูล เมื่อสิ่งนี้ได้รับการพัฒนา ก็สามารถใช้เป็นโปรแกรมซอฟต์แวร์ฟรีได้ Flac มีความสามารถในการบีบอัดและลดขนาดไฟล์ได้ตั้งแต่ 50% ถึง 70% เมื่อเทียบกับ WAV หรือรูปแบบ Lossless อื่นๆ และสามารถสร้างเสียง Lossless ได้ นี่เป็นเครื่องมือที่ยอดเยี่ยมหากคุณมีพื้นที่จำกัดหรือไม่ต้องการใช้ WAV เนื่องจากไฟล์มีขนาดใหญ่มาก Flac ให้การบีบอัดโดยไม่ทำให้คุณภาพลดลง การลดขนาดลง 50% ถึง 70% อาจช่วยเพิ่มพื้นที่ให้กับแอปพลิเคชันอื่นๆ ที่เขาไม่สามารถทำได้โดยใช้ WAV Lossless หมายถึงไม่สูญเสียคุณภาพเสียงและเป็นมาตรฐานในอุตสาหกรรมเพลง Flac มอบคุณประโยชน์ที่ยอดเยี่ยมให้กับแอปพลิเคชั่นมากมาย
MP3 หรือที่เรียกว่า MPEG เลเยอร์ 3 เป็นรูปแบบไฟล์เสียงดิจิทัลที่เก็บและแบ่งปันไฟล์เสียง Kbps หรือที่เรียกว่ากิโลบิตต่อวินาที หมายถึง "บิตเรต" ซึ่งเป็นคุณภาพของไฟล์เสียงและขนาดการบีบอัด 128kb คือขนาดไฟล์ MP3 ที่มีบิตเรต 128 กิโลบิตต่อวินาที ซึ่งถือว่าต่ำเมื่อเทียบกับ 256 หรือ 320 ซึ่งเป็นคุณภาพเสียงในรูปแบบ MP3 ที่ค่อนข้างสูงกว่า ทำให้ขนาดไฟล์มีประสิทธิภาพมากขึ้นในการจัดเก็บและแบ่งปันผ่านทางอินเทอร์เน็ต ผลเสียก็คือบิตเรตที่ต่ำลงส่งผลให้คุณภาพไฟล์เสียงลดลง
MP3 256kb คือบิตเรตของไฟล์ MP3 ซึ่งอนุญาตให้มีการประมวลผลข้อมูลต่อวินาทีโดยการเล่นเสียง ยิ่งบิตเรตสูง ขนาดไฟล์ก็จะใหญ่ขึ้น ส่งผลให้มีคุณภาพดีขึ้น ขนาดไฟล์ 256 kb คือไฟล์เสียงมีบิตเรต 256 กิโลบิตต่อวินาที ซึ่งใหญ่กว่ามากเมื่อเทียบกับไฟล์ขนาด 64kb ซึ่งโดยทั่วไปจะเป็นขนาดไฟล์สำหรับเสียงเรียกเข้า เหตุผลเบื้องหลัง "คุณภาพเสียง" ขึ้นอยู่กับปัจจัยต่างๆ เช่น การตั้งค่าการเข้ารหัส อุปกรณ์เล่น และแหล่งข้อมูล การตั้งค่าคุณภาพเสียงจะขึ้นอยู่กับวิธีการกระจายไฟล์เสียง ตัวอย่างเช่น การบันทึกไฟล์เสียงในสตูดิโอบันทึกเสียง (.wav) เทียบกับการดาวน์โหลดแบบดิจิทัล (128-320kb.)
ขนาดไฟล์ 320kb หมายถึงขนาดไฟล์บิตเรต 320 กิโลบิตต่อวินาที ซึ่งเป็นบิตเรตสูงสุดในบรรดาขนาดไฟล์ MP3 ที่มีให้ดาวน์โหลด บิตเรตที่สูงขึ้น เช่น 320kb ส่งผลให้มีคุณภาพดีขึ้น เนื่องจากมีการใช้ข้อมูลมากขึ้นในการเข้ารหัสข้อมูลเสียง ที่ขนาด 320kb ไฟล์เสียงอาจมีคุณภาพสูงกว่า 128 หรือ 256 อย่างไรก็ตาม โปรดทราบว่าคุณภาพของไฟล์เสียงนั้นขึ้นอยู่กับปัจจัยอื่นๆ รวมถึงแหล่งข้อมูล การตั้งค่าการเข้ารหัส และที่สำคัญที่สุดคืออุปกรณ์เล่นภาพ
รูปแบบไฟล์เสียง WAV หรือ Waveform เป็นรูปแบบไฟล์เสียงที่ใช้จัดเก็บการบันทึกเสียงดิจิทัลด้วยคุณภาพไฟล์เสียงสูงสุด WAV เป็นไฟล์ที่ไม่มีการบีบอัดใดๆ WAV จะถูกบันทึกในขนาดไฟล์ต้นฉบับ IBM และ Microsoft พัฒนา WAV ในช่วงต้นทศวรรษ 1990 เพื่อเป็นมาตรฐานสำหรับการจัดเก็บไฟล์เสียงดิจิทัลบนคอมพิวเตอร์ WAV มีคุณภาพสูงสุดอย่างแน่นอน แต่ข้อเสียก็คือมันเป็นไฟล์ขนาดใหญ่เช่นกัน WAV ไม่มีข้อมูลเมตาใด ๆ ข้อมูลเมตาจะระบุข้อมูล เช่น ศิลปิน ชื่อ ปี หมายเลขแทร็ก ฯลฯ WAV คือมาตรฐานอุตสาหกรรมในการผลิตเพลงเนื่องจากคุณภาพของเสียง วิศวกรเสียงและโปรดิวเซอร์เพลงกล่าวว่าเสียงนี้ยังให้ช่วงไดนามิกที่มากขึ้นและความลึกของเสียงที่ไม่มีในรูปแบบอื่นอีกด้วย WAV ทำมากกว่ามาตรฐานสำหรับการจัดเก็บเสียงคอมพิวเตอร์ มันเข้ามาเป็นรูปแบบไฟล์เสียงคุณภาพสูงสุด ปัจจุบัน WAV เป็นรูปแบบไฟล์เสียงมาตรฐานในอุตสาหกรรมเพลงและเป็นจุดสูงสุดของคุณภาพในไฟล์เสียง WAV สามารถใช้กับอุปกรณ์ใดก็ได้ เช่น DVD, TV, iPad, คอมพิวเตอร์ ฯลฯ WAV เคยเป็นปัญหากับสมาร์ทโฟนเนื่องจากขนาด แต่ตอนนี้โทรศัพท์สามารถเก็บข้อมูลได้ 64 GB ถึง 1T ก็ไม่ ปัญหาอีกต่อไป
