アメリカ
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.flac と呼ばれる新しいオーディオ コーディング形式があります。 これは「Free Lossless Audio Codec」の略です。 Xiph.org Foundation は 1994 年に設立され、開発されました。Xiph.org Foundation は、オープンソース ソフトウェア ツールやマルチメディア フォーマットを作成する非営利団体です。 Flac は、ロスレス圧縮ファイルのオーディオ コーディングの形式です。 これが開発されたときは、フリー ソフトウェア プログラムとして利用可能でした。 Flac は、WAV やその他のロスレス形式と比較して、ファイルのサイズを 50% ～ 70% 圧縮して縮小する機能があり、そのロスレス オーディオを再生できます。 これは、スペースが限られている場合、またはファイルが非常に大きいため WAV を使用したくない場合に最適なツールです。 Flac は品質を犠牲にすることなく圧縮を実現します。 サイズを 50% から 70% 削減すれば、WAV を使用した場合には得られなかった追加のスペースを他のアプリケーションに提供できる可能性があります。 ロスレスとは、オーディオの音質が損なわれないことを意味し、音楽業界の標準です。 Flac は、多くのアプリケーションに大きな利点をもたらします。
MP3 は MPEG レイヤ 3 とも呼ばれ、オーディオ ファイルを保存および共有するデジタル オーディオ ファイル形式です。 Kbps はキロビット/秒として知られ、オーディオ ファイルの品質と圧縮サイズを表す「ビットレート」を指します。 128kb は、ビットレート 128 キロビット/秒の MP3 ファイル サイズです。 これは、MP3 オーディオ形式の比較的高品質である 256 または 320 に比べて低いです。 これにより、ファイル サイズをより効率的に保存し、インターネット上で共有できるようになります。 これによる悪影響は、ビットレートが低いとオーディオ ファイルの品質が低下することです。
MP3 256kb は MP3 ファイルのビットレートで、オーディオの再生によって 1 秒あたりに処理できるデータ量を表します。 ビットレートが高いほど、ファイルサイズは大きくなります。 これにより、品質が向上します。 256 kb のファイル サイズは、オーディオ ファイルのビットレートが 256 キロビット/秒であることを意味します。 これは、たとえば、一般的に着信音のファイル サイズである 64 kb ファイルと比較すると、はるかに大きくなります。 「音質」の背後にある理由は、エンコード設定、再生デバイス、ソース素材などの要因によって異なります。 オーディオ品質の好みは、オーディオ ファイルの配布方法によって異なります。 たとえば、レコーディング スタジオでオーディオ ファイル (.wav) を録音した場合と、デジタル ダウンロード (128 ～ 320 kb) を比較した場合です。
320kb の場合は、ビットレート 320 キロビット/秒のファイル サイズを指します。これは、ダウンロード可能な MP3 ファイル サイズの中で最も高いビットレートです。 320kb など、ビットレートが高くなると、オーディオ情報のエンコードに使用されるデータが増えるため、品質が向上します。 320kb では、オーディオ ファイルの品質は 128 や 256 より高くなる可能性があります。それでも、オーディオ ファイルの品質は、ソース素材、エンコード設定、そして最も重要なことに、再生デバイスなどの他の要素に依存することに注意することが重要です。
WAV または波形オーディオ ファイル形式は、最高のオーディオ ファイル品質でデジタル オーディオ録音を保存するために使用されるオーディオ ファイル形式です。 WAV は圧縮されていないファイルです。 WAVはオリジナルのファイルサイズで記録されます。 IBM と Microsoft は、1990 年代初頭に、コンピュータにデジタル オーディオ ファイルを保存するための標準として WAV を開発しました。 WAV は絶対的に最高の品質を持っています。 ただし、ファイルが巨大であるという欠点もあります。 WAV にはメタデータがありません。 メタデータは、アーティスト、タイトル、年、トラック番号などの情報を識別します。