Hip hop
Croyez-vous que la musique crée toujours des miracles et la paix dans le cœur ? Et le style hip-hop est toujours un genre que les gens aiment à chaque époque. Et il est indéniable que chaque style de musique a toujours un parfum ancré dans la culture et la diversité des peuples dans la mélodie de la musique. Et c'est pour cela que le hip-hop est toujours au centre de toutes les attentions. Il est clair qu'écouter de la musique hip-hop nous donne toujours l'impression qu'ils parlent en chantant et communiquent à travers une musique ou des rythmes musicaux cohérents avec la situation ou les personnes qui l'écoutent. Le hip-hop était très populaire dans les années 1970. Et bien sûr, à chaque période, il y a toujours des irrégularités. La musique hip-hop n'a pas été officiellement enregistrée pour la radio ou la télévision avant 1979, principalement en raison de la pauvreté à l'époque de sa naissance et du manque d'acceptation de la part de la communauté noire. Ce genre a commencé à se répandre à travers des fêtes fermées dans toute la communauté noire. C’est une chose qui nous fait réfléchir à l’importance d’un groupe de personnes qui ont de la diversité. Quel que soit le style de musique que vous écoutez, nous pouvons toujours apprendre des différences pour être beaux.
Pays
Quand vous imaginez une chanson country, qu'est-ce qui vous vient à l'esprit ? Pour moi, c'est une chanson pleine d'amour, de chaleur, de famille ou au milieu des champs à la campagne. Nous ne pouvons pas imaginer qu'à chaque fois que nous entendons une chanson country, elle nous fera sentir tendus ou deviendra un adepte de ce style de musique. Ou un autre nom que vous connaissez encore aujourd'hui s'appelle Country music. La country (également appelée country et western) est un genre musical originaire de la région sud des États-Unis, à la fois dans le Sud et le Sud-Ouest. La musique country, qui a été produite pour la première fois dans les années 1920, se concentrait sur le chant de chansons qui racontaient des histoires sur la vie de la classe ouvrière et des ouvriers en Amérique. Cela semble très intéressant parce que je ne pensais pas que les Américains étaient un pays diversifié et avaient un style de musique toujours beau dans ses différences. Et c'est ce qui s'est passé. Êtes-vous un adepte de ce genre de musique ? Et ce qui m'a surpris. En 2009, aux États-Unis, la musique country était la musique la plus écoutée aux heures de pointe, pendant les trajets du soir, et le deuxième genre musical le plus populaire pendant les trajets du matin. La musique country est connue pour ses ballades et ses chansons de danse (« honky-tonk songs ») aux formes simples et aux paroles folkloriques. L’harmonie est généralement accompagnée d’instruments tels que le banjo, le violon, l’harmonica et divers types de guitare (y compris les guitares acoustiques, électriques, steel et à résonateur). Bien que la musique country trouve ses racines dans la musique folklorique américaine sous des formes telles que la musique old-time et la musique des Appalaches, de nombreuses autres traditions, telles que la musique mexicaine, irlandaise et hawaïenne, ont également influencé sa création. Le mode blues du blues a également été largement utilisé à travers l’histoire. Bien sûr, je pense qu’au moment où vous arrivez à ce point de votre lecture, vous êtes peut-être un peu blasé de la façon dont chaque genre incorpore souvent l’histoire et les traditions culturelles. Mais je crois que c’est là que le lien étroit entre les valeurs conservatrices et la musique country contemporaine a commencé, en réponse au mouvement anti-guerre des années 1960. Jusqu'alors, la musique country, qui jusqu'alors s'appelait folk country, n'avait pas d'orientation politique claire et se concentrait plutôt sur les problèmes et les angoisses quotidiennes de la classe ouvrière. L'album Okie from Muskogee de Merle Haggard, sorti en 1969, présentait la musique country avec une perspective résolument conservatrice et politique, ce qui était populaire. Le président républicain Richard Nixon a encore renforcé ce lien musical conservateur pendant ses années au pouvoir. Il organisait fréquemment des événements pour les musiciens country, a déclaré octobre 1970 mois de la musique country et a séduit les auditeurs qui considéraient la musique country comme une musique à motivation politique. Cependant, à ce moment-là, la musique country s'était répandue dans de nombreux pays d'Asie et dans de nombreux autres pays qui considéraient la musique country comme une source constante d'honneur.
