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Il existe un nouveau format de codage audio appelé .flac. Cela signifie « Codec audio sans perte gratuit ». La Fondation Xiph.org a été fondée et développée en 1994. La Fondation Xiph.org est une organisation à but non lucratif qui produit des outils logiciels open source ainsi que des formats multimédias. Flac est une forme de codage audio pour les fichiers compressés sans perte. Lorsque celui-ci a été développé, il était disponible sous forme de logiciel gratuit. Flac a la capacité de compresser et de réduire la taille d'un fichier de 50 % à 70 % par rapport au WAV ou à d'autres formats sans perte et peut reproduire son audio sans perte. C'est un excellent outil si vous êtes limité en espace ou si vous ne souhaitez pas utiliser WAV car les fichiers sont très volumineux. Flac offre une compression sans sacrifier la qualité. Une réduction de la taille de 50 à 70 % pourrait fournir de l'espace supplémentaire pour d'autres applications, ce qu'il ne pourrait pas faire en utilisant WAV. Sans perte signifie aucune perte de qualité audio et est la norme dans l’industrie musicale. Flac offre un grand avantage pour de nombreuses applications.
MP3, également connu sous le nom de MPEG layer 3, est un format de fichier audio numérique qui stocke et partage des fichiers audio. Kbps, appelé kilobits par seconde, fait référence au « débit binaire », qui correspond à la qualité et à la taille de compression du fichier audio. 128 Ko est la taille du fichier MP3 qui a un débit de 128 kilobits par seconde. C'est faible par rapport à 256 ou 320, qui constituent une qualité relativement supérieure d'un format audio MP3. Cela rend la taille du fichier plus efficace pour le stockage et le partage sur Internet. L’effet négatif de cela serait que des débits binaires plus faibles entraîneraient une qualité de fichier audio inférieure.
MP3 256 Ko est le débit binaire du fichier MP3, qui permet une quantité de données traitées par seconde lors de la lecture de l'audio. Plus le débit est élevé, plus la taille du fichier est grande. Il en résulte une meilleure qualité. Une taille de fichier de 256 Ko signifie que le fichier audio a un débit binaire de 256 kilobits par seconde. C'est beaucoup plus volumineux que, par exemple, un fichier de 64 Ko, qui correspond généralement à la taille d'un fichier de sonnerie. Le raisonnement derrière la « qualité sonore » dépend de facteurs tels que les paramètres d’encodage, les appareils de lecture et le matériel source. La préférence pour la qualité audio dépend de la manière dont le fichier audio est distribué. Par exemple, l'enregistrement d'un fichier audio dans un studio d'enregistrement (.wav) par rapport à un téléchargement numérique (128-320 Ko.)
Le cas de 320 Ko fait référence à la taille de fichier d'un débit de 320 kilobits par seconde, ce qui est le débit binaire le plus élevé parmi les tailles de fichiers MP3 disponibles au téléchargement. Un débit binaire plus élevé, comme 320 Ko, entraîne une meilleure qualité car davantage de données sont utilisées pour coder les informations audio. À 320 Ko, le fichier audio peut être d'une qualité supérieure à 128 ou 256. Néanmoins, il est important de noter que la qualité du fichier audio dépend d'autres facteurs, notamment le matériel source, les paramètres d'encodage et, surtout, le périphérique de lecture.
WAV ou Waveform Audio File Format est un format de fichier audio utilisé pour stocker des enregistrements audio numériques avec la qualité de fichier audio la plus élevée. WAV est un fichier sans aucune compression. WAV est enregistré dans la taille du fichier d'origine. IBM et Microsoft ont développé WAV au début des années 1990 comme norme de stockage de fichiers audio numériques sur ordinateurs. WAV a la plus haute qualité absolue ; cependant, l’inconvénient est qu’il s’agit également d’un fichier volumineux. WAV n'a aucune métadonnée. Les métadonnées identifient des informations telles que l'artiste, le titre, l'année, le numéro de piste, etc. WAV est la norme industrielle en matière de production musicale en raison de la qualité du son. Les ingénieurs du son et les producteurs de musique affirment qu'il offre également une plage dynamique et une profondeur sonore plus larges, non disponibles dans d'autres formats. WAV a fait plus que devenir la norme pour le stockage audio sur ordinateur ; il est devenu le format de fichier audio de la plus haute qualité. Aujourd'hui, WAV est le format de fichier audio standard dans l'industrie musicale et constitue le summum de la qualité d'un fichier audio. WAV peut être utilisé sur n'importe quel appareil, tel qu'un DVD, une télévision, un iPad, un ordinateur, etc. WAV était autrefois un problème avec les smartphones en raison de sa taille, mais maintenant que les téléphones peuvent contenir de 64 Go à 1 To de données, ce n'est plus le cas. plus un problème.