WAV は、サウンドの品質のため、音楽制作の業界標準です。 サウンド エンジニアや音楽プロデューサーは、他のフォーマットでは得られない、より大きなダイナミック レンジとサウンドの深みも提供すると述べています。 WAV は、コンピュータ オーディオ ストレージの標準以上の役割を果たしました。 それは最高品質のオーディオ ファイル形式として引き継がれました。 現在、WAV は音楽業界の標準オーディオ ファイル形式であり、オーディオ ファイルの最高品質です。 WAV は、DVD、テレビ、iPad、コンピュータなど、あらゆるデバイスで使用できます。以前は、WAV はサイズのせいでスマートフォンでは問題がありましたが、今ではスマートフォンが 64 GB ～ 1T のデータを保存できるため、問題はありません。 もっと長い問題です。
着信音または着信音のトリミングとは、オーディオ ファイルのセクションを短縮またはカットして好みに合わせた着信音を作成するプロセスを指します。 着信音を購入またはダウンロードすると、その曲のフルレングス バージョンになる場合もあれば、最もカスタマイズしにくい 30 秒のクリップだけになる場合もあります。 着信音をトリミングすると、オーディオ ファイルの一部を選択できるようになります。 通常、着信音を作成するためにトリミングされるセクションは、好みの曲のキャッチーなメロディーまたはコーラスです。 現在、オーディオ ファイルの開始点と終了点を調整することで、ユーザーが着信音を簡単にトリミングおよびカスタマイズできるようにする多くのスマートフォンやアプリが開発されています。 このプロセスは、ユーザーがオーディオ ファイルの波形を表示し、好みに合わせてトリミングできるビジュアル インターフェイスを使用して実行されます。 これは楽しいツールです。 すべての受信通知を簡単に把握し、さまざまな着信音を楽しむことができます。 このツールを使用すると、すべての音声通知をカスタマイズできるため、着信音で何が入ってきたのかがわかります。 受信メール、受信テキスト、Facebook 投稿、Instagram、Twitter、天気予報など、さまざまな通知に合わせて各着信音をカスタマイズします。標準の着信音に加えて、お気に入りの曲やオーディオ ファイルをトリミングして短い曲だけを再生することもできます。 着信音のトリミングを使用すると、曲全体ではなく、オーディオ ファイルの一部または詩だけを選択できます。 通常、着信音を作成するためにトリミングされるセクションは、好みの曲のキャッチーなメロディーまたはコーラスです。 夫から電話やメールが来るときはウェディングソング、あるいは母親があなたに電話やメールをするときはお気に入りの歌かもしれません。 ほとんどの人は、オーディオ ファイルの開始点と終了点を調整することで、ユーザーが着信音を簡単にトリミングおよびカスタマイズできるようにする多くのスマートフォンやアプリが開発されていることを知らないかもしれません。 このプロセスは、ユーザーがオーディオ ファイルの波形を表示し、好みに合わせてトリミングできるビジュアル インターフェイスを使用して実行されます。 オーディオの波形により、好みの歌詞やメロディーの開始位置を正確に確認でき、終了したい位置を正確に選択できます。
音楽は常に奇跡を起こし、心に平和をもたらすと信じていますか？そしてヒップホップスタイルは、どの時代でも今でも人々が好むジャンルです。そしてそれは、それぞれの音楽スタイルが、音楽のメロディーの中に人々の文化や多様性が埋め込まれた匂いを今でも持っていることを否定することはできません。そしてそれがヒップホップが今でも常に話題になっている理由です。ヒップホップ音楽を聴くと、歌うことを通して話しているように感じたり、状況や聴く人と一致する音楽や音楽のリズムを通してコミュニケーションをとっているように感じたりするのは明らかです。 H 1970年代のヒップホップは非常に人気がありました。そしてもちろん、どの時代にも常に不規則性があります。ヒップホップ音楽は、誕生当時の貧困と黒人コミュニティからの受け入れの欠如のため、1979年までラジオやテレビ向けに正式に録音されていませんでした。このジャンルは、黒人コミュニティ全体にクローズドパーティーを通じて広まり始めました。これは、多様性を持つ人々のグループの重要性を私たちに反映させるものの一つです。どのようなスタイルの音楽を聴いても、私たちは常に違いから美しさを学ぶことができます。