เสียงเรียกเข้าและหรือการตัดเสียงเรียกเข้าหมายถึงกระบวนการย่อหรือตัดส่วนของไฟล์เสียงเพื่อสร้างเสียงเรียกเข้าตามความต้องการของคุณ การซื้อหรือดาวน์โหลดเสียงเรียกเข้าอาจเป็นเพลงในเวอร์ชันเต็มหรืออาจเป็นเพียงคลิปความยาว 30 วินาทีที่ปรับแต่งได้น้อยที่สุด การใช้การตัดแต่งเสียงเรียกเข้าจะทำให้คุณสามารถเลือกส่วนของไฟล์เสียงได้ ส่วนที่มักจะตัดออกเพื่อทำเสียงเรียกเข้าจะเป็นทำนองหรือท่อนคอรัสที่ติดหูของเพลงที่คุณชื่นชอบ ปัจจุบันสมาร์ทโฟนและแอปจำนวนมากได้รับการพัฒนาเพื่อให้ผู้ใช้สามารถตัดและปรับแต่งเสียงเรียกเข้าได้อย่างง่ายดายโดยการปรับจุดเริ่มต้นและจุดสิ้นสุดของไฟล์เสียง กระบวนการนี้ทำได้โดยใช้อินเทอร์เฟซแบบภาพที่ช่วยให้ผู้ใช้สามารถดูรูปคลื่นของไฟล์เสียงและตัดแต่งตามความต้องการได้ นี่เป็นเครื่องมือที่สนุกสนาน คุณสามารถติดตามการแจ้งเตือนที่เข้ามาทั้งหมดได้อย่างง่ายดายและสนุกกับเสียงเรียกเข้าที่แตกต่างกัน เครื่องมือนี้ช่วยให้คุณปรับแต่งการแจ้งเตือนด้วยเสียงทั้งหมดได้ เพื่อให้คุณทราบว่าเสียงเรียกเข้ามีอะไรเข้ามาบ้าง ปรับแต่งเสียงเรียกเข้าแต่ละรายการสำหรับการแจ้งเตือนที่แตกต่างกัน เช่น เมลขาเข้า ข้อความขาเข้า โพสต์บน Facebook Instagram Twitter การเตือนสภาพอากาศ ฯลฯ นอกเหนือจากเสียงเรียกเข้าแบบมาตรฐานแล้ว คุณยังสามารถตัดเพลงโปรดหรือไฟล์เสียงเพื่อให้เล่นเป็นเพลงสั้น ๆ ได้ การใช้การตัดแต่งเสียงเรียกเข้าจะทำให้คุณสามารถเลือกเฉพาะส่วนของไฟล์เสียงหรือท่อนเดียว แทนที่จะเลือกทั้งเพลง ส่วนที่มักจะตัดออกเพื่อทำเสียงเรียกเข้าจะเป็นทำนองหรือท่อนคอรัสที่ติดหูของเพลงที่คุณชื่นชอบ อาจจะเป็นเพลงงานแต่งงานของคุณเวลาที่สามีโทรหาหรือส่งข้อความถึงคุณ หรือเพลงโปรดของแม่เวลาที่เธอโทรหาหรือส่งข้อความถึงคุณ คนส่วนใหญ่อาจไม่รู้ว่าสมาร์ทโฟนและแอพจำนวนมากได้รับการพัฒนาเพื่อให้ผู้ใช้สามารถตัดแต่งและปรับแต่งเสียงเรียกเข้าได้อย่างง่ายดายโดยการปรับจุดเริ่มต้นและจุดสิ้นสุดของไฟล์เสียง กระบวนการนี้ทำได้โดยใช้อินเทอร์เฟซแบบภาพที่ช่วยให้ผู้ใช้สามารถดูรูปคลื่นของไฟล์เสียงและตัดแต่งตามความต้องการได้ รูปคลื่นของเสียงช่วยให้คุณเห็นได้ทันทีว่าเนื้อเพลงหรือเมโลดี้ที่ต้องการเริ่มต้นจากจุดใด จากนั้นคุณสามารถเลือกจุดสิ้นสุดที่คุณต้องการได้อย่างแม่นยำ"
คุณเชื่อไหมว่าดนตรีสามารถสร้างปาฏิหาริย์และความสงบในหัวใจได้เสมอ? และแนวเพลงฮิปฮอป ยังคงเป็นแนวเพลงที่ผู้คนยังคงชื่นชอบในทุกยุคทุกสมัย และไม่อาจปฏิเสธได้ว่าดนตรีทุกสไตล์ยังคงมีกลิ่นอายที่แฝงไปด้วยวัฒนธรรมและความหลากหลายของผู้คนในทำนองเพลง และนั่นทำให้ฮิปฮอปยังคงเป็นที่พูดถึงอยู่เสมอ เห็นได้ชัดว่าการฟังเพลงฮิปฮอปทำให้เรารู้สึกตลอดเวลาว่าพวกเขากำลังพูดคุยผ่านการร้องและสื่อสารผ่านดนตรีหรือจังหวะเพลงที่สอดคล้องกับสถานการณ์หรือผู้คนที่ฟังอยู่ ฮิปฮอปในยุคปี 1970 ได้รับความนิยมอย่างมาก และแน่นอนว่าในทุกช่วงเวลาก็มีความไม่ปกติอยู่เสมอ ดนตรีฮิปฮอปไม่ได้รับการบันทึกอย่างเป็นทางการทางวิทยุหรือโทรทัศน์จนกระทั่งปี พ.ศ. 2522 ส่วนใหญ่เป็นเพราะปัญหาความยากจนในช่วงเวลาที่ดนตรีฮิปฮอปถือกำเนิด และการขาดการยอมรับจากชุมชนคนผิวสี แนวเพลงนี้เริ่มแพร่กระจายผ่านงานสังสรรค์แบบปิดทั่วทั้งชุมชนคนผิวสี นี่คือสิ่งหนึ่งที่ทำให้เราสะท้อนถึงความสำคัญของกลุ่มคนที่มีความหลากหลาย ไม่ว่าคุณจะฟังเพลงแนวไหน เราก็สามารถเรียนรู้จากความแตกต่างเพื่อความไพเราะได้เสมอ
