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Esiste un nuovo formato di codifica audio chiamato .flac. Questo sta per "Codec audio senza perdita di dati gratuito". La Xiph.org Foundation è stata fondata e sviluppata nel 1994. Xiph.org Foundation è un'organizzazione senza scopo di lucro che produce strumenti software open source e formati multimediali. Flac è una forma di codifica audio per file compressi senza perdita di dati. Quando è stato sviluppato, era disponibile come programma software gratuito. Flac ha la capacità di comprimere e ridurre la dimensione di un file ovunque dal 50% al 70% rispetto a WAV o altri formati senza perdita di dati e può riprodurne l'audio senza perdita di dati. Questo è uno strumento eccellente se hai poco spazio o non vuoi usare WAV perché i file sono troppo grandi. Flac fornisce la compressione senza sacrificare la qualità. Una riduzione delle dimensioni dal 50% al 70% potrebbe fornire spazio aggiuntivo per altre applicazioni che non sarebbe possibile utilizzando WAV. Senza perdita significa nessuna perdita di qualità del suono ed è uno standard nel settore musicale. Flac offre un grande vantaggio per molte applicazioni.
MP3, noto anche come MPEG layer 3, è un formato di file audio digitale che archivia e condivide file audio. Kbps, noto come kilobit al secondo, si riferisce al "bitrate", ovvero la qualità e la dimensione di compressione del file audio. 128kb è la dimensione del file MP3 che ha un bitrate di 128 kilobit al secondo. Si tratta di un valore basso rispetto a 256 o 320, che è una qualità relativamente superiore di un formato audio MP3. Ciò rende la dimensione del file più efficiente da archiviare e condividere su Internet. L'effetto negativo di ciò sarebbe che bitrate più bassi si tradurrebbero in una qualità del file audio inferiore.
MP3 256kb è il bitrate del file MP3, che consente una quantità di dati elaborati al secondo riproducendo l'audio. Maggiore è il bitrate, maggiore è la dimensione del file. Ciò si traduce in una migliore qualità. Una dimensione del file di 256 kb significa che il file audio ha un bitrate di 256 kilobit al secondo. Questo è molto più grande rispetto, ad esempio, a un file da 64kb, che normalmente è la dimensione del file per una suoneria. Il ragionamento alla base della "qualità del suono" dipende da fattori come le impostazioni di codifica, i dispositivi di riproduzione e il materiale sorgente. La preferenza per la qualità audio dipende da come viene distribuito il file audio. Ad esempio, registrare un file audio in uno studio di registrazione (.wav) rispetto a un download digitale (128-320kb.)
Il caso 320kb si riferisce alla dimensione del file con un bitrate di 320 kilobit al secondo, che è il bitrate più alto tra le dimensioni dei file MP3 disponibili per il download. Un bitrate più elevato, come 320kb, si traduce in una migliore qualità poiché vengono utilizzati più dati per codificare le informazioni audio. A 320kb, il file audio può essere di qualità superiore a 128 o 256. Tuttavia, è importante notare che la qualità del file audio dipende da altri fattori, incluso il materiale sorgente, le impostazioni di codifica e, soprattutto, un dispositivo di riproduzione.
WAV o Waveform Audio File Format è un formato di file audio utilizzato per archiviare registrazioni audio digitali con la massima qualità di file audio. WAV è un file senza alcuna compressione. WAV viene registrato nella dimensione del file originale. IBM e Microsoft hanno sviluppato WAV all'inizio degli anni '90 come standard per l'archiviazione di file audio digitali sui computer. WAV ha la massima qualità assoluta; tuttavia, lo svantaggio è che si tratta di un file enorme. WAV non ha metadati. I metadati identificano informazioni come artista, titolo, anno, numero di traccia, ecc. WAV è lo standard industriale nella produzione musicale per via della qualità del suono. Gli ingegneri del suono e i produttori musicali affermano che fornisce anche una gamma dinamica più ampia e una profondità del suono non disponibile in altri formati. WAV ha fatto molto più che essere lo standard per l'archiviazione audio del computer; è diventato il formato di file audio di altissima qualità. Oggi, WAV è il formato di file audio standard nell'industria musicale e rappresenta l'apice della qualità in un file audio. WAV può essere utilizzato su qualsiasi dispositivo, come DVD, TV, iPad, computer, ecc. WAV era un problema con gli smartphone a causa delle dimensioni, ma ora che i telefoni possono contenere da 64 GB a 1 T di dati, non lo è più. più un problema.