Une sonnerie et/ou couper une sonnerie fait référence au processus de raccourcissement ou de coupe d'une section d'un fichier audio pour créer une sonnerie selon vos préférences. En achetant ou en téléchargeant une sonnerie, il peut s'agir d'une version complète de la chanson, ou il se peut que ce soit simplement le clip de 30 secondes qui est le moins personnalisable. L'utilisation du découpage d'une sonnerie peut vous permettre de sélectionner une section du fichier audio. La section habituellement découpée pour créer une sonnerie serait une mélodie ou un refrain accrocheur de votre chanson de préférence. Aujourd'hui, de nombreux smartphones et applications ont été développés pour permettre à l'utilisateur de découper et de personnaliser facilement les sonneries en ajustant le point de début et de fin du fichier audio. Ce processus a été réalisé à l'aide d'une interface visuelle qui permet à l'utilisateur de visualiser le forme d'onde du fichier audio et coupez-le selon vos préférences. C'est un outil agréable. Vous pouvez facilement rester au courant de toutes vos notifications entrantes et vous amuser avec différentes sonneries. Cet outil vous permet de personnaliser toutes vos notifications audio afin que vous sachiez quoi vient d'arriver par la sonnerie. Personnalisez chaque sonnerie pour différentes notifications telles que le courrier entrant, le texte entrant, les publications Facebook, Instagram, Twitter, les alertes météo, etc. En plus des sonneries standard, vous pouvez également découper une chanson ou un fichier audio préféré afin qu'il ne joue qu'un court morceau. L'utilisation du découpage d'une sonnerie peut vous permettre de sélectionner uniquement une section du fichier audio ou un couplet au lieu de la chanson entière. La section généralement découpée pour créer une sonnerie serait une mélodie ou un refrain entraînant de votre chanson préférée. Peut-être votre chanson de mariage lorsque votre mari vous appelle ou vous envoie un SMS, ou la chanson préférée de votre mère lorsqu'elle vous appelle ou vous envoie un SMS. La plupart des gens ne savent peut-être pas que de nombreux smartphones et applications ont été développés pour permettre à l'utilisateur de découper et de personnaliser facilement les sonneries en ajustant le point de début et de fin du fichier audio. Ce processus a été réalisé à l'aide d'une interface visuelle qui permet à l'utilisateur de visualiser la forme d'onde du fichier audio et de le découper selon ses préférences. La forme d'onde de l'audio vous permet de voir exactement où commencent les paroles ou la mélodie préférées, puis de choisir exactement où vous voulez qu'elles se terminent. »
Croyez-vous que la musique crée toujours des miracles et la paix dans le cœur ? Et le style hip-hop est toujours un genre que les gens aiment à chaque époque. Et il est indéniable que chaque style de musique a toujours un parfum ancré dans la culture et la diversité des peuples dans la mélodie de la musique. Et c'est pour cela que le hip-hop est toujours au centre de toutes les attentions. Il est clair qu'écouter de la musique hip-hop nous donne toujours l'impression qu'ils parlent en chantant et communiquent à travers une musique ou des rythmes musicaux cohérents avec la situation ou les personnes qui l'écoutent. Le hip-hop était très populaire dans les années 1970. Et bien sûr, à chaque période, il y a toujours des irrégularités. La musique hip-hop n'a pas été officiellement enregistrée pour la radio ou la télévision avant 1979, principalement en raison de la pauvreté à l'époque de sa naissance et du manque d'acceptation de la part de la communauté noire. Ce genre a commencé à se répandre à travers des fêtes fermées dans toute la communauté noire. C’est une chose qui nous fait réfléchir à l’importance d’un groupe de personnes qui ont de la diversité. Quel que soit le style de musique que vous écoutez, nous pouvons toujours apprendre des différences pour être beaux.
