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Es gibt ein neues Format für die Audiocodierung namens .flac. Dies steht für „Free Lossless Audio Codec“. Die Xiph.org Foundation wurde 1994 gegründet und entwickelt. Die Xiph.org Foundation ist eine gemeinnützige Organisation, die Open-Source-Softwaretools sowie Multimediaformate produziert. Flac ist eine Form der Audiokodierung für verlustfreie Komprimierungsdateien. Als es entwickelt wurde, war es als kostenloses Softwareprogramm verfügbar. Flac ist in der Lage, eine Datei im Vergleich zu WAV oder anderen verlustfreien Formaten um 50 bis 70 % zu komprimieren und zu verkleinern, und kann den Ton verlustfrei wiedergeben. Dies ist ein hervorragendes Tool, wenn Sie nur über begrenzten Speicherplatz verfügen oder WAV nicht verwenden möchten, weil die Dateien so groß sind. Flac bietet Komprimierung ohne Qualitätseinbußen. Eine Reduzierung der Größe um 50 bis 70 % könnte zusätzlichen Platz für andere Anwendungen schaffen, die er mit WAV nicht nutzen konnte. Verlustfrei bedeutet kein Verlust der Audio-Klangqualität und ist in der Musikindustrie Standard. Flac bietet für viele Anwendungen einen großen Vorteil.
MP3, auch bekannt als MPEG Layer 3, ist ein digitales Audiodateiformat, das Audiodateien speichert und weitergibt. Kbps, bekannt als Kilobit pro Sekunde, bezieht sich auf die „Bitrate“, also die Qualität und Komprimierungsgröße der Audiodatei. 128 KB ist die MP3-Dateigröße mit einer Bitrate von 128 Kilobit pro Sekunde. Das ist niedrig im Vergleich zu 256 oder 320, was einer relativ höheren Qualität eines MP3-Audioformats entspricht. Dadurch lässt sich die Dateigröße effizienter speichern und über das Internet teilen. Der negative Effekt davon wäre, dass niedrigere Bitraten zu einer geringeren Qualität der Audiodateien führen würden.
MP3 256kb ist die Bitrate der MP3-Datei, die eine Datenmenge ermöglicht, die pro Sekunde beim Abspielen des Audios verarbeitet werden kann. Je höher die Bitrate, desto größer die Dateigröße. Dies führt zu einer besseren Qualität. Eine Dateigröße von 256 KB bedeutet, dass die Audiodatei eine Bitrate von 256 Kilobit pro Sekunde hat. Dies ist viel größer als beispielsweise eine 64-KB-Datei, was üblicherweise der Dateigröße eines Klingeltons entspricht. Die Begründung für „Klangqualität“ hängt von Faktoren wie Kodierungseinstellungen, Wiedergabegeräten und Quellmaterial ab. Die Präferenz für die Audioqualität hängt davon ab, wie die Audiodatei verteilt wird. Zum Beispiel die Aufnahme einer Audiodatei in einem Aufnahmestudio (.wav) im Vergleich zu einem digitalen Download (128-320 KB).
Der Fall 320 KB bezieht sich auf die Dateigröße mit einer Bitrate von 320 Kilobit pro Sekunde, was die höchste Bitrate unter den zum Download verfügbaren MP3-Dateigrößen darstellt. Eine höhere Bitrate wie 320 KB führt zu einer besseren Qualität, da mehr Daten zum Kodieren von Audioinformationen verwendet werden. Bei 320 KB kann die Qualität der Audiodatei höher sein als 128 oder 256. Dennoch ist es wichtig zu beachten, dass die Qualität der Audiodatei von anderen Faktoren abhängt, einschließlich des Quellmaterials, der Kodierungseinstellungen und vor allem eines Wiedergabegeräts.
WAV oder Waveform Audio File Format ist ein Audiodateiformat, das zum Speichern digitaler Audioaufnahmen in höchster Audiodateiqualität verwendet wird. WAV ist eine Datei ohne jegliche Komprimierung. WAV wird in der Originaldateigröße aufgezeichnet. IBM und Microsoft entwickelten WAV Anfang der 1990er Jahre als Standard zum Speichern digitaler Audiodateien auf Computern. WAV hat die absolut höchste Qualität; Der Nachteil ist jedoch, dass es sich auch um eine riesige Datei handelt. WAV hat keine Metadaten. Metadaten identifizieren Informationen wie Künstler, Titel, Jahr, Titelnummer usw. WAV ist aufgrund der Klangqualität der Industriestandard in der Musikproduktion. Toningenieure und Musikproduzenten sagen, dass es auch einen größeren Dynamikbereich und eine größere Klangtiefe bietet, die in anderen Formaten nicht verfügbar ist. WAV war mehr als nur der Standard für die Speicherung von Computer-Audio; Es hat sich als Audiodateiformat mit der höchsten Qualität durchgesetzt. Heute ist WAV das Standard-Audiodateiformat in der Musikindustrie und stellt den Gipfel der Qualität einer Audiodatei dar. WAV kann auf jedem Gerät wie DVD, Fernseher, iPad, Computer usw. verwendet werden. Früher war WAV aufgrund der Größe bei Smartphones ein Problem, aber jetzt, da Telefone 64 GB bis 1T an Daten speichern können, ist es kein Problem mehr länger ein Problem.