Una suoneria e/o il taglio di una suoneria si riferiscono al processo di accorciamento o taglio di una sezione di un file audio per creare una suoneria secondo le tue preferenze. Acquistando o scaricando una suoneria, potrebbe trattarsi di una versione integrale della canzone o potrebbe essere solo la clip di 30 secondi meno personalizzabile. L'uso del taglio di una suoneria può consentire di selezionare una sezione del file audio. La sezione solitamente ritagliata per creare una suoneria sarebbe una melodia orecchiabile o un ritornello della tua canzone preferita. Oggi sono stati sviluppati molti smartphone e app per consentire all'utente di tagliare e personalizzare facilmente le suonerie regolando il punto di inizio e fine del file audio. Questo processo è stato eseguito utilizzando un'interfaccia visiva che consente all'utente di visualizzare la forma d'onda del file audio e ritagliarla secondo le proprie preferenze. Questo è uno strumento divertente. Puoi facilmente tenere sotto controllo tutte le notifiche in arrivo e divertirti con suonerie diverse. Questo strumento ti consente di personalizzare tutte le tue notifiche audio in modo da sapere cosa è appena arrivato tramite la suoneria. Personalizza ciascuna suoneria per notifiche diverse come posta in arrivo, SMS in arrivo, post di Facebook, Instagram, Twitter, avvisi meteo, ecc. Oltre alle suonerie standard, puoi anche tagliare una canzone o un file audio preferito in modo che riproduca solo un breve brano. L'uso del taglio di una suoneria può consentire di selezionare solo una sezione del file audio o una strofa anziché l'intera canzone. La sezione solitamente ritagliata per creare una suoneria sarebbe una melodia orecchiabile o un ritornello della tua canzone preferita. Magari la canzone del tuo matrimonio quando tuo marito ti chiama o ti manda un messaggio, o la canzone preferita di tua madre quando ti chiama o ti manda un messaggio. La maggior parte delle persone potrebbe non sapere che molti smartphone e app sono stati sviluppati per consentire all'utente di tagliare e personalizzare facilmente le suonerie regolando il punto di inizio e fine del file audio. Questo processo è stato eseguito utilizzando un'interfaccia visiva che consente all'utente di visualizzare la forma d'onda del file audio e ritagliarla secondo le proprie preferenze. La forma d'onda dell'audio ti consente di vedere esattamente dove iniziano i testi o la melodia preferiti, e quindi puoi scegliere esattamente dove vuoi che finiscano."
Credi che la musica crei sempre miracoli e pace nel cuore? E lo stile hip-hop è ancora un genere che piace alla gente in ogni epoca. E non si può negare che ogni stile musicale abbia ancora un profumo che è insito nella melodia della musica, legato alla cultura e alla diversità delle persone. Ed è per questo che l'hip-hop è ancora oggetto di discussione. È chiaro che ascoltare musica hip-hop ci fa sempre sentire che si parla attraverso il canto e si comunica attraverso la musica o ritmi musicali coerenti con la situazione o con le persone che la ascoltano. H L'hip-hop negli anni '70 era molto popolare. E naturalmente, in ogni periodo, ci sono sempre delle irregolarità. La musica hip-hop non venne registrata ufficialmente per la radio o la televisione fino al 1979, principalmente a causa della povertà all'epoca della sua nascita e della scarsa accettazione da parte della comunità nera. Questo genere cominciò a diffondersi attraverso feste chiuse in tutta la comunità nera. Questo è uno degli aspetti che ci fa riflettere sull'importanza di un gruppo di persone che presentano diversità. Indipendentemente dal genere musicale che ascoltiamo, possiamo sempre imparare dalle differenze per essere belli.