เมื่อคุณนึกถึงเพลงคันทรี คุณนึกถึงอะไร? สำหรับฉัน มันคือเพลงที่เต็มไปด้วยความรัก ความอบอุ่นจากครอบครัว หรือท่ามกลางทุ่งนาในชนบท เราไม่สามารถจินตนาการได้ว่าทุกครั้งที่ได้ยินเพลงคันทรี เราจะรู้สึกตึงเครียดหรือกลายเป็นสาวกของแนวเพลงนี้ หรืออีกชื่อหนึ่งที่คุณยังคงรู้จักมาจนถึงทุกวันนี้ เรียกว่า เพลงคันทรี คันทรี (เรียกอีกอย่างว่า คันทรีและเวสเทิร์น) เป็นแนวเพลงที่มีต้นกำเนิดในภาคใต้ของสหรัฐอเมริกา ทั้งทางใต้และตะวันตกเฉียงใต้ เพลงคันทรีซึ่งผลิตขึ้นครั้งแรกในช่วงทศวรรษที่ 1920 เน้นการร้องเพลงที่บอกเล่าเรื่องราวเกี่ยวกับชีวิตของชนชั้นแรงงานและผู้ใช้แรงงานในอเมริกา ฟังดูน่าสนใจมาก เพราะฉันไม่คิดว่าชาวอเมริกันเป็นประเทศที่มีความหลากหลายและมีแนวเพลงที่สวยงามอยู่เสมอในความแตกต่าง และนั่นคือสิ่งที่เกิดขึ้น คุณเป็นสาวกของแนวเพลงนี้หรือไม่? และอะไรที่ทำให้ฉันประหลาดใจ ในปี 2009 ในสหรัฐอเมริกา เพลงคันทรีเป็นเพลงที่คนฟังมากที่สุดในช่วงชั่วโมงเร่งด่วนระหว่างการเดินทางตอนเย็น และเป็นประเภทเพลงที่ได้รับความนิยมเป็นอันดับสองในช่วงการเดินทางตอนเช้าเช่นกัน เพลงคันทรีขึ้นชื่อในเรื่องเพลงบัลลาดและเพลงเต้นรำ ("เพลงฮอนกี้-ทองค์") ที่มีรูปแบบเรียบง่ายและเนื้อเพลงพื้นบ้าน และเสียงประสานมักจะมาพร้อมกับเครื่องดนตรี เช่น แบนโจ ฟิดเดิล ฮาร์โมนิกา และกีตาร์หลายประเภท (รวมถึงกีตาร์อะคูสติก กีตาร์ไฟฟ้า กีตาร์สตีล และกีตาร์เรโซเนเตอร์) แม้ว่าเพลงคันทรีจะมีรากฐานมาจากเพลงพื้นบ้านอเมริกันในรูปแบบต่างๆ เช่น โอลด์ไทม์และแอปพาเลเชียน แต่ประเพณีอื่นๆ เช่น เม็กซิกัน ไอริช และฮาวาย ก็มีอิทธิพลต่อการสร้างสรรค์เพลงคันทรีเช่นกัน โหมดบลูส์จากเพลงบลูส์ยังใช้กันอย่างแพร่หลายตลอดประวัติศาสตร์ แน่นอนว่าฉันเชื่อว่าเมื่อคุณอ่านมาถึงจุดนี้ คุณอาจจะรู้สึกเบื่อหน่ายเล็กน้อยเกี่ยวกับการที่แต่ละประเภทมักจะผสมผสานประวัติศาสตร์และประเพณีทางวัฒนธรรมเข้าด้วยกัน แต่ฉันเชื่อว่านั่นคือจุดเริ่มต้นของความเชื่อมโยงอันแนบแน่นระหว่างค่านิยมอนุรักษ์นิยมและเพลงคันทรีร่วมสมัย ซึ่งเป็นการตอบสนองต่อการเคลื่อนไหวต่อต้านสงครามในช่วงทศวรรษ 1960 ก่อนหน้านั้น เพลงคันทรีเกือบทั้งหมดซึ่งจนถึงตอนนั้นเรียกว่าเพลงคันทรีโฟล์คไม่มีแนวทางทางการเมืองที่ชัดเจนและมุ่งเน้นไปที่ปัญหาและความวิตกกังวลในชีวิตประจำวันของชนชั้นแรงงานแทน อัลบั้ม Okie จาก Muskogee ของ Merle Haggard ในปี 1969 นำเสนอเพลงคันทรีด้วยมุมมองอนุรักษ์นิยมและการเมืองอย่างชัดเจน ซึ่งได้รับความนิยม ประธานาธิบดีริชาร์ด นิกสันจากพรรครีพับลิกันทำให้ความสัมพันธ์ทางดนตรีอนุรักษ์นิยมนี้แน่นแฟ้นยิ่งขึ้นในช่วงหลายปีที่ดำรงตำแหน่ง โดยมักจะจัดงานสำหรับนักดนตรีคันทรี ประกาศให้เดือนตุลาคม 1970 เป็นเดือนเพลงคันทรี และดึงดูดผู้ฟังที่มองว่าเพลงคันทรีมีแรงจูงใจทางการเมือง อย่างไรก็ตาม ในตอนนี้ เพลงคันทรีได้แพร่หลายไปยังหลายประเทศในเอเชียและประเทศอื่นๆ อีกหลายประเทศที่มองว่าเพลงคันทรีเป็นแหล่งเกียรติยศมาโดยตลอด