Populaire
Comment la musique pop a-t-elle réellement influencé ou est-elle née ? Et est-il vrai que c'est facile à entendre et à écouter pour tous les âges ? Parce que la plupart des gens croient que la musique est issue d’une culture et d’un art qui ont toujours fusionné. Et comment est-ce encore une chanson entraînante pour les mélomanes ? Qui sait si le style de la musique pop est vraiment moderne ou conservateur ? En fait, la musique pop a évolué en même temps que sa définition. Comme le dit le critique musical Bill Lamb, la musique pop regroupe « toutes les formes de musique depuis la révolution industrielle des années 1800 qui se rapprochent le plus des goûts et des intérêts de la classe moyenne urbaine ». Le terme « musique pop » a été utilisé pour la première fois en 1926 pour désigner la musique « populaire auprès des masses ». Hatch et Millward soutiennent que plusieurs événements de l’histoire de l’enregistrement des années 1920 sont considérés comme le berceau de l’industrie de la musique pop moderne, notamment la country, le blues et le hillbilly. La musique pop a été produite comme un effort, et non comme une forme d’art, et était « conçue pour plaire à tout le monde », mais « ne provenait d’aucun endroit précis ni n’exprimait aucun goût particulier ». Frith ajoute : « La musique pop n’est pas motivée par de grandes ambitions, si ce n’est le profit et les récompenses commerciales, et musicalement, elle n’est pas motivée par de grandes ambitions, si ce n’est le gain et les récompenses commerciales. » La musique pop est fondamentalement conservatrice. Cela vient d’en haut (des maisons de disques, des radios et des promoteurs de concerts) plutôt que d’en bas. Il ne s’agit pas d’une musique faite maison, mais plutôt d’une musique produite et emballée de manière professionnelle, et elle est souvent citée comme la meilleure de la musique pop. Comme le dit Frith, les caractéristiques de la musique pop incluent son objectif de plaire à un public général plutôt qu’à une sous-culture ou une idéologie spécifique, et son accent sur l’artisanat plutôt que sur les qualités « artistiques » formelles.
Rocher
Lorsque de nombreuses personnes entendent ce genre musical, la musique rock peut en fait faire penser à beaucoup de gens que la musique rock peut avoir des histoires ou des cultures intégrées, et il est incroyable que l'origine de la musique rock soit née aux États-Unis sous le nom de « rock and roll » à la fin des années 1940 et au début des années 1950 et se soit développée sous de nombreuses formes différentes depuis le milieu des années 1960, principalement aux États-Unis et au Royaume-Uni. Le rock a ses racines dans le rock and roll, une forme qui s'inspire directement des genres de musique noire tels que le blues, le rythm and blues et la country. Le rock est également fortement influencé par des genres tels que le blues électrique et le folk, et intègre des influences du jazz et d'autres styles musicaux. Pour les instruments, le rock se concentre généralement sur la guitare électrique, qui fait souvent partie d'un groupe de rock qui a une guitare basse électrique, une batterie et un ou plusieurs chanteurs. Le rock est généralement une chanson qui met l'accent sur le chant, avec un rythme à 4 temps et utilise un modèle de couplet et d'harmonie. Mais le genre est très diversifié. Comme la musique pop, les paroles ont tendance à se concentrer sur l'amour romantique, mais parlent également de nombreux autres thèmes, souvent sociaux ou politiques. Le rock était le genre musical le plus populaire aux États-Unis et dans tout le monde occidental des années 1950 aux années 2010. Au milieu des années 1960, les musiciens de rock ont commencé à faire passer l'album au-dessus du single comme forme dominante d'expression et de consommation enregistrées, les Beatles menant la charge. Leur travail a amené le genre à l'acceptation générale et a inauguré l'ère du rock influencé par les albums dans l'industrie musicale, qui a duré des décennies. À la fin des années 1960, le rock classique a engendré un certain nombre de sous-genres, y compris des hybrides tels que le blues rock, le folk rock, le country rock et le jazz rock, qui ont contribué au développement du rock psychédélique, influencé par les mouvements de contre-culture psychédélique et hippie. De nouveaux genres ont émergé, notamment le rock progressif, qui a élargi les éléments artistiques, le heavy metal, qui a mis l'accent sur un son dur, et le glam rock, qui a mis l'accent sur la performance et le style visuel.