In che modo la musica pop ha avuto davvero influenza o origine? Ed è vero che è facile da ascoltare e da sentire a tutte le età? Perché la maggior parte delle persone crede che la musica abbia origine da una cultura e un'arte che sono sempre andate di pari passo. E come fa a essere ancora una canzone orecchiabile per gli amanti della musica? Chissà se lo stile della musica pop è veramente moderno o conservatore? In realtà, la musica pop si è evoluta insieme alla sua definizione. Come afferma lo scrittore musicale Bill Lamb, la musica pop è "tutte le forme di musica che, a partire dalla Rivoluzione industriale del 1800, più si avvicinano ai gusti e agli interessi della classe media urbana". Il termine "musica pop" è stato utilizzato per la prima volta nel 1926 per indicare la musica "popolare tra le masse". Hatch e Millward sostengono che diversi eventi nella storia delle registrazioni degli anni '20 sono considerati la culla della moderna industria della musica pop, tra cui country, blues e hillbilly. La musica pop è stata prodotta come uno sforzo, non come una forma d'arte, ed è stata "progettata per piacere a tutti", ma "non ha avuto origine in un unico luogo né ha espresso un gusto particolare". Frith aggiunge: "La musica pop non è guidata da grandi ambizioni, se non per il profitto e le ricompense commerciali, e musicalmente non è guidata da grandi ambizioni, se non per il guadagno e le ricompense commerciali". La musica pop è fondamentalmente conservatrice. Arriva dall'alto (dalle etichette discografiche, dalle radio e dai promotori di concerti) piuttosto che dal basso. Non si tratta di musica autoprodotta, bensì di musica prodotta e confezionata professionalmente, e viene spesso citata come la migliore musica pop. Come afferma Frith, le caratteristiche della musica pop includono il suo obiettivo di attrarre un pubblico generale piuttosto che una specifica sottocultura o ideologia, e la sua enfasi sull'artigianalità piuttosto che sulle qualità "artistiche" formali.
Quando immagini una canzone country, cosa ti viene in mente? Per me è una canzone piena di amore, calore familiare o in mezzo ai campi in campagna. Non possiamo immaginare che ogni volta che ascoltiamo una canzone country, ci farà sentire tesi o diventare seguaci di questo stile di musica. O un altro nome che conosci ancora oggi è chiamato musica country. Il country (chiamato anche country e western) è un genere musicale che ha avuto origine nella regione meridionale degli Stati Uniti, sia nel sud che nel sud-ovest. La musica country, che è stata prodotta per la prima volta negli anni '20, si è concentrata sul canto di canzoni che raccontavano storie sulla vita della classe operaia e dei lavoratori in America. Sembra molto interessante perché non pensavo che gli americani fossero un paese diversificato e avessero uno stile di musica sempre bello nelle sue differenze. Ed è quello che è successo. Sei un seguace di questo genere di musica? E cosa mi ha sorpreso. Nel 2009 negli Stati Uniti, la musica country era la musica più ascoltata durante l'ora di punta durante il tragitto serale e il secondo genere più popolare anche durante il tragitto mattutino. La musica country è nota per le sue ballate e canzoni da ballo ("canzoni honky-tonk") che hanno forme semplici e testi folk. E l'armonia è solitamente accompagnata da strumenti come banjo, violino, armonica e vari tipi di chitarra (tra cui chitarra acustica, elettrica, steel e resonator). Sebbene la musica country abbia le sue radici nella musica folk americana in forme come quella old-time e appalachiana, molte altre tradizioni, come quella messicana, irlandese e hawaiana, hanno influenzato la sua creazione. Anche la modalità blues del blues è stata ampiamente utilizzata nel corso della storia. Naturalmente, credo che quando arriverai a questo punto della tua lettura, potresti essere un po' annoiato dal modo in cui ogni genere spesso incorpora storia e tradizioni culturali. Ma credo che sia lì che è iniziata la stretta connessione tra valori conservatori e musica country contemporanea, in risposta al movimento contro la guerra degli anni '60. Fino ad allora, quasi tutta la musica country, che fino a quel momento era stata chiamata folk country, non aveva un chiaro orientamento politico e si concentrava invece sui problemi e le ansie quotidiane della classe operaia. L'album del 1969 di Merle Haggard, Okie from Muskogee, presentava la musica country con una prospettiva decisamente conservatrice e politica, che era popolare. Il presidente repubblicano Richard Nixon rafforzò ulteriormente questo legame musicale conservatore durante i suoi anni in carica. Ospitò spesso eventi per musicisti country, dichiarò l'ottobre 1970 come mese della musica country e fece appello agli ascoltatori che vedevano la musica country come motivata politicamente. Tuttavia, ormai, la musica country si era diffusa in molti paesi in Asia e in molti altri paesi che vedevano la musica country come una fonte costante di onore.