Comment la musique pop a-t-elle réellement influencé ou est-elle née ? Et est-il vrai que c'est facile à entendre et à écouter pour tous les âges ? Parce que la plupart des gens croient que la musique est issue d’une culture et d’un art qui ont toujours fusionné. Et comment est-ce encore une chanson entraînante pour les mélomanes ? Qui sait si le style de la musique pop est vraiment moderne ou conservateur ? En fait, la musique pop a évolué en même temps que sa définition. Comme le dit le critique musical Bill Lamb, la musique pop regroupe « toutes les formes de musique depuis la révolution industrielle des années 1800 qui se rapprochent le plus des goûts et des intérêts de la classe moyenne urbaine ». Le terme « musique pop » a été utilisé pour la première fois en 1926 pour désigner la musique « populaire auprès des masses ». Hatch et Millward soutiennent que plusieurs événements de l’histoire de l’enregistrement des années 1920 sont considérés comme le berceau de l’industrie de la musique pop moderne, notamment la country, le blues et le hillbilly. La musique pop a été produite comme un effort, et non comme une forme d’art, et était « conçue pour plaire à tout le monde », mais « ne provenait d’aucun endroit précis ni n’exprimait aucun goût particulier ». Frith ajoute : « La musique pop n’est pas motivée par de grandes ambitions, si ce n’est le profit et les récompenses commerciales, et musicalement, elle n’est pas motivée par de grandes ambitions, si ce n’est le gain et les récompenses commerciales. » La musique pop est fondamentalement conservatrice. Cela vient d’en haut (des maisons de disques, des radios et des promoteurs de concerts) plutôt que d’en bas. Il ne s’agit pas d’une musique faite maison, mais plutôt d’une musique produite et emballée de manière professionnelle, et elle est souvent citée comme la meilleure de la musique pop. Comme le dit Frith, les caractéristiques de la musique pop incluent son objectif de plaire à un public général plutôt qu’à une sous-culture ou une idéologie spécifique, et son accent sur l’artisanat plutôt que sur les qualités « artistiques » formelles.
Quand vous imaginez une chanson country, qu'est-ce qui vous vient à l'esprit ? Pour moi, c'est une chanson pleine d'amour, de chaleur, de famille ou au milieu des champs à la campagne. Nous ne pouvons pas imaginer qu'à chaque fois que nous entendons une chanson country, elle nous fera sentir tendus ou deviendra un adepte de ce style de musique. Ou un autre nom que vous connaissez encore aujourd'hui s'appelle Country music. La country (également appelée country et western) est un genre musical originaire de la région sud des États-Unis, à la fois dans le Sud et le Sud-Ouest. La musique country, qui a été produite pour la première fois dans les années 1920, se concentrait sur le chant de chansons qui racontaient des histoires sur la vie de la classe ouvrière et des ouvriers en Amérique. Cela semble très intéressant parce que je ne pensais pas que les Américains étaient un pays diversifié et avaient un style de musique toujours beau dans ses différences. Et c'est ce qui s'est passé. Êtes-vous un adepte de ce genre de musique ? Et ce qui m'a surpris. En 2009, aux États-Unis, la musique country était la musique la plus écoutée aux heures de pointe, pendant les trajets du soir, et le deuxième genre musical le plus populaire pendant les trajets du matin. La musique country est connue pour ses ballades et ses chansons de danse (« honky-tonk songs ») aux formes simples et aux paroles folkloriques. L’harmonie est généralement accompagnée d’instruments tels que le banjo, le violon, l’harmonica et divers types de guitare (y compris les guitares acoustiques, électriques, steel et à résonateur). Bien que la musique country trouve ses racines dans la musique folklorique américaine sous des formes telles que la musique old-time et la musique des Appalaches, de nombreuses autres traditions, telles que la musique mexicaine, irlandaise et hawaïenne, ont également influencé sa création. Le mode blues du blues a également été largement utilisé à travers l’histoire. Bien sûr, je pense qu’au moment où vous arrivez à ce point de votre lecture, vous êtes peut-être un peu blasé de la façon dont chaque genre incorpore souvent l’histoire et les traditions culturelles. Mais je crois que c’est là que le lien étroit entre les valeurs conservatrices et la musique country contemporaine a commencé, en réponse au mouvement anti-guerre des années 1960. Jusqu'alors, la musique country, qui jusqu'alors s'appelait folk country, n'avait pas d'orientation politique claire et se concentrait plutôt sur les problèmes et les angoisses quotidiennes de la classe ouvrière. L'album Okie from Muskogee de Merle Haggard, sorti en 1969, présentait la musique country avec une perspective résolument conservatrice et politique, ce qui était populaire. Le président républicain Richard Nixon a encore renforcé ce lien musical conservateur pendant ses années au pouvoir. Il organisait fréquemment des événements pour les musiciens country, a déclaré octobre 1970 mois de la musique country et a séduit les auditeurs qui considéraient la musique country comme une musique à motivation politique. Cependant, à ce moment-là, la musique country s'était répandue dans de nombreux pays d'Asie et dans de nombreux autres pays qui considéraient la musique country comme une source constante d'honneur.