ポップミュージックは実際どのように影響を与え、どのように始まったのでしょうか? また、あらゆる年齢層にとって聞きやすいというのは本当でしょうか? なぜなら、ほとんどの人は、音楽は常に一緒になった文化と芸術から生まれたと信じているからです。では、なぜそれが今でも音楽愛好家にとってキャッチーな曲なのでしょうか? ポップミュージックのスタイルが本当にモダンか保守的かは誰にもわかりません。実際、ポップミュージックはその定義とともに進化してきました。音楽ライターのビル・ラムが言うように、ポップミュージックとは「1800年代の産業革命以降のあらゆる形式の音楽で、都市部の中流階級の嗜好や興味に最も近いもの」です。「ポップミュージック」という用語は、1926年に「大衆に人気のある」音楽を意味するために初めて使用されました。ハッチとミルワードは、カントリー、ブルース、ヒルビリーなど、1920年代のレコーディングの歴史におけるいくつかの出来事が現代のポップミュージック産業の発祥の地であると考えられていると主張しています。ポップミュージックは「芸術形式としてではなく、努力として生み出された」ものであり、「すべての人にアピールするようにデザインされた」が、「特定の場所から生まれたわけではなく、特定の趣味を表現したものでもない」とフリスは付け加える。「ポップミュージックは、利益と商業的報酬を除いて、大きな野心によって動かされているわけではなく、音楽的にも、商業的利益と報酬を除いて、大きな野心によって動かされているわけではない」。ポップミュージックは根本的に保守的である。下からではなく、上から（レコード会社、ラジオ、コンサートプロモーターによって）生み出される。自作の音楽ではなく、プロが制作しパッケージ化した音楽であり、ポップミュージックの最高傑作としてよく挙げられる。フリスが言うように、ポップミュージックの特徴には、特定のサブカルチャーやイデオロギーではなく一般の聴衆にアピールすることを目指していること、形式的な「芸術的」品質よりも職人技を重視することなどが含まれる。
カントリーソングを想像するとき、何を思い浮かべますか？私にとっては、家族や田舎の野原の真ん中での愛や温かさに満ちた曲です。カントリーソングを聞くたびに緊張したり、このスタイルの音楽のフォロワーになったりすることは想像もできません。または、今日まで知られている別の名前はカントリーミュージックと呼ばれています。カントリー（カントリーアンドウエスタンとも呼ばれます）は、南部と南西部の両方を含む米国南部地域で生まれた音楽ジャンルです。1920年代に初めて制作されたカントリーミュージックは、アメリカの労働者階級や労働者の生活についての物語を語る歌を歌うことに重点を置いていました。アメリカ人は多様性に富み、常に違いが美しい音楽スタイルを持っている国だとは思っていなかったので、とても興味深く聞こえます。そして、それが起こったのです。あなたはこのジャンルの音楽のフォロワーですか？そして、私を驚かせたものは何ですか。 2009 年、米国では、夕方の通勤ラッシュ時に最も多く聴かれた音楽はカントリー ミュージックで、朝の通勤ラッシュ時にも 2 番目に人気のジャンルでした。カントリー ミュージックは、シンプルな形式とフォーク 歌詞のバラードやダンス ソング (「ホンキー トンク ソング」) で知られています。また、ハーモニーには、バンジョー、フィドル、ハーモニカ、さまざまなタイプのギター (アコースティック、エレクトリック、スチール、リゾネーター ギターなど) などの楽器が伴奏として使われるのが一般的です。カントリー ミュージックは、オールド タイムやアパラチアなどのアメリカのフォーク ミュージックにルーツがありますが、メキシコ、アイルランド、ハワイなどの他の多くの伝統も、カントリー ミュージックの創作に影響を与えています。ブルースのブルース モードも、歴史を通じて広く使用されてきました。もちろん、ここまで読んできた皆さんは、各ジャンルが歴史や文化的伝統を頻繁に取り入れていることに少しうんざりしているかもしれません。しかし、保守的な価値観と現代のカントリー ミュージックとの密接なつながりは、1960 年代の反戦運動に応えて始まったと私は考えています。それまでは、フォーク カントリーと呼ばれていたカントリー ミュージックのほとんどすべてに明確な政治的志向はなく、労働者階級の日常的な問題や不安に焦点を当てていました。