Électronique
Les instruments électroniques sont largement utilisés dans presque toutes les formes de musique. Dans la musique populaire, comme la musique de danse électronique, presque tous les sons enregistrés sont électroniques (par exemple, les synthétiseurs de basse, les synthétiseurs, les boîtes à rythmes). Le développement de nouveaux instruments électroniques, contrôleurs et synthétiseurs reste un domaine de recherche actif et multidisciplinaire. La Conférence internationale sur les nouvelles interfaces pour l'expression musicale est organisée pour rendre compte des travaux de pointe et présenter les artistes qui interprètent ou créent de la musique avec de nouveaux instruments électroniques, contrôleurs et synthétiseurs. Et maintenant, passons au contenu plus intense sur ce sujet musical. Une nouveauté majeure a été l'avènement des ordinateurs pour composer de la musique. Au lieu de contrôler ou de générer des sons, Iannis Xenakis a été le pionnier de ce qu'il a appelé la Musique Stochastique, ou musique aléatoire, une méthode de composition musicale qui utilisait des systèmes de probabilité mathématique. Différents algorithmes probabilistes ont été utilisés pour générer des œuvres dans un ensemble de paramètres. Xenakis a utilisé du papier millimétré pour calculer les trajectoires de vélocité des glissandos pour sa pièce orchestrale Metastasis (1953-1954), mais s'est ensuite tourné vers les ordinateurs pour la composition, comme ST/4 pour quatuor à cordes et ST/48 pour orchestre (tous deux de 1962). L'impact des ordinateurs s'est poursuivi en 1956 lorsque Lejaren Hiller et Leonard Issacson ont composé la Suite Illiac pour quatuor à cordes. Il s'agissait de la première œuvre complète de composition assistée par ordinateur utilisant la composition algorithmique. En 1957, Max Matthews du Bell Lab a écrit la série MUSIC-N, le premier programme informatique permettant de générer des ondes sonores numériques par synthèse directe. Barry Vercoe a ensuite écrit MUSIC 11, basé sur le programme de synthèse musicale de nouvelle génération MUSIC IV-BF (plus tard développé en csound, qui est toujours largement utilisé). Au milieu des années 1980, Miller Puckett de l'IRCAM a développé un logiciel de traitement de signal graphique pour le 4X appelé Max (d'après Max Matthews), et l'a ensuite porté sur Macintosh (avec Dave Ciccarelli l'étendant pour Opcode[39]) pour contrôler le MIDI en temps réel, rendant la composition algorithmique accessible à la plupart des compositeurs ayant un niveau intermédiaire de programmation informatique.
Populaire
Si vous n'êtes pas familier avec le genre de musique folklorique d'aujourd'hui, je vais vous emmener l'explorer en profondeur avec un résumé que l'auteur et les lecteurs trouveront ensemble. De nombreuses personnes qui écoutent ce type de musique croient que. La musique folklorique est un genre qui reflète la culture et le mode de vie, avec ses racines dans les traditions et la culture de chaque localité. Par exemple, la chanson folklorique irlandaise « The Parting Glass » ou la chanson folklorique américaine « This Land Is Your Land » racontent des histoires de personnes, leur mode de vie, leurs croyances et leurs expériences qui ont été transmises de génération en génération. Et si nous parlons du développement de la musique folklorique, la musique folklorique existe dans tous les pays et s'est développée en fonction des époques. Au 20e siècle, la musique folklorique a connu un grand renouveau, en particulier aux États-Unis et en Europe. Les artistes qui ont joué un rôle essentiel dans l'introduction du folk dans le courant dominant étaient Bob Dylan, Joan Baez et Woody Guthrie. La musique folklorique n'est pas seulement un genre, mais un outil pour raconter des histoires sur la société. C'est un moyen utilisé pour refléter les problèmes et les émotions des gens à chaque époque. Par exemple, les chansons folkloriques ont été utilisées pour aborder des problèmes sociaux comme la pauvreté, la guerre et les droits civiques. Qu'il s'agisse de chansons folkloriques reflétant des problèmes sociaux, de chansons folkloriques traditionnelles ou de musique combinée à la musique moderne, la musique folklorique joue toujours un rôle important dans l'industrie musicale mondiale et s'est répandue de manière incroyable. Je ne peux pas croire que la musique folklorique soit en fait si unique et présente des histoires de culture qui captivent les auditeurs. C'est pourquoi les caractéristiques de la musique folklorique sont des chansons qui racontent des histoires de personnes telles que l'amour, le travail, le bonheur et le chagrin, et des événements historiques. Avec des mélodies simples, des instruments acoustiques tels que des guitares, des violons, des banjos, des mandolines et des flûtes sont souvent utilisés. Elle a été transmise de bouche à oreille avant d'être enregistrée sous forme de notes ou enregistrée à l'ère moderne. Avec des caractéristiques uniques pour chaque culture, comme la musique folklorique irlandaise, le bluegrass américain, la musique country thaïlandaise ou la musique flamenco espagnole. Si vous avez lu jusqu'ici, vous avez déjà expérimenté et réalisé que la musique folklorique a toujours des histoires qui contiennent une bonne énergie.