Lorsque de nombreuses personnes entendent ce genre musical, la musique rock peut en fait faire penser à beaucoup de gens que la musique rock peut avoir des histoires ou des cultures intégrées, et il est incroyable que l'origine de la musique rock soit née aux États-Unis sous le nom de « rock and roll » à la fin des années 1940 et au début des années 1950 et se soit développée sous de nombreuses formes différentes depuis le milieu des années 1960, principalement aux États-Unis et au Royaume-Uni. Le rock a ses racines dans le rock and roll, une forme qui s'inspire directement des genres de musique noire tels que le blues, le rythm and blues et la country. Le rock est également fortement influencé par des genres tels que le blues électrique et le folk, et intègre des influences du jazz et d'autres styles musicaux. Pour les instruments, le rock se concentre généralement sur la guitare électrique, qui fait souvent partie d'un groupe de rock qui a une guitare basse électrique, une batterie et un ou plusieurs chanteurs. Le rock est généralement une chanson qui met l'accent sur le chant, avec un rythme à 4 temps et utilise un modèle de couplet et d'harmonie. Mais le genre est très diversifié. Comme la musique pop, les paroles ont tendance à se concentrer sur l'amour romantique, mais parlent également de nombreux autres thèmes, souvent sociaux ou politiques. Le rock était le genre musical le plus populaire aux États-Unis et dans tout le monde occidental des années 1950 aux années 2010. Au milieu des années 1960, les musiciens de rock ont commencé à faire passer l'album au-dessus du single comme forme dominante d'expression et de consommation enregistrées, les Beatles menant la charge. Leur travail a amené le genre à l'acceptation générale et a inauguré l'ère du rock influencé par les albums dans l'industrie musicale, qui a duré des décennies. À la fin des années 1960, le rock classique a engendré un certain nombre de sous-genres, y compris des hybrides tels que le blues rock, le folk rock, le country rock et le jazz rock, qui ont contribué au développement du rock psychédélique, influencé par les mouvements de contre-culture psychédélique et hippie. De nouveaux genres ont émergé, notamment le rock progressif, qui a élargi les éléments artistiques, le heavy metal, qui a mis l'accent sur un son dur, et le glam rock, qui a mis l'accent sur la performance et le style visuel.
Le R&B est un genre musical peu connu de la population. Cependant, la plupart des gens ont tendance à l'abréger en R&B ou R'n'B. Ce genre musical populaire est né dans la communauté noire dans les années 1940. Les maisons de disques ont commencé à décrire les enregistrements destinés principalement aux Noirs. Lors de l'essor du « jazz-rock lourd et soutenu » dans les années 1950 et 1970, les groupes étaient généralement composés d'un piano, d'une ou deux guitares, d'une basse, d'une batterie, d'un ou plusieurs saxophones et parfois d'un choriste. Les paroles de R&B résument souvent l'histoire et les expériences des Noirs en Amérique, notamment la douleur, la quête de liberté et de bonheur, ainsi que les triomphes et les échecs en termes de racisme, d'oppression, de relations, d'économie et d'aspirations sociales. Vous voyez, nous avons enfin un genre musical qui reflète le mode de vie d'un groupe dans une société intense et diversifiée, se mélangeant à tous les types de musique et, bien sûr, faisant que le « rythm and blues » a changé de sens à plusieurs reprises. Au début des années 1950, le terme était souvent utilisé pour les disques de blues. Au milieu des années 1950, après que cette musique ait contribué au développement du rock and roll, le terme « R&B » a été utilisé dans un contexte plus large, faisant référence à un style de musique qui a évolué à partir du blues électrique, du gospel et de la soul et les a combinés. Dans les années 1970, le « rythm and blues » a encore changé et a été utilisé comme terme collectif pour la soul et le funk. Un nouveau style de musique R&B s'est développé et est devenu connu sous le nom de « R&B contemporain ». Ce style contemporain combinait le R&B avec la pop, le disco, le hip hop, la soul, le funk et la musique électronique. Le R&B s'appliquait alors aux albums de blues. L'écrivain et producteur Robert Palmer a défini le R&B comme « un terme collectif pour toutes les formes de musique faites par et pour les Américains noirs ». Il a également utilisé le terme « R&B » comme synonyme de jump blues. Cependant, AllMusic a séparé le terme