マール ハガードの 1969 年のアルバム「Okie from Muskogee」は、カントリー ミュージックに明らかに保守的かつ政治的な視点を提示し、人気を博しました。共和党のリチャード ニクソン大統領は、在任中にこの保守的な音楽とのつながりをさらに強化しました。ニクソン大統領は、カントリー ミュージシャン向けのイベントを頻繁に開催し、1970 年 10 月をカントリー ミュージック月間と宣言し、カントリー ミュージックを政治的動機によるものと見なすリスナーにアピールしました。しかし、この時までに、カントリー ミュージックはアジアの多くの国や、カントリー ミュージックを常に名誉の源と見なす他の多くの国に広まっていました。
多くの人が音楽ジャンルとしてロックミュージックと聞くと、実はロックミュージックにはストーリーや文化が埋め込まれているのではないかと考える人が多いかもしれません。ロックミュージックの起源は、1940年代後半から1950年代前半にかけて「ロックンロール」という名前で米国で始まり、1960年代半ば以降、主に米国と英国でさまざまな形態に発展してきたというのは信じられないことです。ロックは、ブルース、リズムアンドブルース、カントリーなどの黒人音楽ジャンルから直接影響を受けたロックンロールにルーツがあります。ロックはエレクトリックブルースやフォークなどのジャンルの影響も強く受けており、ジャズやその他の音楽スタイルの影響も取り入れています。楽器に関しては、ロックは通常エレクトリックギターに焦点を当てており、エレクトリックベースギター、ドラム、1人以上の歌手がいるロックグループの一部であることがよくあります。ロックは通常、歌を重視した曲で、4ビートのリズムで、詩とハーモニーのパターンを使用します。しかし、ジャンルは非常に多様です。ポップミュージックと同様に、歌詞は恋愛に焦点を当てる傾向がありますが、社会的または政治的なテーマについても語っています。ロックは、1950年代から2010年代にかけて、米国および西側諸国で最も人気のある音楽ジャンルでした。1960年代半ばまでに、ロックミュージシャンは、録音された表現と消費の主要な形式として、シングルよりもアルバムを推進し始め、ビートルズがその先頭に立っていました。彼らの作品は、このジャンルを主流に受け入れさせ、音楽業界で数十年にわたるアルバムに影響されたロックの時代の先駆けとなりました。1960年代後半には、クラシックロックから、ブルースロック、フォークロック、カントリーロック、ジャズロックなどのハイブリッドを含む多くのサブジャンルが生まれ、サイケデリックロックやヒッピーカウンターカルチャー運動の影響を受けたサイケデリックロックの発展を助けました。芸術的要素を拡大したプログレッシブロック、ハードなサウンドを強調したヘビーメタル、パフォーマンスとビジュアルスタイルを強調したグラムロックなど、新しいジャンルが登場しました。
音楽ジャンルに関して言えば、リズム アンド ブルースは多くの人に馴染みのあるものではありません。しかし、ほとんどの人はそれを R&B または R'n'B と略す傾向があります。このポピュラー音楽ジャンルは、1940 年代に黒人コミュニティで生まれました。レコード会社は、主に黒人向けに販売されるレコードをこのように表現し始めました。1950 年代と 1970 年代の「重厚で持続的なジャズ ロック」の隆盛期には、バンドは通常、ピアノ、1 本または 2 本のギター、ベース、ドラム、1 本以上のサックス、そして時にはバック シンガーで構成されていました。R&B の歌詞は、アメリカの黒人の歴史と経験を要約したものが多く、その中には、苦痛、自由と幸福の探求、人種差別、抑圧、人間関係、経済、社会的願望に関する勝利と失敗などが含まれます。ついに、強烈で多様な社会における集団の生き方を反映し、あらゆる種類の音楽と融合し、当然ながら「リズム アンド ブルース」の意味が何度も変化した音楽ジャンルが誕生しました。1950 年代初頭、この用語はブルースのレコードによく使用されていました。1950 年代半ば、この音楽がロックンロールの発展に貢献した後、「R&B」という用語はより広い文脈で使用されるようになり、エレクトリック ブルース、ゴスペル、ソウルから進化し、これらを組み合わせた音楽スタイルを指すようになりました。1970 年代には、「リズム アンド ブルース」は再び変化し、ソウルとファンクの総称として使用されるようになりました。