Quando molte persone ascoltano il genere musicale, la musica rock può effettivamente far pensare a molte persone che la musica rock possa avere storie o culture incastonate in essa, ed è incredibile che l'origine della musica rock sia nata negli Stati Uniti sotto il nome di "rock and roll" alla fine degli anni '40 e all'inizio degli anni '50 e si sia sviluppata in molte forme diverse dalla metà degli anni '60, principalmente negli Stati Uniti e nel Regno Unito. Il rock ha le sue radici nel rock and roll, una forma che attinge direttamente dai generi musicali neri come il blues, il rhythm and blues e il country. Il rock è anche fortemente influenzato da generi come il blues elettrico e il folk e incorpora influenze dal jazz e da altri stili musicali. Per gli strumenti, il rock di solito si concentra sulla chitarra elettrica, che spesso fa parte di un gruppo rock che ha un basso elettrico, batteria e uno o più cantanti. Il rock è di solito una canzone che enfatizza il canto, con un ritmo di 4 battute e utilizza uno schema di strofa e armonia. Ma il genere è molto vario. Come la musica pop, i testi tendono a concentrarsi sull'amore romantico, ma parlano anche di molti altri temi, spesso sociali o politici. Il rock è stato il genere musicale più popolare negli Stati Uniti e in tutto il mondo occidentale dagli anni '50 al 2010. A metà degli anni '60, i musicisti rock stavano iniziando a spingere l'album rispetto al singolo come forma dominante di espressione e consumo registrati, con i Beatles a guidare la carica. Il loro lavoro ha portato il genere all'accettazione mainstream e ha inaugurato l'era del rock influenzato dagli album, durata decenni, nell'industria musicale. Verso la fine degli anni '60, il rock classico aveva generato una serie di sottogeneri, tra cui ibridi come il blues rock, il folk rock, il country rock e il jazz rock, che hanno contribuito allo sviluppo del rock psichedelico, che è stato influenzato dai movimenti di controcultura psichedelica e hippie. Sono emersi generi più nuovi, tra cui il rock progressivo, che ha ampliato gli elementi artistici, l'heavy metal, che ha enfatizzato un suono duro, e il glam rock, che ha enfatizzato l'esecuzione e lo stile visivo.
Quando si parla di genere musicale, il rhythm and blues non è qualcosa con cui molte persone hanno familiarità. Tuttavia, la maggior parte delle persone tende ad abbreviarlo in R&B o R'n'B. Il genere di musica popolare ha avuto origine nella comunità nera negli anni '40. Le case discografiche hanno iniziato a descrivere registrazioni che erano commercializzate principalmente per i neri. Durante l'ascesa del "jazz-rock pesante e sostenuto" negli anni '50 e '70, le band erano solitamente composte da un pianoforte, una o due chitarre, un basso, batteria, uno o più sassofoni e talvolta un cantante di supporto. I testi R&B spesso riassumono la storia e le esperienze dei neri in America, tra cui il dolore, la ricerca di libertà e felicità, così come i trionfi e i fallimenti in termini di razzismo, oppressione, relazioni, economia e aspirazioni sociali. Vedete, abbiamo finalmente un genere musicale che riflette lo stile di vita di un gruppo in una società che è intenso e diversificato, che si fonde con tutti i tipi di musica e, naturalmente, facendo sì che "rhythm and blues" cambiasse il suo significato molte volte. Nei primi anni '50, il termine era spesso usato per i dischi blues. A metà degli anni '50, dopo che questa musica ha contribuito a sviluppare il rock and roll, il termine "R&B" è iniziato a essere usato in un contesto più ampio, riferendosi a uno stile di musica che si è evoluto e ha combinato blues elettrico, gospel e soul. Negli anni '70, "rhythm and blues" è cambiato di nuovo ed è stato usato come termine collettivo per soul e funk. Un nuovo stile di musica R&B si era sviluppato ed era diventato noto come "R&B contemporaneo". Questo stile contemporaneo combinava R&B con pop, disco, hip hop, soul, funk e musica elettronica. R&B si applicava agli album blues da allora. Lo scrittore e produttore Robert Palmer ha definito il rhythm and blues come "un termine collettivo per tutte le forme di musica realizzate da e per gli afroamericani". Ha anche utilizzato il termine "R&B" come sinonimo di jump blues. Tuttavia, AllMusic ha separato il termine da jump blues perché l'R&B aveva una maggiore influenza gospel.