Maison
La house est une musique électronique de danse qui a un rythme répétitif à quatre temps et un tempo général de 115 à 130 battements par minute. On pense que lorsque de nombreuses personnes entendent ce genre, elles pensent souvent qu'il a été inventé ou créé en faisant de la musique à la maison ou dans la culture familiale ou par des personnes à la maison. Mais en fait, ce genre a été créé par des DJ et des producteurs de musique issus de la culture des clubs underground de Chicago et s'est progressivement développé au début et au milieu des années 1980 lorsque les DJ ont commencé à modifier la musique disco pour avoir un rythme plus mécanique. Au début de 1988, la house est devenue grand public et a remplacé les rythmes généraux des années 80. Si l'on creuse un peu plus, en fait, dans sa forme la plus générale, le genre est caractérisé par un rythme répétitif en 4/4, une grosse caisse, un charleston décalé, une caisse claire, des claps et/ou des slaps à un tempo compris entre 120 et 130 battements par minute (bpm), des riffs de synthétiseur, une ligne de basse profonde et souvent, mais pas nécessairement, des voix chantées, parlées ou échantillonnées. Dans la house, la grosse caisse est généralement jouée sur les temps 1, 2, 3 et 4, et une caisse claire, des claps ou un instrument de percussion plus aigu est utilisé sur les temps 2 et 4. Les rythmes de batterie dans la musique house sont généralement des boîtes à rythmes électroniques, généralement les Roland TR-808, TR-909 ou TR-707. Des claps, des shakes, des caisses claires ou des sons de charleston sont utilisés pour ajouter une syncope. Les riffs rythmiques caractéristiques, notamment dans la house de Chicago des débuts, sont construits selon un modèle de clave, avec parfois des congas et des bongos ajoutés pour un son africain. Ou des percussions métalliques pour une sensation latine.
R&B
Le R&B est un genre musical peu connu de la population. Cependant, la plupart des gens ont tendance à l'abréger en R&B ou R'n'B. Ce genre musical populaire est né dans la communauté noire dans les années 1940. Les maisons de disques ont commencé à décrire les enregistrements destinés principalement aux Noirs. Lors de l'essor du « jazz-rock lourd et soutenu » dans les années 1950 et 1970, les groupes étaient généralement composés d'un piano, d'une ou deux guitares, d'une basse, d'une batterie, d'un ou plusieurs saxophones et parfois d'un choriste. Les paroles de R&B résument souvent l'histoire et les expériences des Noirs en Amérique, notamment la douleur, la quête de liberté et de bonheur, ainsi que les triomphes et les échecs en termes de racisme, d'oppression, de relations, d'économie et d'aspirations sociales. Vous voyez, nous avons enfin un genre musical qui reflète le mode de vie d'un groupe dans une société intense et diversifiée, se mélangeant à tous les types de musique et, bien sûr, faisant que le « rythm and blues » a changé de sens à plusieurs reprises. Au début des années 1950, le terme était souvent utilisé pour les disques de blues. Au milieu des années 1950, après que cette musique ait contribué au développement du rock and roll, le terme « R&B » a été utilisé dans un contexte plus large, faisant référence à un style de musique qui a évolué à partir du blues électrique, du gospel et de la soul et les a combinés. Dans les années 1970, le « rythm and blues » a encore changé et a été utilisé comme terme collectif pour la soul et le funk. Un nouveau style de musique R&B s'est développé et est devenu connu sous le nom de « R&B contemporain ». Ce style contemporain combinait le R&B avec la pop, le disco, le hip hop, la soul, le funk et la musique électronique. Le R&B s'appliquait alors aux albums de blues. L'écrivain et producteur Robert Palmer a défini le R&B comme « un terme collectif pour toutes les formes de musique faites par et pour les Américains noirs ». Il a également utilisé le terme « R&B » comme synonyme de jump blues. Cependant, AllMusic a séparé le terme du jump blues