新しいスタイルの R&B 音楽が開発され、「コンテンポラリー R&B」として知られるようになりました。この現代的なスタイルは、R&B とポップ、ディスコ、ヒップホップ、ソウル、ファンク、エレクトロニック ミュージックを組み合わせたものです。R&B は、その頃にはブルースのアルバムにも使用されていました。作家でプロデューサーのロバート・パーマーは、リズム・アンド・ブルースを「黒人アメリカ人によって、黒人アメリカ人のために作られたあらゆる形式の音楽の総称」と定義した。彼はまた、「R&B」という用語をジャンプ・ブルースの同義語として使用した。しかし、オールミュージックは、R&Bの方がゴスペルの影響が大きいため、この用語をジャンプ・ブルースから切り離した。[16] 『Nothing but the Blues』の著者ローレンス・コーンは、「リズム・アンド・ブルース」は業界の便宜のために作られた包括的な用語であると書いている。彼によると、この用語は、ゴスペル音楽が21世紀に入ってもヒットチャートに載るほど売れない限り、クラシック音楽と宗教音楽を除くすべての黒人音楽をカバーしていた。R&Bという用語は、黒人ミュージシャンが作った音楽を、他のミュージシャンが作ったスタイルとは区別して分類するために（いくつかの文脈で）使用され続けた。1950年代と1970年代を特徴づけた商業的なリズム・アンド・ブルース音楽では、バンドは通常、ピアノ、1本または2本のギター、ベース、ドラム、サックスで構成されていた。アレンジは最低限のリハーサルで、時にはバックシンガーが参加することもあった。シンプルで反復的なパートが織り交ぜられ、勢いとリズミカルな演奏が生み出され、柔らかくメロディアスで、しばしば催眠術のような質感を生み出し、歌手たちが歌詞に感情移入していても、時には激しく個々の声に注意を引き付けていた。しかし、彼らは冷静でリラックスしており、自制心を保っていた。バンドはスーツとユニフォームを着用したが、これはR&Bミュージシャンが支配しようとしていたポピュラー音楽を連想させる慣習だった。歌詞は不吉なものが多く、音楽は予測可能なコードパターンと構造に従うことが多かった。R&Bの歌詞は、アフリカ系アメリカ人の辛い経験を要約していることが多かった。スミソニアン博物館の出版物は、2016年にこのジャンルの起源を次のようにまとめている。「アフリカ系アメリカ人の音楽、具体的には、アフリカ系アメリカ人の表現の奥深い枝葉を活用した音楽は、ゴスペル、ジャンプブルース、ビッグバンドスウィング、ブギー、ブルースの融合であり、合法音楽の時代を含む30年にわたって発展してきた。
電子楽器は、ほぼすべての形式の音楽で広く使用されています。エレクトロニック ダンス ミュージックなどのポピュラー音楽では、録音されたほぼすべての音が電子音です (ベース シンセ、シンセサイザー、ドラム マシンなど)。新しい電子楽器、コントローラー、シンセサイザーの開発は、現在も活発で学際的な研究分野です。音楽表現のための新しいインターフェイスに関する国際会議は、最先端の研究成果を報告し、新しい電子楽器、コントローラー、シンセサイザーを使用して音楽を演奏または作成するアーティストを紹介するために開催されます。次に、この音楽のテーマに関するより集中的な内容について説明します。大きな新しい開発は、音楽を作曲するためのコンピューターの出現でした。ヤニス クセナキスは、音を制御または生成する代わりに、数学的確率システムを使用する音楽作曲方法である Musique Stochastique、つまりランダム ミュージックと呼ばれる手法を開発しました。一連のパラメーター内で作品を生成するために、さまざまな確率アルゴリズムが使用されました。クセナキスは管弦楽曲「メタスタシス」（1953年 - 1954年）のグリッサンドの速度経路を計算するためにグラフ用紙を使用したが、後に弦楽四重奏用のST/4や管弦楽用のST/48（ともに1962年）などの作曲にコンピュータを使用するようになった。コンピュータの影響は1956年にも続き、レヤレン・ヒラーとレナード・アイザックソンが弦楽四重奏のための「イリアック組曲」を作曲した。これはアルゴリズム作曲を使用したコンピュータ支援作曲の最初の完全な作品であった。1957年、ベル研究所のマックス・マシューズは、直接合成によってデジタル音波を生成する最初のコンピュータプログラムであるMUSIC-Nシリーズを作成した。その後、バリー・ヴァーコーは次世代の音楽合成プログラムMUSIC IV-BF（後にcsoundに発展し、現在でも広く使用されている）に基づいてMUSIC 11を作成した。 1980年代半ば、IRCAMのミラー・パケットは4X用のグラフィカル信号処理ソフトウェア「Max」（マックス・マシューズにちなんで）を開発し、後にこれをMacintoshに移植して（デイブ・チカレリがOpcode[39]用に拡張）、MIDIをリアルタイムで制御できるようにし、中級レベルのコンピュータプログラミングを持つほとんどの作曲家がアルゴリズム作曲にアクセスできるようにしました。