du jump blues car le R&B avait une plus grande influence gospel. [16] Lawrence Cohn, l'auteur de Nothing but the Blues, a écrit que « R&B » était un terme générique inventé pour la commodité de l'industrie. Selon lui, le terme couvrait toute la musique noire, à l'exception de la musique classique et religieuse, à moins que la musique gospel ne se vende suffisamment bien pour figurer dans les charts jusqu'au 21e siècle. Le terme R&B a continué à être utilisé (dans certains contextes) pour catégoriser la musique faite par des musiciens noirs, séparément des styles faits par d'autres musiciens. Dans la musique commerciale R&B, qui a caractérisé les années 1950 et 1970, les groupes étaient généralement constitués d'un piano, d'une ou deux guitares, d'une basse, d'une batterie et d'un saxophone. Les arrangements étaient répétés au strict minimum et incluaient parfois des choristes. Des parties simples et répétitives étaient entrelacées, créant un élan et un jeu rythmique qui créaient une texture douce, mélodique et souvent hypnotique tout en attirant l'attention sur les voix individuelles, même si les chanteurs étaient émotionnellement impliqués dans les paroles, souvent intensément. Mais ils restaient cool, détendus et en contrôle. Le groupe portait des costumes et des uniformes, une pratique associée à la musique populaire que les musiciens R&B aspiraient à dominer. Les paroles étaient souvent inquiétantes et la musique suivait souvent des modèles et des structures d'accords prévisibles. Les paroles R&B résumaient souvent les expériences douloureuses des Afro-Américains. Une publication du Smithsonian a résumé les origines du genre en 2016 : « La musique afro-américaine, en particulier, s'appuyant sur les branches profondes de l'expression afro-américaine, est une fusion de gospel, de jump blues, de big band swing, de boogie et de blues qui s'est développée sur une période de trente ans qui a couvert l'ère de la musique légale.
Les instruments électroniques sont largement utilisés dans presque toutes les formes de musique. Dans la musique populaire, comme la musique de danse électronique, presque tous les sons enregistrés sont électroniques (par exemple, les synthétiseurs de basse, les synthétiseurs, les boîtes à rythmes). Le développement de nouveaux instruments électroniques, contrôleurs et synthétiseurs reste un domaine de recherche actif et multidisciplinaire. La Conférence internationale sur les nouvelles interfaces pour l'expression musicale est organisée pour rendre compte des travaux de pointe et présenter les artistes qui interprètent ou créent de la musique avec de nouveaux instruments électroniques, contrôleurs et synthétiseurs. Et maintenant, passons au contenu plus intense sur ce sujet musical. Une nouveauté majeure a été l'avènement des ordinateurs pour composer de la musique. Au lieu de contrôler ou de générer des sons, Iannis Xenakis a été le pionnier de ce qu'il a appelé la Musique Stochastique, ou musique aléatoire, une méthode de composition musicale qui utilisait des systèmes de probabilité mathématique. Différents algorithmes probabilistes ont été utilisés pour générer des œuvres dans un ensemble de paramètres. Xenakis a utilisé du papier millimétré pour calculer les trajectoires de vélocité des glissandos pour sa pièce orchestrale Metastasis (1953-1954), mais s'est ensuite tourné vers les ordinateurs pour la composition, comme ST/4 pour quatuor à cordes et ST/48 pour orchestre (tous deux de 1962). L'impact des ordinateurs s'est poursuivi en 1956 lorsque Lejaren Hiller et Leonard Issacson ont composé la Suite Illiac pour quatuor à cordes. Il s'agissait de la première œuvre complète de composition assistée par ordinateur utilisant la composition algorithmique. En 1957, Max Matthews du Bell Lab a écrit la série MUSIC-N, le premier programme informatique permettant de générer des ondes sonores numériques par synthèse directe. Barry Vercoe a ensuite écrit MUSIC 11, basé sur le programme de synthèse musicale de nouvelle génération MUSIC IV-BF (plus tard développé en csound, qui est toujours largement utilisé). Au milieu des années 1980, Miller Puckett de l'IRCAM a développé un logiciel de traitement de signal graphique pour le 4X appelé Max (d'après Max Matthews), et l'a ensuite porté sur Macintosh (avec Dave Ciccarelli l'étendant pour Opcode[39]) pour contrôler le MIDI en temps réel, rendant la composition algorithmique accessible à la plupart des compositeurs ayant un niveau intermédiaire de programmation informatique.