car le R&B avait une plus grande influence gospel. [16] Lawrence Cohn, l'auteur de Nothing but the Blues, a écrit que « R&B » était un terme générique inventé pour la commodité de l'industrie. Selon lui, le terme couvrait toute la musique noire, à l'exception de la musique classique et religieuse, à moins que la musique gospel ne se vende suffisamment bien pour figurer dans les charts jusqu'au 21e siècle. Le terme R&B a continué à être utilisé (dans certains contextes) pour catégoriser la musique faite par des musiciens noirs, séparément des styles faits par d'autres musiciens. Dans la musique commerciale R&B, qui a caractérisé les années 1950 et 1970, les groupes étaient généralement constitués d'un piano, d'une ou deux guitares, d'une basse, d'une batterie et d'un saxophone. Les arrangements étaient répétés au strict minimum et incluaient parfois des choristes. Des parties simples et répétitives étaient entrelacées, créant un élan et un jeu rythmique qui créaient une texture douce, mélodique et souvent hypnotique tout en attirant l'attention sur les voix individuelles, même si les chanteurs étaient émotionnellement impliqués dans les paroles, souvent intensément. Mais ils restaient cool, détendus et en contrôle. Le groupe portait des costumes et des uniformes, une pratique associée à la musique populaire que les musiciens R&B aspiraient à dominer. Les paroles étaient souvent inquiétantes et la musique suivait souvent des modèles et des structures d'accords prévisibles. Les paroles R&B résumaient souvent les expériences douloureuses des Afro-Américains. Une publication du Smithsonian a résumé les origines du genre en 2016 : « La musique afro-américaine, en particulier, s'appuyant sur les branches profondes de l'expression afro-américaine, est une fusion de gospel, de jump blues, de big band swing, de boogie et de blues qui s'est développée sur une période de trente ans qui a couvert l'ère de la musique légale.
Latine
Il est indéniable que voyager à travers le monde rend une ville mémorable, et je crois que si vous avez voyagé dans n’importe quel pays du sud de l’Amérique, vous serez certainement familier avec la musique latine. Même si vous ne la connaissez pas, les habitants et les citoyens qui ont préservé la musique locale sauront certainement vous faire découvrir les sons de la musique latine. Et c'est pourquoi la musique latine a continué à être populaire jusqu'à aujourd'hui et devient de plus en plus populaire même après leur déménagement en Amérique. Je pense que vous aimerez aussi ce genre de musique, car elle contient un insert en espagnol ou en portugais, ce qui la rend à nouveau accrocheuse. L'âge d'or de la musique latine a commencé en 1997 lorsque NARAS a fondé la Latin Recording Academy (LARAS) dans le but d'étendre ses opérations en Amérique latine et en Espagne. En septembre 2000, LARAS a lancé les Latin Grammy Awards, une cérémonie de remise de prix distincte des Grammy Awards. Les organisateurs ont déclaré que l’univers de la musique latine était trop vaste pour être présenté aux Grammy Awards. Michael Greene, ancien directeur de la NARAS, a déclaré un jour que la variété des styles de musique latine compliquait la création des Latin Grammy Awards. Notant que la seule chose qu'ils ont en commun est la langue, les Latin Grammy Awards sont décernés aux disques joués en espagnol ou en portugais, tandis que l'organisation se concentre sur la musique d'Amérique latine, d'Espagne et du Portugal. Depuis la fin des années 1990, les États-Unis ont connu une croissance croissante de leur population de « Latinos », un terme popularisé dans les années 1960 à partir de la confusion du terme « espagnol » avec le terme plus approprié mais moins populaire « hispanique ». Les gens aux États-Unis ont commencé à désigner toute la musique comportant des voix espagnoles par « musique latine ». L'espagnol chanté dans n'importe quel genre était catégorisé comme « latin ». Cela a amené les artistes en Espagne à être appelés « latins ».
États-Unis