ハウスは、反復的な4拍子のリズムと、1分間に115〜130拍の一般的なテンポを持つエレクトロニックダンスミュージックです。多くの人がこのジャンルを聞くと、家庭での音楽制作や家族の文化、または家にいる人々から発明または作成されたものだと思うことが多いと考えられています。しかし実際には、このジャンルはシカゴのアンダーグラウンドクラブ文化のDJや音楽プロデューサーによって作成され、DJがディスコミュージックをより機械的なリズムに変え始めた1980年代前半から中頃に徐々に発展しました。1988年初頭、ハウスは主流となり、80年代の一般的なリズムに取って代わりました。もう少し深く掘り下げてみると、実際のところ、このジャンルの最も一般的な形態は、反復的な 4/4 ビート、ベースドラム、オフビートのハイハット、スネアドラム、120 ～ 130 bpm のテンポでのクラップやスラップ、シンセサイザーのリフ、深いベースライン、そして多くの場合 (必ずしもそうとは限りませんが)、歌や話し声、またはサンプリングされたボーカルによって特徴付けられます。ハウス ミュージックでは、ベースドラムは通常、1、2、3、4 拍目で演奏され、スネアドラム、クラップ、または高音のパーカッション楽器は 2 拍目と 4 拍目で使用されます。ハウス ミュージックのドラム ビートは、通常、電子ドラム マシン (Roland TR-808、TR-909、または TR-707) です。クラップ、シェイク、スネアドラム、またはハイハットの音は、シンコペーションを追加するために使用されます。特に初期のシカゴ ハウスの特徴的なリズミカルなリフは、クラーベ パターンに沿って構築されており、アフリカ風のサウンドを出すためにコンガやボンゴが加えられることもあります。また、ラテン風の雰囲気を出すためにメタリックなパーカッションが加えられることもあります。
エレクトロニックダンスミュージック実際、エレクトロニックダンスミュージックのジャンルの起源はどこから進化し、生まれたのでしょうか？著者から、私が生まれたとき、私は音楽ジャンルを耳にしました。それは私に、ヨーロッパから来た国際的なものであり、人々が音楽ジャンル（EDM）として知っている、またはダンスミュージックまたはナイトライフ愛好家や音楽、クラブメロディーに情熱を傾ける音楽と呼ぶことができる名前であるように思わせました。もちろん、それはナイトクラブ、レイブ、音楽フェスティバルのために作成されるさまざまな電子パーカッシブミュージックです。一般的には、DJが演奏するために制作され、DJミックスと呼ばれるシームレスな曲の選択を作成します。ある録音から別の録音に変更することで。EDMの世界の陰の英雄であることが多いプログラムコントローラーは、このジャンルの制作の首謀者です。EDMはスタジオに限定されているだけでなく、コンサートやフェスティバルでのライブパフォーマンスの形で生き生きとしており、ライブPAと呼ばれる形式がよく使用されます。誕生以来の世紀といえば、EDMは拡大してきました。 EDM は、レイブ、海賊ラジオ音楽、クラウド パーティー、アンダーグラウンド フェスティバルの出現とクラブ カルチャーへの関心の高まりを受けて、1980 年代後半から 1990 年代前半にかけてヨーロッパで広く人気を博しました。しかし、レイブ カルチャーは米国では広く普及していません。ニューヨーク、フロリダ、中西部、カリフォルニアの地域シーン以外では、一般的に珍しいものです。エレクトロ、シカゴ ハウス、デトロイト テクノはヨーロッパと米国の両方に影響を与えてきましたが、主流メディアと米国のレコード業界は 1990 年代以降までこのジャンルを公然と非難し続けました。また、EDM とドラッグ カルチャーのつながりに対する認識が高まり、州政府や市政府はレイブ カルチャーの拡大を阻止することを目的とした法律や政策を可決しました。