[16] Lawrence Cohn, l'autore di Nothing but the Blues, ha scritto che "rhythm and blues" era un termine generico inventato per la comodità dell'industria. Secondo lui, il termine copriva tutta la musica nera, eccetto la musica classica e religiosa, a meno che la musica gospel non vendesse abbastanza bene da entrare in classifica fino al 21° secolo inoltrato. Il termine R&B ha continuato a essere utilizzato (in alcuni contesti) per categorizzare la musica realizzata da musicisti neri, separata dagli stili realizzati da altri musicisti. Nella musica rhythm and blues commerciale, che ha caratterizzato gli anni '50 e '70, le band erano solitamente composte da un pianoforte, una o due chitarre, basso, batteria e sassofono. Gli arrangiamenti venivano provati al minimo indispensabile e a volte includevano coristi. Parti semplici e ripetitive venivano intrecciate, creando slancio e ritmo che creavano una consistenza morbida, melodica e spesso ipnotica, mentre attiravano l'attenzione sulle singole voci, anche se i cantanti erano emotivamente coinvolti dai testi, spesso intensamente. Ma rimanevano calmi, rilassati e in controllo. La band indossava completi e uniformi, una pratica associata alla musica popolare che i musicisti R&B aspiravano a dominare. I testi erano spesso minacciosi e la musica spesso seguiva schemi e strutture di accordi prevedibili. I testi R&B spesso incapsulavano le dolorose esperienze degli afroamericani. Una pubblicazione dello Smithsonian ha riassunto le origini del genere nel 2016: "La musica afroamericana, in particolare, attingendo ai rami profondi dell'espressione afroamericana, è una fusione di gospel, jump blues, big band swing, boogie e blues che si è sviluppata in un periodo di trent'anni che ha attraversato l'era della musica legale.
Gli strumenti elettronici sono ampiamente utilizzati in quasi tutte le forme di musica. Nella musica popolare, come la musica dance elettronica, quasi tutti i suoni registrati sono elettronici (ad esempio, sintetizzatori bassi, sintetizzatori, drum machine). Lo sviluppo di nuovi strumenti elettronici, controller e sintetizzatori rimane un'area di ricerca attiva e multidisciplinare. La Conferenza internazionale sulle nuove interfacce per l'espressione musicale si tiene per riferire su lavori all'avanguardia e mettere in mostra artisti che eseguono o creano musica con nuovi strumenti elettronici, controller e sintetizzatori. E ora per i contenuti più intensi su questo argomento musicale. Un importante nuovo sviluppo è stato l'avvento dei computer allo scopo di comporre musica. Invece di controllare o generare suoni, Iannis Xenakis è stato il pioniere di quella che ha chiamato Musique Stochastique, o musica casuale, un metodo di composizione musicale che utilizzava sistemi di probabilità matematici. Sono stati utilizzati diversi algoritmi probabilistici per generare opere all'interno di un insieme di parametri. Xenakis utilizzò la carta millimetrata per calcolare i percorsi di velocità dei glissando per il suo pezzo orchestrale Metastasis (1953-54), ma in seguito si rivolse ai computer per la composizione, come ST/4 per quartetto d'archi e ST/48 per orchestra (entrambi del 1962). L'impatto dei computer continuò nel 1956 quando Lejaren Hiller e Leonard Issacson composero la Illiac Suite per quartetto d'archi. Questa fu la prima opera completa di composizione assistita da computer che utilizzava la composizione algoritmica. Nel 1957, Max Matthews del Bell Lab scrisse la serie MUSIC-N, il primo programma per computer per generare onde sonore digitali tramite sintesi diretta. Poi Barry Vercoe scrisse MUSIC 11, basato sul programma di sintesi musicale di nuova generazione MUSIC IV-BF (in seguito sviluppato in csound, che è ancora ampiamente utilizzato). A metà degli anni '80, Miller Puckett dell'IRCAM sviluppò un software di elaborazione del segnale grafico per il 4X chiamato Max (da Max Matthews), e in seguito lo trasferì al Macintosh (con Dave Ciccarelli che lo estese per Opcode[39]) per controllare il MIDI in tempo reale, rendendo la composizione algoritmica accessibile alla maggior parte dei compositori con un livello intermedio di programmazione informatica.