La house est une musique électronique de danse qui a un rythme répétitif à quatre temps et un tempo général de 115 à 130 battements par minute. On pense que lorsque de nombreuses personnes entendent ce genre, elles pensent souvent qu'il a été inventé ou créé en faisant de la musique à la maison ou dans la culture familiale ou par des personnes à la maison. Mais en fait, ce genre a été créé par des DJ et des producteurs de musique issus de la culture des clubs underground de Chicago et s'est progressivement développé au début et au milieu des années 1980 lorsque les DJ ont commencé à modifier la musique disco pour avoir un rythme plus mécanique. Au début de 1988, la house est devenue grand public et a remplacé les rythmes généraux des années 80. Si l'on creuse un peu plus, en fait, dans sa forme la plus générale, le genre est caractérisé par un rythme répétitif en 4/4, une grosse caisse, un charleston décalé, une caisse claire, des claps et/ou des slaps à un tempo compris entre 120 et 130 battements par minute (bpm), des riffs de synthétiseur, une ligne de basse profonde et souvent, mais pas nécessairement, des voix chantées, parlées ou échantillonnées. Dans la house, la grosse caisse est généralement jouée sur les temps 1, 2, 3 et 4, et une caisse claire, des claps ou un instrument de percussion plus aigu est utilisé sur les temps 2 et 4. Les rythmes de batterie dans la musique house sont généralement des boîtes à rythmes électroniques, généralement les Roland TR-808, TR-909 ou TR-707. Des claps, des shakes, des caisses claires ou des sons de charleston sont utilisés pour ajouter une syncope. Les riffs rythmiques caractéristiques, notamment dans la house de Chicago des débuts, sont construits selon un modèle de clave, avec parfois des congas et des bongos ajoutés pour un son africain. Ou des percussions métalliques pour une sensation latine.
En fait, d'où vient l'origine du genre de musique de danse électronique ? D'après l'auteur, quand je suis né, j'ai entendu parler du genre musical. Cela m'a fait le voir comme une chose internationale qui vient d'Europe et que les gens connaissent sous le nom de genre musical (EDM) ou le nom que l'on peut appeler musique de danse ou musique que les amoureux de la vie nocturne et sont passionnés par la musique, la mélodie du club. Bien sûr, il s'agit d'une variété de musique électronique percussive qui est créée pour les boîtes de nuit, les raves et les festivals de musique. Elle est généralement produite pour être jouée par des DJ qui créent une sélection homogène de chansons appelées. Mix DJ en passant d'un enregistrement à un autre. Le contrôleur de programme, souvent le héros méconnu du monde de l'EDM, est le cerveau derrière la production de ce genre. L'EDM ne se limite pas au studio ; elle prend vie sous la forme de performances en direct lors de concerts ou de festivals, un format souvent appelé sonorisation en direct. En parlant du siècle depuis sa création, l'EDM s'est développée. L'EDM est devenue très populaire en Europe à la fin des années 1980 et au début des années 1990 après l'émergence des raves, de la musique des radios pirates, des soirées dans les nuages, des festivals underground et de l'intérêt croissant pour la culture club. Cependant, la culture rav n'est pas très populaire aux États-Unis. Elle est généralement peu répandue en dehors des scènes régionales de New York, de Floride, du Midwest et de Californie. Bien que l'électro, la house de Chicago et la techno de Detroit aient influencé l'Europe et les États-Unis, les médias grand public et l'industrie du disque américaine ont continué à désapprouver ouvertement le genre jusqu'aux années 1990 et au-delà. On a également pris conscience du lien de l'EDM avec la culture de la drogue, ce qui a conduit les gouvernements des États et des villes à adopter des lois et des politiques visant à stopper la propagation de la culture rave. Oh, cela me semble passionnant et surprenant. Les genres musicaux peuvent-ils vraiment refléter la personnalité des personnes qui les écoutent ? Plus tard dans le nouveau millénaire, la popularité de l'EDM a augmenté dans le monde entier, en particulier aux États-Unis et en Australie. Au début des années 2010, l'industrie musicale américaine et les médias musicaux ont fait la promotion des termes « musique électronique de danse » et de l'acronyme « EDM » pour rebaptiser la culture rave américaine. Malgré les tentatives de l'industrie de présenter l'EDM comme un genre singulier, l'acronyme continue d'être utilisé comme terme générique pour plusieurs genres, notamment la dance-pop, la house, la techno, l'électro et la trance, ainsi que des sous-genres connexes. Tous ces éléments sont antérieurs à l'acronyme. La naissance de chaque genre musical n'a pas seulement une histoire et trouve son origine à l'ère de Samui, mais elle reflète également la valeur de l'utilisation de la musique pour guérir l'âme humaine et est devenue une histoire que j'ai brièvement résumée dans l'article. Histoire de la musique électronique et histoire des DJ Différents genres d'EDM se sont développés au cours des 40 dernières années, notamment la house, la techno, le drum and bass, la dance-pop, etc. Les changements stylistiques au sein des genres EDM existants peuvent conduire à l'émergence de ce que l'on appelle des sous-genres. La fusion d’éléments de deux ou plusieurs genres peut conduire à l’émergence d’un tout nouveau genre d’EDM.