ああ、それは私にとって刺激的で意外な話です。音楽のジャンルは、それを聴く人の性格を本当に反映できるのでしょうか? 新世紀後半には、EDM の人気は世界中で高まり、特に米国とオーストラリアで高まりました。 2010 年代初頭、アメリカの音楽業界と音楽メディアは、「エレクトロニック ダンス ミュージック」という用語と「EDM」という頭字語を推進し、アメリカのレイブ カルチャーのブランドを再構築しました。業界が EDM を単一のジャンルとしてブランド化しようとしたにもかかわらず、この頭字語は、ダンス ポップ、ハウス、テクノ、エレクトロ、トランス、および関連するサブジャンルを含むいくつかのジャンルの総称として引き続き使用されています。これらはすべて、この頭字語よりも古いものです。すべての音楽ジャンルの誕生には物語があり、サムイ時代に由来するだけでなく、音楽を使って人間の魂を癒す価値を反映しており、この記事で簡単にまとめた歴史となっています。歴史 エレクトロニック ミュージックと DJ の歴史 過去 40 年間で、ハウス、テクノ、ドラムンベース、ダンス ポップなど、さまざまな EDM ジャンルが開発されました。既存の EDM ジャンル内のスタイルの変化により、サブジャンルと呼ばれるものが出現することがあります。 2 つ以上のジャンルの要素を融合すると、まったく新しい EDM のジャンルが誕生する可能性があります。
ダブステップという音楽ジャンルのアイデンティティについては、このジャンルの音楽ファンにはあまり馴染みがないかもしれません。その独自性と特徴は、2000年代初頭にサウスロンドンで生まれたエレクトロニックダンスミュージックに似ています。このスタイルは、2ステップビートとソフトダブプロダクションを組み合わせたイギリスのガレージミュージックの派生から生まれました。イギリスでは、このジャンルの起源は、1980年代初頭のジャマイカのサウンドシステムパーティーシーンの成長にありました。ダブステップは、シンコペーションのリズムパターン、目立つベースライン、ダークなトーンの使用が特徴です。2001年には、このアンダーグラウンドサウンドと他のガレージジャンルが、ロンドンのプラスチックピープルナイトクラブ、「フォワード」（FWD>>と呼ばれることもあります）イベント、そして後にダブステップミュージックの発展に大きな影響を与えた海賊ラジオ局Rinse FMで紹介され、宣伝され始めました。ハーフタイム リズム: ダブステップでは、ハーフタイム リズムのように感じられるリズム (実際には速いのですが) がよく使用されます。たとえば、この例では、曲のテンポが 71 bpm で、速いテンポ (142 bpm) の半分の時間のように感じられることが説明されています。これは、曲に緊張感と力強さを生み出すのに役立つテクニックの 1 つです。サブベース: ダブステップ独特の低くて厚いベース音は、強い振動があり、身体的に感じられます。このしっかりしたベースを使用することで、曲に深みと力強さが加わります。クリップされたサンプル: ダブステップでは、ビートやサウンドに興味をそそる短い、クリップされた、または「クリップされた」サウンドがよく使用され、途切れ途切れまたは不均一な感じがします。この記事を読んでいくと、ジャンルは音楽愛好家にとって美的魅力を生み出すために適応され、操作されることが多く、認識可能で独特なジャンルの形で作成されるのは本当にユニークなものであり、そう、時々あることに気づき始めると思います。ボーカルチョップ: ダブステップではボーカルをカットしたり歪ませたりすることで、音楽に深みと雰囲気を与えることができます。
トラップミュージックとは何ですか？どこから生まれ、このジャンルは何のために作られたのですか？音楽業界を変えたジャンルトラップミュージックは2000年代初頭に米国ジョージア州アトランタで生まれました。「トラップ」という用語は米国での麻薬取引の俗語に由来し、このタイプの音楽に見られる主なテーマの1つです。トラップミュージックは、808ドラム、ハイハット、スネアロール、シンセサイザーまたはメロディーが特徴です。曲のリズムはエキサイティングな方法で構成されています。これにより、ヒップホップアーティストと他のジャンルのプロデューサーの両方の間で人気が急上昇しました。トラップミュージックの起源と成長。トラップは2003〜2005年頃に初めて知られるようになりました。このジャンルの作成と普及に貢献した最初のアーティストは、T.I.、グッチ・メイン、ヤング・ジージーでした。特に、T.I. の 2003 年のアルバム「Trap Muzik」は、「トラップ ミュージック」という用語をジャンルとして正式に定義するのに重要な役割を果たしました。