House è musica dance elettronica che ha un ritmo ripetitivo di quattro battiti e un tempo generale di 115-130 battiti al minuto. Si ritiene che quando molte persone ascoltano questo genere, spesso pensano che possa essere stato inventato o creato facendo musica a casa o dalla cultura familiare o dalle persone in casa. Ma in realtà, questo genere è stato creato da DJ e produttori musicali della cultura underground dei club di Chicago e si è gradualmente sviluppato all'inizio o alla metà degli anni '80, quando i DJ hanno iniziato a modificare la musica disco per avere un ritmo più meccanico. All'inizio del 1988, House è diventato mainstream e ha sostituito i ritmi generali degli anni '80. Se scaviamo un po' più a fondo, infatti, nella sua forma più generale, il genere è caratterizzato da un ritmo ripetitivo 4/4, una grancassa, un charleston fuori tempo, un rullante, battiti di mani e/o schiaffi a un tempo tra 120 e 130 battiti al minuto (bpm), riff di sintetizzatore, una linea di basso profonda e spesso, ma non necessariamente, voci cantate, parlate o campionate. In house, la grancassa viene in genere suonata sui battiti 1, 2, 3 e 4, e un rullante, battiti di mani o uno strumento a percussione più acuto viene utilizzato sui battiti 2 e 4. I battiti di batteria nella musica house sono in genere drum machine elettroniche, in genere Roland TR-808, TR-909 o TR-707. Battiti di mani, scossoni, rullanti o suoni di charleston vengono utilizzati per aggiungere sincope. I riff ritmici distintivi, in particolare nella Chicago house dei primi tempi, sono costruiti seguendo uno schema clave, a volte con l'aggiunta di congas e bongo per un suono africano. O percussioni metalliche per un tocco latino.
Musica dance elettronica In effetti, da dove si è evoluta e ha avuto origine la musica dance elettronica? Dall'autore, quando sono nato, ho sentito il genere musicale. Mi ha fatto vedere come una cosa internazionale che viene dall'Europa e che le persone conoscono come genere musicale (EDM) o il nome che può essere chiamato musica dance o musica che gli amanti della vita notturna e sono appassionati di musica, melodia da club. Naturalmente, è una varietà di musica elettronica percussiva creata per locali notturni, rave e festival musicali. È generalmente prodotta per essere suonata da DJ che creano una selezione di brani senza soluzione di continuità chiamata. DJ mix passando da una registrazione all'altra. Il controller del programma, spesso l'eroe non celebrato del mondo EDM, è la mente dietro la produzione di questo genere. L'EDM non è solo confinata allo studio; prende vita sotto forma di esibizioni dal vivo a concerti o festival, un formato spesso definito PA dal vivo. Parlando del secolo dalla sua nascita, l'EDM si è espansa. L'EDM è diventata molto popolare in Europa alla fine degli anni '80 e all'inizio degli anni '90 dopo l'emergere di rave, musica da radio pirata, feste cloud, festival underground e un crescente interesse per la cultura dei club. Tuttavia, la cultura rav non è molto popolare negli Stati Uniti. È generalmente poco comune al di fuori delle scene regionali di New York City, Florida, Midwest e California. Sebbene l'electro, la Chicago house e la techno di Detroit abbiano influenzato sia l'Europa che gli Stati Uniti, i media mainstream e l'industria discografica statunitense hanno continuato a disapprovare apertamente il genere fino agli anni '90 e oltre. C'era anche una crescente consapevolezza del legame dell'EDM con la cultura della droga, che ha portato i governi statali e cittadini ad approvare leggi e politiche volte a fermare la diffusione della cultura rave. Oh, questo mi sembra eccitante e sorprendente. I generi musicali possono davvero riflettere la personalità delle persone che li ascoltano? Più avanti nel nuovo millennio, la popolarità dell'EDM è cresciuta in tutto il mondo, in particolare negli Stati Uniti e in Australia. Nei primi anni del 2010, l'industria musicale americana e i media musicali hanno spinto i termini "electronic dance music" e l'acronimo "EDM" per rinnovare la cultura rave americana. Nonostante i tentativi dell'industria di marchiare l'EDM come un genere singolare, l'acronimo continua a essere utilizzato come termine generico per diversi generi, tra cui dance-pop, house, techno, electro e trance, nonché sottogeneri correlati. Tutti precedenti all'acronimo. La nascita di ogni genere musicale non solo ha una storia e ha origine nell'era di Samui, ma riflette anche il valore dell'uso della musica per curare l'anima umana ed è diventata una storia che ho brevemente riassunto nell'articolo. Storia della musica elettronica e storia dei DJ Negli ultimi 40 anni si sono sviluppati diversi generi di EDM, tra cui house, techno, drum and bass, dance-pop e altro ancora. I cambiamenti stilistici all'interno dei generi EDM esistenti possono portare all'emergere di quelli che sono noti come sottogeneri. La fusione di elementi di due o più generi può portare alla nascita di un genere EDM completamente nuovo.