En ce qui concerne l'identité du genre musical Dubstep, il se peut qu'elle ne soit pas très familière aux fans de ce genre musical. Avec son caractère unique et ses caractéristiques, elle est similaire à la musique de danse électronique qui a vu le jour dans le sud de Londres au début des années 2000. Ce style est né de la ramification de la musique garage au Royaume-Uni, qui combinait des rythmes en 2 étapes et une production de dub doux. Au Royaume-Uni, les origines de ce genre remontent à la croissance de la scène des fêtes du sound system jamaïcain au début des années 1980. Le dubstep se caractérise par l'utilisation de motifs rythmiques syncopés, de lignes de basse proéminentes et de tons sombres. En 2001, ce son underground et d'autres genres de garage ont commencé à être présentés et promus dans la discothèque Plastic People à Londres, lors de l'événement « Forward » (parfois FWD>>) et sur la station de radio pirate Rinse FM, qui a plus tard eu une influence majeure sur le développement de la musique dubstep. Rythme à mi-temps : le dubstep utilise souvent des rythmes qui ressemblent à des rythmes à mi-temps (même s'ils sont en fait rapides), comme dans cet exemple qui explique que la chanson a un tempo de 71 bpm, ce qui donne l'impression d'être la moitié du temps du tempo plus rapide (142 bpm). C'est l'une des techniques qui aident à créer de la tension et de la puissance dans la chanson. Sub-Bass : le son de basse unique et épais du dubstep a une forte vibration et peut être ressenti physiquement. L'utilisation de cette basse solide donne à la chanson plus de profondeur et de puissance. Échantillons coupés : le dubstep utilise souvent des sons courts, coupés ou « coupés » pour ajouter de l'intérêt au rythme et au son, lui donnant une sensation saccadée ou irrégulière. Je pense qu'en lisant cet article, vous commencerez à réaliser que les genres sont souvent adaptés et manipulés pour créer un attrait esthétique pour les amateurs de musique, et c'est quelque chose de vraiment unique qui est créé sous la forme d'un genre qui est reconnaissable et distinctif, et oui, parfois. Ajustements vocaux : Le dubstep peut avoir des voix qui ont été coupées et déformées, donnant à la musique une profondeur et une atmosphère plus profondes.
Qu'est-ce que la musique Trap, d'où vient-elle et dans quel but ce genre a-t-il été créé ? Le genre qui a changé l'industrie de la musiqueLa musique Trap est apparue au début des années 2000, originaire d'Atlanta, en Géorgie, aux États-Unis. Le terme « trap » vient de l'argot pour le trafic de drogue aux États-Unis, qui est l'un des principaux thèmes que l'on retrouve dans ce type de musique. La musique Trap se caractérise par des tambours 808, des charleston, des roulements de caisse claire et des synthétiseurs ou des mélodies. Les rythmes des chansons sont structurés de manière excitante. Cela a conduit à une montée en popularité parmi les artistes hip-hop et les producteurs d'autres genres. L'origine et la croissance de la musique Trap. Le trap est devenu connu pour la première fois vers 2003-2005. Les premiers artistes qui ont contribué à créer et à populariser le genre étaient T.I., Gucci Mane et Young Jeezy. En particulier, l'album Trap Muzik de T.I. de 2003 a joué un rôle déterminant dans la définition officielle du terme « Trap Music » en tant que genre.