今日、フォークミュージックというジャンルに馴染みがない方のために、著者と読者が一緒に見つけられるような要約とともに、フォークミュージックを深く探究していきます。このタイプの音楽を聴く人の多くはそう信じています。フォークミュージックは、各地域の伝統や文化に根ざした、文化や生活様式を反映するジャンルです。たとえば、アイルランドのフォークソング「The Parting Glass」やアメリカのフォークソング「This Land Is Your Land」は、世代から世代へと受け継がれてきた人々、彼らの生き方、信念、経験の物語を伝えています。そして、フォークミュージックの発展について言えば、フォークミュージックはどの国にも存在し、時代に合わせて発展してきました。20世紀には、特に米国とヨーロッパでフォークミュージックが大きく復活しました。フォークを主流にするのに重要な役割を果たしたアーティストは、ボブ・ディラン、ジョーン・バエズ、ウディ・ガスリーでした。フォークミュージックは単なるジャンルではなく、社会についての物語を伝えるツールです。それは、それぞれの時代の人々の問題や感情を反映するために使われた媒体です。例えば、貧困、戦争、公民権などの社会問題に対処するために民謡が使われてきました。社会問題を反映した民謡、伝統的な民謡、現代音楽と融合した音楽など、民謡は今でも世界中の音楽業界で重要な役割を果たしており、信じられないほど広まっています。民謡が実際には非常にユニークで、聴く人を魅了する文化の物語を提示しているとは信じられません。だからこそ、フォークミュージックの特徴は、愛や仕事、喜びや悲しみ、歴史的出来事など、人々の物語を歌ったものなのです。シンプルなメロディーで、ギター、バイオリン、バンジョー、マンドリン、フルートなどのアコースティック楽器がよく使われます。音符として記録されたり、現代に録音される前は、口伝えで受け継がれてきました。アイルランドのフォークミュージック、アメリカのブルーグラス、タイのカントリーミュージック、スペインのフラメンコ音楽など、それぞれの文化に固有の特徴があります。ここまで読んでくださった方は、すでに体験し、フォークミュージックには必ず良いエネルギーを秘めた物語があることに気づいているはずです。
世界を旅すると、その都市が思い出深いものになるのは否定できません。そして、アメリカ南部の国を旅したことがある人なら、ラテン音楽にきっと馴染みがあると思います。たとえラテン音楽に詳しくなくても、地元の音楽を守ってきた地元の人々や市民が、ラテン音楽の音色をきっと教えてくれるでしょう。だからこそ、ラテン音楽は今日まで人気を保ち続け、アメリカに渡った後もますます人気が高まっているのです。スペイン語やポルトガル語の挿入歌が入っていて、またキャッチーなので、このタイプの音楽もきっと気に入っていただけると思います。ラテン音楽の黄金時代は、1997 年に NARAS がラテンアメリカとスペインの両方で事業を拡大するためにラテン レコーディング アカデミー (LARAS) を設立したときに始まりました。 2000 年 9 月、LARAS はグラミー賞とは別の授賞式であるラテン グラミー賞を創設しました。主催者は、ラテン音楽の世界はグラミー賞に収まるには大きすぎると述べた。 NARAS の元代表マイケル・グリーン氏はかつて、ラテン音楽のスタイルの多様性がラテン・グラミー賞の創設を複雑にしたと語ったことがある。共通点は言語だけであることに注目し、ラテングラミー賞はスペイン語またはポルトガル語で演奏されたレコードに授与され、同組織はラテンアメリカ、スペイン、ポルトガルの音楽に重点を置いています。 1990 年代後半以降、米国では「ラテン系」人口の増加が見られる。この用語は 1960 年代に「スペイン人」という用語を、より適切だがあまり一般的ではない用語である「ヒスパニック」と混同したことから広まった。米国の人々は、スペイン語のボーカルをフィーチャーしたすべての音楽を「ラテン音楽」と呼ぶようになった。スペイン語で歌われたあらゆるジャンルの音楽は「ラテン」に分類された。これにより、スペインのアーティストは「ラテン系」と呼ばれるようになった。