เพลงป๊อปมีอิทธิพลหรือมีต้นกำเนิดมาจากอะไรกันแน่? และเป็นความจริงหรือไม่ที่ได้ยินและฟังได้ง่ายสำหรับทุกวัย? เพราะคนส่วนใหญ่เชื่อว่าดนตรีมีต้นกำเนิดมาจากวัฒนธรรมและศิลปะที่รวมอยู่ด้วยกันเสมอ แล้วทำไมถึงยังเป็นเพลงที่ติดหูคนรักดนตรีอยู่ได้ล่ะ? ใครจะรู้ว่าแนวเพลงป็อปจริงๆ แล้วเป็นแนวโมเดิร์นหรืออนุรักษ์นิยมกันแน่? ในความเป็นจริง เพลงป๊อปก็มีการพัฒนาไปพร้อมกับคำจำกัดความของมันด้วย Bill Lamb นักเขียนเพลงกล่าวไว้ว่า ดนตรีป็อปคือ "รูปแบบดนตรีทั้งหมดตั้งแต่การปฏิวัติอุตสาหกรรมในช่วงคริสตศตวรรษที่ 1800 ซึ่งมีความใกล้เคียงกับรสนิยมและความสนใจของชนชั้นกลางในเมืองมากที่สุด" คำว่า "เพลงป๊อป" ถูกใช้ครั้งแรกในปีพ.ศ. 2469 เพื่อหมายถึงเพลงที่ "ได้รับความนิยมในหมู่มวลชน" Hatch และ Millward โต้แย้งว่าเหตุการณ์หลายอย่างในประวัติศาสตร์การบันทึกเสียงในช่วงทศวรรษปี 1920 ถือเป็นแหล่งกำเนิดของอุตสาหกรรมเพลงป็อปสมัยใหม่ รวมถึงเพลงคันทรี บลูส์ และเพลงบ้านนอก ดนตรีป็อปถูกผลิตขึ้นจากความพยายาม ไม่ใช่รูปแบบศิลปะ และ “ได้รับการออกแบบมาเพื่อดึงดูดทุกคน” แต่ “ไม่ได้มาจากที่ใดที่หนึ่งหรือแสดงถึงรสนิยมใดรสนิยมหนึ่งโดยเฉพาะ” ฟริธกล่าวเสริมว่า “ดนตรีป็อปไม่ได้ถูกขับเคลื่อนโดยความทะเยอทะยานอันยิ่งใหญ่ใดๆ ยกเว้นเพื่อผลกำไรและผลตอบแทนทางการค้า ส่วนในทางดนตรีนั้น ไม่ได้ถูกขับเคลื่อนโดยความทะเยอทะยานอันยิ่งใหญ่ใดๆ ยกเว้นเพื่อผลกำไรและผลตอบแทนทางการค้า” ดนตรีป็อปเป็นแนวอนุรักษ์นิยมโดยพื้นฐาน มันมาจากด้านบน (โดยค่ายเพลง ผู้จัดวิทยุ และผู้จัดคอนเสิร์ต) มากกว่ามาจากด้านล่าง นี่ไม่ใช่เพลงที่สร้างขึ้นเอง แต่เป็นเพลงที่ผลิตและจัดทำอย่างมืออาชีพ และมักถูกยกย่องว่าเป็นเพลงป็อปที่ดีที่สุด ตามที่ Frith กล่าวไว้ ลักษณะเฉพาะของดนตรีป็อปได้แก่ การมุ่งเน้นไปที่ผู้ฟังทั่วไป มากกว่าวัฒนธรรมย่อยหรืออุดมการณ์ใดอุดมการณ์หนึ่งโดยเฉพาะ และเน้นที่ฝีมือ มากกว่าคุณภาพ "ทางศิลปะ" ในรูปแบบ
เมื่อผู้คนจำนวนมากได้ยินแนวเพลง ดนตรีร็อคอาจทำให้หลายคนคิดว่าดนตรีร็อคอาจมีเรื่องราวหรือวัฒนธรรมแฝงอยู่ และไม่น่าเชื่อว่าต้นกำเนิดของดนตรีร็อคมีต้นกำเนิดในสหรัฐอเมริกาภายใต้ชื่อ "ร็อคแอนด์โรล" ในช่วงปลายทศวรรษปี 1940 และต้นทศวรรษปี 1950 และได้พัฒนาเป็นรูปแบบต่างๆ มากมายตั้งแต่ช่วงกลางทศวรรษปี 1960 ส่วนใหญ่ในสหรัฐอเมริกาและสหราชอาณาจักร ร็อคมีรากฐานมาจากร็อคแอนด์โรล ซึ่งเป็นรูปแบบที่ดึงเอาแนวเพลงของคนผิวสีโดยตรง เช่น บลูส์ ริธึมแอนด์บลูส์ และคันทรี ร็อคยังได้รับอิทธิพลอย่างมากจากแนวเพลงต่างๆ เช่น บลูส์ไฟฟ้าและโฟล์ค และผสมผสานอิทธิพลจากแจ๊สและรูปแบบดนตรีอื่นๆ สำหรับเครื่องดนตรี ร็อคมักจะเน้นที่กีตาร์ไฟฟ้า ซึ่งมักจะเป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มร็อคที่มีกีตาร์เบสไฟฟ้า กลอง และนักร้องหนึ่งคนขึ้นไป ร็อคมักจะเป็นเพลงที่เน้นการร้อง โดยมีจังหวะ 4 จังหวะ และใช้รูปแบบบทและฮาร์โมนี แต่แนวเพลงมีความหลากหลายมาก เช่นเดียวกับเพลงป๊อป เนื้อเพลงมักจะเน้นไปที่ความรักโรแมนติก แต่ยังพูดถึงธีมอื่นๆ อีกมากมาย ซึ่งมักจะเป็นสังคมหรือการเมือง