Si vous n'êtes pas familier avec le genre de musique folklorique d'aujourd'hui, je vais vous emmener l'explorer en profondeur avec un résumé que l'auteur et les lecteurs trouveront ensemble. De nombreuses personnes qui écoutent ce type de musique croient que. La musique folklorique est un genre qui reflète la culture et le mode de vie, avec ses racines dans les traditions et la culture de chaque localité. Par exemple, la chanson folklorique irlandaise « The Parting Glass » ou la chanson folklorique américaine « This Land Is Your Land » racontent des histoires de personnes, leur mode de vie, leurs croyances et leurs expériences qui ont été transmises de génération en génération. Et si nous parlons du développement de la musique folklorique, la musique folklorique existe dans tous les pays et s'est développée en fonction des époques. Au 20e siècle, la musique folklorique a connu un grand renouveau, en particulier aux États-Unis et en Europe. Les artistes qui ont joué un rôle essentiel dans l'introduction du folk dans le courant dominant étaient Bob Dylan, Joan Baez et Woody Guthrie. La musique folklorique n'est pas seulement un genre, mais un outil pour raconter des histoires sur la société. C'est un moyen utilisé pour refléter les problèmes et les émotions des gens à chaque époque. Par exemple, les chansons folkloriques ont été utilisées pour aborder des problèmes sociaux comme la pauvreté, la guerre et les droits civiques. Qu'il s'agisse de chansons folkloriques reflétant des problèmes sociaux, de chansons folkloriques traditionnelles ou de musique combinée à la musique moderne, la musique folklorique joue toujours un rôle important dans l'industrie musicale mondiale et s'est répandue de manière incroyable. Je ne peux pas croire que la musique folklorique soit en fait si unique et présente des histoires de culture qui captivent les auditeurs. C'est pourquoi les caractéristiques de la musique folklorique sont des chansons qui racontent des histoires de personnes telles que l'amour, le travail, le bonheur et le chagrin, et des événements historiques. Avec des mélodies simples, des instruments acoustiques tels que des guitares, des violons, des banjos, des mandolines et des flûtes sont souvent utilisés. Elle a été transmise de bouche à oreille avant d'être enregistrée sous forme de notes ou enregistrée à l'ère moderne. Avec des caractéristiques uniques pour chaque culture, comme la musique folklorique irlandaise, le bluegrass américain, la musique country thaïlandaise ou la musique flamenco espagnole. Si vous avez lu jusqu'ici, vous avez déjà expérimenté et réalisé que la musique folklorique a toujours des histoires qui contiennent une bonne énergie.
Il est indéniable que voyager à travers le monde rend une ville mémorable, et je crois que si vous avez voyagé dans n’importe quel pays du sud de l’Amérique, vous serez certainement familier avec la musique latine. Même si vous ne la connaissez pas, les habitants et les citoyens qui ont préservé la musique locale sauront certainement vous faire découvrir les sons de la musique latine. Et c'est pourquoi la musique latine a continué à être populaire jusqu'à aujourd'hui et devient de plus en plus populaire même après leur déménagement en Amérique. Je pense que vous aimerez aussi ce genre de musique, car elle contient un insert en espagnol ou en portugais, ce qui la rend à nouveau accrocheuse. L'âge d'or de la musique latine a commencé en 1997 lorsque NARAS a fondé la Latin Recording Academy (LARAS) dans le but d'étendre ses opérations en Amérique latine et en Espagne. En septembre 2000, LARAS a lancé les Latin Grammy Awards, une cérémonie de remise de prix distincte des Grammy Awards. Les organisateurs ont déclaré que l’univers de la musique latine était trop vaste pour être présenté aux Grammy Awards. Michael Greene, ancien directeur de la NARAS, a déclaré un jour que la variété des styles de musique latine compliquait la création des Latin Grammy Awards. Notant que la seule chose qu'ils ont en commun est la langue, les Latin Grammy Awards sont décernés aux disques joués en espagnol ou en portugais, tandis que l'organisation se concentre sur la musique d'Amérique latine, d'Espagne et du Portugal. Depuis la fin des années 1990, les États-Unis ont connu une croissance croissante de leur population de « Latinos », un terme popularisé dans les années 1960 à partir de la confusion du terme « espagnol » avec le terme plus approprié mais moins populaire « hispanique ». Les gens aux États-Unis ont commencé à désigner toute la musique comportant des voix espagnoles par « musique latine ». L'espagnol chanté dans n'importe quel genre était catégorisé comme « latin ». Cela a amené les artistes en Espagne à être appelés « latins ».