Quando si tratta dell'identità del genere musicale Dubstep, potrebbe non essere molto familiare ai fan di questo genere musicale. Con la sua unicità e le sue caratteristiche, è simile alla musica dance elettronica che ha avuto origine nel sud di Londra nei primi anni 2000. Questo stile è emerso dalla propaggine della musica garage nel Regno Unito, che combinava ritmi 2-step e produzione soft dub. Nel Regno Unito, le origini di questo genere risalgono alla crescita della scena delle feste dei sound system giamaicani nei primi anni '80. Il dubstep è caratterizzato dall'uso di ritmi sincopati, linee di basso prominenti e toni scuri. Nel 2001, questo suono underground e altri generi garage hanno iniziato a essere presentati e promossi al nightclub Plastic People di Londra, all'evento "Forward" (a volte FWD>>) e sulla stazione radio pirata Rinse FM, che in seguito ha avuto una grande influenza sullo sviluppo della musica dubstep. Ritmo dimezzato: il dubstep usa spesso ritmi che sembrano ritmi dimezzati (anche se in realtà sono veloci), come in questo esempio che spiega che la canzone ha un tempo di 71 bpm, che sembra la metà del tempo del tempo più veloce (142 bpm). Questa è una delle tecniche che aiuta a creare tensione e potenza nella canzone. Sub-Bass: il suono unico dei bassi bassi e spessi del dubstep ha una forte vibrazione e può essere percepito fisicamente. L'uso di questi bassi solidi conferisce alla canzone più profondità e potenza. Campioni ritagliati: il dubstep usa spesso suoni brevi, ritagliati o "ritagliati" per aggiungere interesse al ritmo e al suono, conferendogli una sensazione discontinua o irregolare. Penso che mentre leggi questo articolo, inizierai a realizzare che i generi sono spesso adattati e manipolati per creare un fascino estetico per gli appassionati di musica, ed è qualcosa di veramente unico che viene creato sotto forma di un genere che è riconoscibile e distintivo, e sì, a volte. Vocal Chops: il dubstep può avere voci tagliate e distorte, conferendo alla musica una profondità e un'atmosfera più profonde.
Cos'è la musica trap, da dove ha avuto origine e per cosa è stato creato questo genere? Il genere che ha cambiato l'industria musicaleLa musica trap è emersa nei primi anni 2000, originaria di Atlanta, Georgia, USA. Il termine "trap" deriva dallo slang per lo spaccio di droga negli Stati Uniti, che è uno dei temi principali riscontrabili nel tipo di questa musica. La musica trap è caratterizzata da batteria 808, charleston, rullanti e sintetizzatori o melodie. I ritmi delle canzoni sono strutturati in modo entusiasmante. Ciò ha portato a un'impennata di popolarità sia tra gli artisti hip-hop che tra i produttori di altri generi. L'origine e la crescita della musica trap. La musica trap è diventata nota per la prima volta intorno al 2003-2005. I primi artisti che hanno contribuito a creare e rendere popolare il genere sono stati T.I., Gucci Mane e Young Jeezy. In particolare, l'album del 2003 di T.I. Trap Muzik è stato determinante nel definire ufficialmente il termine "musica trap" come genere.