ร็อคเป็นแนวเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในสหรัฐอเมริกาและทั่วโลกตะวันตกตั้งแต่ช่วงปี 1950 ถึง 2010 ในช่วงกลางทศวรรษ 1960 นักดนตรีร็อคเริ่มผลักดันให้อัลบั้มนี้กลายเป็นรูปแบบการแสดงออกและการบริโภคเพลงที่ได้รับความนิยมสูงสุด โดยมี The Beatles เป็นผู้นำ ผลงานของพวกเขาทำให้แนวเพลงนี้ได้รับการยอมรับในกระแสหลักและนำไปสู่ยุคของดนตรีร็อคที่ได้รับอิทธิพลจากอัลบั้มยาวนานหลายทศวรรษในอุตสาหกรรมดนตรี ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ร็อคคลาสสิกได้ก่อกำเนิดแนวเพลงย่อยจำนวนหนึ่ง รวมถึงแนวเพลงลูกผสม เช่น บลูส์ร็อค โฟล์กร็อค คันทรีร็อค และแจ๊สร็อค ซึ่งช่วยในการพัฒนาไซคีเดลิกร็อค ซึ่งได้รับอิทธิพลจากกระแสวัฒนธรรมย่อยไซคีเดลิกและฮิปปี้ แนวเพลงใหม่ๆ เกิดขึ้น เช่น โปรเกรสซีฟร็อค ซึ่งขยายองค์ประกอบทางศิลปะ เฮฟวีเมทัล ซึ่งเน้นที่เสียงหนัก และกลามร็อค ซึ่งเน้นที่การแสดงและสไตล์ภาพ
เครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในดนตรีแทบทุกรูปแบบ ในดนตรีป็อป เช่น ดนตรีแดนซ์อิเล็กทรอนิกส์ เสียงที่บันทึกไว้เกือบทั้งหมดจะเป็นเสียงอิเล็กทรอนิกส์ (เช่น เบสซินธ์ เครื่องสังเคราะห์เสียง เครื่องตีกลอง) การพัฒนาเครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ใหม่ คอนโทรลเลอร์ และเครื่องสังเคราะห์เสียงยังคงเป็นพื้นที่การวิจัยที่กระตือรือร้นและครอบคลุมหลายสาขาวิชา การประชุมนานาชาติเกี่ยวกับอินเทอร์เฟซใหม่สำหรับการแสดงออกทางดนตรีจัดขึ้นเพื่อรายงานผลงานล้ำสมัยและจัดแสดงศิลปินที่แสดงหรือสร้างดนตรีด้วยเครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ใหม่ คอนโทรลเลอร์ และเครื่องสังเคราะห์เสียง และตอนนี้มีเนื้อหาที่เข้มข้นมากขึ้นในหัวข้อดนตรีนี้ การพัฒนาครั้งสำคัญครั้งใหม่คือการถือกำเนิดของคอมพิวเตอร์เพื่อจุดประสงค์ในการแต่งเพลง แทนที่จะควบคุมหรือสร้างเสียง Iannis Xenakis ได้ริเริ่มสิ่งที่เขาเรียกว่า Musique Stochastique หรือดนตรีแบบสุ่ม ซึ่งเป็นวิธีการแต่งเพลงที่ใช้ระบบความน่าจะเป็นทางคณิตศาสตร์ อัลกอริทึมความน่าจะเป็นที่แตกต่างกันถูกนำมาใช้เพื่อสร้างผลงานภายในชุดพารามิเตอร์ Xenakis ใช้กระดาษกราฟเพื่อช่วยคำนวณเส้นทางความเร็วของกลิสซานโดสำหรับผลงานออเคสตรา Metastasis (1953–54) ของเขา แต่ต่อมาหันมาใช้คอมพิวเตอร์ในการแต่งเพลง เช่น ST/4 สำหรับวงสตริงควอเต็ต และ ST/48 สำหรับวงออร์เคสตรา (ทั้งคู่ในปี 1962) อิทธิพลของคอมพิวเตอร์ยังคงดำเนินต่อไปในปี 1956 เมื่อ Lejaren Hiller และ Leonard Issacson แต่งเพลง Illiac Suite สำหรับวงสตริงควอเต็ต นี่เป็นผลงานชิ้นแรกที่สมบูรณ์ของการแต่งเพลงด้วยความช่วยเหลือของคอมพิวเตอร์โดยใช้การแต่งเพลงแบบอัลกอริทึม ในปี 1957 Max Matthews จาก Bell Lab เขียนซีรีส์ MUSIC-N ซึ่งเป็นโปรแกรมคอมพิวเตอร์เครื่องแรกสำหรับสร้างคลื่นเสียงดิจิทัลด้วยการสังเคราะห์โดยตรง จากนั้น Barry Vercoe ก็เขียน MUSIC 11 ซึ่งอิงจากโปรแกรมสังเคราะห์เพลงรุ่นถัดไป MUSIC IV-BF (ต่อมาพัฒนาเป็น csound ซึ่งยังคงใช้กันอย่างแพร่หลาย) ในช่วงกลางทศวรรษ 1980 Miller Puckett แห่ง IRCAM ได้พัฒนาซอฟต์แวร์ประมวลผลสัญญาณกราฟิกสำหรับ 4X ที่เรียกว่า Max (ตามชื่อ Max Matthews) และต่อมาได้พอร์ตลงใน Macintosh (โดยที่ Dave Ciccarelli ขยายขอบเขตสำหรับ Opcode[39]) เพื่อควบคุม MIDI แบบเรียลไทม์ ทำให้การแต่งเพลงตามอัลกอริทึมสามารถเข้าถึงได้สำหรับนักแต่งเพลงส่วนใหญ่ที่มีระดับการเขียนโปรแกรมคอมพิวเตอร์ขั้นกลาง