Se non hai familiarità con il genere della musica folk odierna, ti porterò ad esplorarlo in profondità con un riassunto che sia l'autore che i lettori troveranno insieme. Molte persone che ascoltano questo tipo di musica credono che. La musica folk sia un genere che riflette la cultura e lo stile di vita, con le sue radici nelle tradizioni e nella cultura di ogni località. Ad esempio, la canzone folk irlandese "The Parting Glass" o la canzone folk americana "This Land Is Your Land" trasmettono storie di persone, il loro stile di vita, le loro credenze e le loro esperienze che sono state tramandate di generazione in generazione. E se parliamo dello sviluppo della musica folk, la musica folk esiste in ogni paese ed è stata sviluppata in base ai tempi. Nel XX secolo, la musica folk è stata notevolmente ripresa, soprattutto negli Stati Uniti e in Europa. Gli artisti che hanno svolto un ruolo essenziale nel portare il folk nel mainstream sono stati Bob Dylan, Joan Baez e Woody Guthrie. La musica folk non è solo un genere, ma uno strumento per raccontare storie sulla società. È un mezzo utilizzato per riflettere i problemi e le emozioni delle persone in ogni epoca. Ad esempio, le canzoni popolari sono state utilizzate per affrontare problemi sociali come povertà, guerra e diritti civili. Che si tratti di canzoni popolari che riflettono problemi sociali, canzoni popolari tradizionali o musica che è stata combinata con musica moderna, la musica popolare svolge ancora un ruolo importante nell'industria musicale in tutto il mondo e si è diffusa in modo incredibile. Non riesco a credere che la musica popolare sia in realtà abbastanza unica e presenti storie di cultura che catturano gli ascoltatori. Ecco perché le caratteristiche della musica popolare sono canzoni che raccontano storie di persone come amore, lavoro, felicità e dolore ed eventi storici. Con melodie semplici, vengono spesso utilizzati strumenti acustici come chitarre, violini, banjo, mandolini e flauti. È stato tramandato oralmente prima di essere registrato come note o registrato nell'era moderna. Con caratteristiche uniche per ogni cultura, come la musica popolare irlandese, il bluegrass americano, la musica country thailandese o la musica flamenco spagnola. Se hai letto fin qui, hai già sperimentato e realizzato che la musica popolare ha sempre storie che contengono buona energia.
Non si può negare che viaggiare per il mondo renda una città memorabile e credo che se hai visitato un paese del sud degli Stati Uniti, avrai sicuramente familiarità con la musica latina. Anche se non la conosci, la gente del posto e i cittadini che hanno preservato la musica locale sapranno sicuramente farti scoprire i suoni della musica latina. Ed è per questo che la musica latina ha continuato ad essere popolare fino ad oggi e sta diventando sempre più popolare anche dopo il suo trasferimento in America. Credo che amerai anche questo genere di musica, perché ha un inserto in spagnolo o portoghese che lo rende ancora più orecchiabile. L'età d'oro della musica latina iniziò nel 1997 quando la NARAS fondò la Latin Recording Academy (LARAS) nel tentativo di espandere le sue attività sia in America Latina che in Spagna. Nel settembre 2000, LARAS ha lanciato i Latin Grammy Awards, una cerimonia di premiazione separata dai Grammy Awards. Gli organizzatori hanno affermato che l'universo della musica latina era troppo vasto per rientrare nei Grammy. Michael Greene, ex presidente della NARAS, una volta affermò che la varietà degli stili musicali latini complicò la creazione dei Latin Grammy Awards. Considerando che l'unica cosa che hanno in comune è la lingua, i Latin Grammy Awards vengono assegnati ai dischi suonati in spagnolo o portoghese, mentre l'organizzazione si concentra sulla musica proveniente dall'America Latina, dalla Spagna e dal Portogallo. Dalla fine degli anni '90, gli Stati Uniti hanno assistito a una crescita crescente della popolazione di "latini", un termine reso popolare negli anni '60 dalla confusione del termine "spagnolo" con il termine più appropriato ma meno popolare "ispanico". Le persone negli Stati Uniti hanno iniziato a riferirsi a tutta la musica con voci spagnole come "musica latina". Lo spagnolo cantato in qualsiasi genere è stato classificato come "latino". Questo ha fatto sì che gli artisti in Spagna venissero chiamati "latini".