หากคุณไม่คุ้นเคยกับแนวเพลงโฟล์คในวันนี้ ฉันจะพาคุณไปสำรวจในเชิงลึกพร้อมบทสรุปที่ทั้งผู้เขียนและผู้อ่านจะได้พบไปพร้อมๆ กัน ผู้ที่ฟังเพลงประเภทนี้หลายคนเชื่อว่า เพลงโฟล์คเป็นแนวเพลงที่สะท้อนวัฒนธรรมและวิถีชีวิต โดยมีรากฐานมาจากประเพณีและวัฒนธรรมของแต่ละท้องถิ่น ตัวอย่างเช่น เพลงโฟล์คไอริชชื่อ The Parting Glass หรือเพลงโฟล์คอเมริกันชื่อ This Land Is Your Land ถ่ายทอดเรื่องราวของผู้คน วิถีชีวิต ความเชื่อ และประสบการณ์ที่ส่งต่อกันมาจากรุ่นสู่รุ่น และหากเราพูดถึงพัฒนาการของเพลงโฟล์ค เพลงโฟล์คมีอยู่ในทุกประเทศและได้รับการพัฒนาตามกาลเวลา ในศตวรรษที่ 20 เพลงโฟล์คได้รับการฟื้นคืนชีพขึ้นมาอย่างมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งในสหรัฐอเมริกาและยุโรป ศิลปินที่มีบทบาทสำคัญในการนำเพลงโฟล์คเข้าสู่กระแสหลัก ได้แก่ บ็อบ ดีแลน โจน บาเอซ และวูดดี กูธรี เพลงโฟล์คไม่ใช่เพียงแนวเพลง แต่ยังเป็นเครื่องมือในการบอกเล่าเรื่องราวเกี่ยวกับสังคมอีกด้วย เป็นสื่อที่ใช้สะท้อนปัญหาและอารมณ์ความรู้สึกของผู้คนในแต่ละยุคสมัย เช่น เพลงพื้นบ้านถูกนำมาใช้เพื่อพูดถึงปัญหาสังคม เช่น ความยากจน สงคราม และสิทธิมนุษยชน ไม่ว่าจะเป็นเพลงพื้นบ้านที่สะท้อนปัญหาสังคม เพลงพื้นบ้านดั้งเดิม หรือเพลงที่ผสมผสานกับเพลงสมัยใหม่ เพลงพื้นบ้านยังคงมีบทบาทสำคัญในอุตสาหกรรมเพลงทั่วโลกและแพร่หลายไปอย่างน่าทึ่ง ไม่น่าเชื่อเลยว่าเพลงพื้นบ้านจะมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวและนำเสนอเรื่องราวของวัฒนธรรมที่ดึงดูดผู้ฟังได้อย่างแท้จริง นั่นจึงเป็นเหตุผลว่าทำไมเพลงพื้นบ้านจึงมีลักษณะเฉพาะคือเป็นเพลงที่เล่าเรื่องราวของผู้คน เช่น ความรัก การงาน ความสุข ความเศร้า และเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ มีทำนองเรียบง่าย มักใช้เครื่องดนตรีอะคูสติก เช่น กีตาร์ ไวโอลิน แบนโจ แมนโดลิน และฟลุต ส่งต่อกันแบบปากต่อปากก่อนที่จะถูกบันทึกเป็นโน้ตหรือบันทึกในยุคปัจจุบัน มีลักษณะเฉพาะของแต่ละวัฒนธรรม เช่น เพลงพื้นบ้านไอริช บลูแกรสอเมริกัน เพลงคันทรีไทย หรือเพลงฟลาเมงโกสเปน หากคุณอ่านมาถึงตรงนี้แล้ว คุณคงเคยสัมผัสและตระหนักแล้วว่าเพลงพื้นบ้านมักจะมีเรื่องราวที่มีพลังดีๆ เสมอ
House เป็นดนตรีเต้นรำอิเล็กทรอนิกส์ที่มีจังหวะสี่จังหวะซ้ำๆ และมีจังหวะทั่วไป 115–130 จังหวะต่อนาที เชื่อกันว่าเมื่อผู้คนจำนวนมากได้ยินแนวเพลงนี้ พวกเขามักจะคิดว่าอาจถูกคิดค้นหรือสร้างขึ้นจากการทำเพลงที่บ้าน จากวัฒนธรรมครอบครัว หรือจากผู้คนในบ้าน แต่ในความเป็นจริง แนวเพลงนี้ถูกสร้างขึ้นโดยดีเจและโปรดิวเซอร์เพลงจากวัฒนธรรมคลับใต้ดินของชิคาโก และค่อยๆ พัฒนาขึ้นในช่วงต้นถึงกลางทศวรรษ 1980 เมื่อดีเจเริ่มเปลี่ยนเพลงดิสโก้ให้มีจังหวะที่เป็นกลไกมากขึ้น ในช่วงต้นปี 1988 House กลายเป็นกระแสหลักและแทนที่จังหวะทั่วไปของทศวรรษ 1980 หากเราเจาะลึกลงไปอีกเล็กน้อย ในรูปแบบทั่วไปที่สุด แนวเพลงนี้มีลักษณะเฉพาะคือจังหวะ 4/4 ซ้ำๆ กลองเบส ไฮแฮตนอกจังหวะ กลองสแนร์ แคลป และ/หรือตบในจังหวะระหว่าง 120 ถึง 130 บีตต่อนาที (bpm) ริฟฟ์ซินธิไซเซอร์ เบสไลน์ลึก และบ่อยครั้งแต่ไม่จำเป็นต้องเป็นเสียงร้องที่ร้อง พูด หรือสุ่มตัวอย่าง ในบ้าน กลองเบสมักจะเล่นในจังหวะ 1, 2, 3 และ 4 และกลองสแนร์ แคลป หรือเครื่องเพอร์คัชชันที่มีเสียงสูงจะใช้ในจังหวะ 2 และ 4 จังหวะกลองในดนตรีในบ้านมักจะเป็นเครื่องตีกลองไฟฟ้า โดยทั่วไปคือ Roland TR-808, TR-909 หรือ TR-707 เสียงแคลป เชค กลองสแนร์ หรือไฮแฮตจะใช้เพื่อเพิ่มการซิงโคเปชัน ริฟฟ์จังหวะที่เป็นเอกลักษณ์ โดยเฉพาะในชิคาโกเฮาส์ยุคแรกๆ ถูกสร้างขึ้นตามรูปแบบคลาฟ บางครั้งมีการเพิ่มคองก้าและบองโกเข้าไปเพื่อให้ได้เสียงแบบแอฟริกัน หรือเครื่องเพอร์คัชชันแบบเมทัลลิกเพื่อให้ได้อารมณ์แบบละติน
Indie Help
Jazz Help
เมื่อพูดถึงแนวเพลง ริธึมแอนด์บลูส์ไม่ใช่แนวเพลงที่ใครๆ คุ้นเคย แต่คนส่วนใหญ่จะย่อให้สั้นลงเป็น R&B หรือ R'n'B แนวเพลงยอดนิยมนี้ถือกำเนิดขึ้นในชุมชนคนผิวสีในช่วงทศวรรษปี 1940 บริษัทแผ่นเสียงเริ่มอธิบายถึงการบันทึกเสียงที่ทำการตลาดโดยเน้นไปที่คนผิวสีเป็นหลัก ในช่วงที่ "แจ๊ส-ร็อกหนักแน่นและต่อเนื่อง" กำลังได้รับความนิยมในช่วงทศวรรษปี 1950 และ 1970 วงดนตรีมักประกอบด้วยเปียโน กีตาร์หนึ่งหรือสองตัว เบส กลอง แซกโซโฟนหนึ่งตัวหรือมากกว่า และบางครั้งก็มีนักร้องแบ็คอัพ เนื้อเพลง R&B มักจะสรุปประวัติศาสตร์และประสบการณ์ของคนผิวสีในอเมริกา รวมถึงความเจ็บปวด การแสวงหาอิสรภาพและความสุข ตลอดจนชัยชนะและความล้มเหลวในแง่ของการเหยียดเชื้อชาติ การกดขี่ ความสัมพันธ์ เศรษฐกิจ และแรงบันดาลใจทางสังคม จะเห็นได้ว่าในที่สุดเราก็มีแนวเพลงที่สะท้อนถึงวิถีชีวิตของกลุ่มคนในสังคมที่เข้มข้นและหลากหลาย ผสมผสานกับดนตรีทุกประเภท และแน่นอนว่า "ริธึ่มแอนด์บลูส์" ก็ได้เปลี่ยนความหมายไปหลายครั้ง ในช่วงต้นทศวรรษ 1950 คำนี้มักใช้กับแผ่นเสียงบลูส์ ในช่วงกลางทศวรรษ 1950 หลังจากที่ดนตรีประเภทนี้ช่วยพัฒนาแนวร็อกแอนด์โรล คำว่า "R&B" ก็ถูกนำมาใช้ในบริบทที่กว้างขึ้น โดยหมายถึงแนวเพลงที่พัฒนามาจากและผสมผสานระหว่างดนตรีบลูส์ไฟฟ้า กอสเปล และโซล ในยุค 1970 "ริธึ่มแอนด์บลูส์" ก็เปลี่ยนไปอีกครั้งและถูกใช้เป็นคำเรียกรวมของโซลและฟังก์ ดนตรี R&B รูปแบบใหม่ได้รับการพัฒนาและเป็นที่รู้จักในชื่อ "R&B ร่วมสมัย" สไตล์ร่วมสมัยนี้ผสมผสาน R&B กับป๊อป ดิสโก้ ฮิปฮอป โซล ฟังก์ และดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ ในขณะนั้น R&B ได้ถูกนำมาใช้กับอัลบั้มเพลงบลูส์ นักเขียนและโปรดิวเซอร์ Robert Palmer ได้ให้คำจำกัดความของจังหวะและบลูส์ว่าเป็น "คำศัพท์รวมสำหรับดนตรีทุกรูปแบบที่ทำโดยและเพื่อชาวอเมริกันผิวดำ" เขายังใช้คำว่า "R&B" เป็นคำพ้องความหมายกับคำว่า "Jump Blues" อย่างไรก็ตาม AllMusic ได้แยกคำนี้ออกจากคำว่า Jump Blues เนื่องจาก R&B มีอิทธิพลของแนวเพลงกอสเปลมากกว่า[16] Lawrence Cohn ผู้เขียนหนังสือ Nothing but the Blues เขียนว่า "จังหวะและบลูส์" เป็นคำทั่วไปที่คิดค้นขึ้นเพื่อความสะดวกของอุตสาหกรรมนี้ ตามคำกล่าวของเขา คำนี้ครอบคลุมดนตรีของคนผิวดำทั้งหมด ยกเว้นดนตรีคลาสสิกและดนตรีทางศาสนา เว้นแต่ดนตรีแนวกอสเปลจะขายดีพอที่จะติดชาร์ตได้จนถึงศตวรรษที่ 21 คำว่า R&B ยังคงถูกใช้ (ในบางบริบท) เพื่อจัดหมวดหมู่ดนตรีที่ทำโดยนักดนตรีผิวดำ โดยแยกจากสไตล์ที่ทำโดยนักดนตรีคนอื่นๆ ในดนตรีจังหวะและบลูส์เชิงพาณิชย์ ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของช่วงทศวรรษ 1950 และ 1970 วงดนตรีโดยทั่วไปประกอบด้วยเปียโน กีตาร์หนึ่งหรือสองตัว เบส กลอง และแซกโซโฟน การเรียบเรียงนั้นมีการซ้อมให้น้อยที่สุด และบางครั้งก็มีนักร้องสำรองเข้ามาด้วย ส่วนที่เรียบง่ายและซ้ำซากถูกสอดแทรกเข้าไปเพื่อสร้างโมเมนตัมและการเล่นจังหวะที่สร้างเนื้อสัมผัสที่นุ่มนวล ไพเราะ และมักจะสะกดจิตในขณะที่ดึงความสนใจไปที่เสียงของแต่ละคน แม้ว่านักร้องจะมีส่วนร่วมทางอารมณ์กับเนื้อเพลงบ่อยครั้งอย่างเข้มข้น แต่พวกเขาก็ยังคงเยือกเย็น ผ่อนคลาย และควบคุมตัวเองได้ วงดนตรีสวมสูทและเครื่องแบบ ซึ่งเป็นแนวเพลงที่นักดนตรีแนว R&B ใฝ่ฝันที่จะครองตลาด เนื้อเพลงมักจะดูน่ากลัว และเพลงมักจะเล่นตามรูปแบบคอร์ดและโครงสร้างที่คาดเดาได้ เนื้อเพลงแนว R&B มักจะสรุปประสบการณ์อันเจ็บปวดของคนอเมริกันเชื้อสายแอฟริกัน สิ่งพิมพ์ของสถาบันสมิธโซเนียนได้สรุปต้นกำเนิดของแนวเพลงนี้ในปี 2016 ไว้ว่า "ดนตรีแอฟริกันอเมริกันโดยเฉพาะซึ่งดึงเอาแนวคิดแบบแอฟริกันอเมริกันที่ลึกซึ้งมาใช้ เป็นการผสมผสานระหว่างกอสเปล จัมพ์บลูส์ บิ๊กแบนด์สวิง บูจี้ และบลูส์ ซึ่งพัฒนาขึ้นมาในช่วงเวลาสามสิบปีที่ครอบคลุมยุคของดนตรีที่ถูกกฎหมาย
Reggae Help
ไม่สามารถปฏิเสธได้เลยว่าการเดินทางไปทั่วโลกทำให้เมืองนั้นๆ กลายเป็นเมืองที่น่าจดจำ และฉันเชื่อว่าหากคุณเคยเดินทางไปยังประเทศทางตอนใต้ของอเมริกา คุณจะต้องคุ้นเคยกับดนตรีละตินอย่างแน่นอน แม้ว่าคุณจะไม่คุ้นเคย แต่คนในท้องถิ่นและพลเมืองที่อนุรักษ์ดนตรีท้องถิ่นไว้ก็สามารถแนะนำให้คุณรู้จักกับเสียงเพลงละตินได้อย่างแน่นอน และนั่นคือเหตุผลว่าทำไมดนตรีละตินจึงยังคงได้รับความนิยมจนถึงทุกวันนี้ และยังคงได้รับความนิยมเพิ่มมากขึ้นเรื่อยๆ แม้ว่าพวกเขาจะย้ายไปอเมริกาแล้วก็ตาม ฉันเชื่อว่าคุณจะชอบเพลงประเภทนี้ด้วย เพราะมีภาษาสเปนหรือโปรตุเกสแทรกอยู่ด้วย ทำให้ฟังติดหูอีกครั้ง ยุคทองของดนตรีละตินเริ่มต้นขึ้นเมื่อปี 1997 เมื่อ NARAS ก่อตั้ง Latin Recording Academy (LARAS) เพื่อพยายามขยายการดำเนินงานทั้งในละตินอเมริกาและสเปน ในเดือนกันยายน พ.ศ. 2543 LARAS ได้เปิดตัวงาน Latin Grammy Awards ซึ่งเป็นพิธีมอบรางวัลแยกจากงาน Grammy Awards ผู้จัดงานกล่าวว่าจักรวาลดนตรีละตินนั้นใหญ่เกินกว่าที่จะเข้าไปในรางวัลแกรมมี่ได้ Michael Greene อดีตหัวหน้า NARAS เคยกล่าวไว้ว่ารูปแบบดนตรีละตินที่หลากหลายเป็นเหตุให้การจัดงาน Latin Grammy Awards มีความซับซ้อน เนื่องจากสิ่งเดียวที่พวกเขามีร่วมกันคือภาษา รางวัล Latin Grammy Awards จึงมอบให้กับแผ่นเสียงที่เล่นเป็นภาษาสเปนหรือโปรตุเกส ในขณะที่องค์กรเน้นที่เพลงจากละตินอเมริกา สเปน และโปรตุเกส นับตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษปี 1990 เป็นต้นมา สหรัฐอเมริกาได้เห็นการเติบโตเพิ่มขึ้นของประชากร "ละติน" ซึ่งเป็นคำที่ได้รับความนิยมในช่วงทศวรรษปี 1960 จากการสับสนระหว่างคำว่า "สเปน" กับคำว่า "ฮิสแปนิก" ซึ่งเป็นคำที่เหมาะสมกว่าแต่ไม่เป็นที่นิยม ผู้คนในสหรัฐอเมริกาเริ่มเรียกเพลงที่มีเสียงร้องภาษาสเปนทั้งหมดว่า "เพลงละติน" ภาษาสเปนที่ร้องในทุกประเภทจะถูกจัดอยู่ในประเภท "ละติน" ศิลปินที่ทำให้สเปนถูกเรียกว่า "ละติน"
Soul Help
Techno Help