Unter einem Klingelton und/oder Zuschneiden eines Klingeltons versteht man den Vorgang des Kürzens oder Ausschneidens eines Abschnitts einer Audiodatei, um einen Klingelton nach Ihren Wünschen zu erstellen. Wenn Sie einen Klingelton kaufen oder herunterladen, handelt es sich möglicherweise um eine Vollversion des Liedes oder nur um den 30-Sekunden-Clip, der am wenigsten anpassbar ist. Durch das Zuschneiden eines Klingeltons können Sie einen Abschnitt der Audiodatei auswählen. Der Abschnitt, der normalerweise auf einen Klingelton getrimmt wird, ist eine eingängige Melodie oder ein Refrain Ihres Lieblingsliedes. Heutzutage wurden viele Smartphones und Apps entwickelt, die es dem Benutzer ermöglichen, Klingeltöne einfach zuzuschneiden und anzupassen, indem er den Start- und Endpunkt der Audiodatei anpasst. Dieser Vorgang wurde mithilfe einer visuellen Schnittstelle durchgeführt, die es dem Benutzer ermöglicht, die Wellenform der Audiodatei anzuzeigen und sie nach seinen Wünschen zuzuschneiden. Dies ist ein unterhaltsames Werkzeug. Sie können ganz einfach den Überblick über alle Ihre eingehenden Benachrichtigungen behalten und mit verschiedenen Klingeltönen Spaß haben. Mit diesem Tool können Sie alle Ihre Audiobenachrichtigungen anpassen, sodass Sie anhand des Klingeltons wissen, was gerade eingegangen ist. Passen Sie jeden Klingelton für verschiedene Benachrichtigungen wie eingehende E-Mails, eingehende Textnachrichten, Facebook-Beiträge, Instagram, Twitter, Wetterwarnungen usw. an. Zusätzlich zu den Standardklingeltönen können Sie auch einen Lieblingssong oder eine Audiodatei zuschneiden, sodass nur ein kurzes Stück abgespielt wird. Durch das Zuschneiden eines Klingeltons können Sie statt des gesamten Liedes nur einen Abschnitt der Audiodatei oder einen Vers auswählen. Der Abschnitt, der normalerweise auf einen Klingelton getrimmt wird, ist eine eingängige Melodie oder ein Refrain Ihres Lieblingsliedes. Vielleicht Ihr Hochzeitslied, wenn Ihr Mann Sie anruft oder Ihnen eine SMS schreibt, oder das Lieblingslied Ihrer Mutter, wenn sie Sie anruft oder Ihnen eine SMS schreibt. Die meisten Menschen wissen vielleicht nicht, dass viele Smartphones und Apps so entwickelt wurden, dass der Benutzer Klingeltöne einfach zuschneiden und anpassen kann, indem er den Start- und Endpunkt der Audiodatei anpasst. Dieser Vorgang wurde mithilfe einer visuellen Schnittstelle durchgeführt, die es dem Benutzer ermöglicht, die Wellenform der Audiodatei anzuzeigen und sie nach seinen Wünschen zuzuschneiden. Anhand der Wellenform des Audios können Sie genau sehen, wo der bevorzugte Text oder die Melodie beginnt, und dann können Sie genau auswählen, wo sie enden soll.
Glauben Sie, dass Musik immer Wunder bewirkt und Frieden im Herzen schenkt? Und der Hip-Hop-Stil ist auch heute noch ein Genre, das den Leuten in jeder Ära gefällt. Und es lässt sich nicht leugnen, dass jeder Musikstil immer noch einen gewissen Charakter hat, der in der Melodie der Musik von der Kultur und der Vielfalt der Menschen geprägt ist. Und das sorgt dafür, dass Hip-Hop auch heute noch immer in aller Munde ist. Es ist klar, dass wir beim Hören von Hip-Hop-Musik immer das Gefühl haben, dass wir durch Gesang sprechen und durch Musik oder Musikrhythmen kommunizieren, die zur Situation oder den Menschen passen, die sie hören. H Hip-Hop war in den 1970er Jahren sehr beliebt. Und natürlich kommt es in jedem Zeitraum zu Unregelmäßigkeiten. Hip-Hop-Musik wurde erst ab 1979 offiziell für Radio und Fernsehen aufgenommen, was vor allem an der Armut zur Zeit ihrer Entstehung und der mangelnden Akzeptanz seitens der schwarzen Community lag. Dieses Genre begann sich durch geschlossene Partys in der gesamten schwarzen Community zu verbreiten. Dies ist eine Sache, die uns die Bedeutung einer Gruppe von Menschen mit Vielfalt bewusst macht. Egal, welchen Musikstil Sie hören, wir können immer aus den Unterschieden lernen, schön zu sein.
Welchen Einfluss hatte oder entstand Popmusik wirklich? Und stimmt es, dass sie für alle Altersgruppen leicht zu hören ist? Weil die meisten Menschen glauben, dass Musik aus Kultur und Kunst entstand, die immer zusammenkamen. Und wie kann es sein, dass es für Musikliebhaber immer noch ein eingängiges Lied ist? Wer weiß, ob der Stil der Popmusik wirklich modern oder konservativ ist? Tatsächlich hat sich Popmusik zusammen mit ihrer Definition weiterentwickelt. Wie der Musikautor Bill Lamb es ausdrückt, ist Popmusik „alle Formen von Musik seit der industriellen Revolution des 19. Jahrhunderts, die dem Geschmack und den Interessen der städtischen Mittelschicht am nächsten kommen“. Der Begriff „Popmusik“ wurde erstmals 1926 verwendet, um Musik zu bezeichnen, die „bei den Massen beliebt“ ist. Hatch und Millward argumentieren, dass mehrere Ereignisse in der Aufnahmegeschichte der 1920er Jahre als Geburtsort der modernen Popmusikindustrie gelten, darunter Country, Blues und Hillbilly. Popmusik wurde als Anstrengung produziert, nicht als Kunstform“, und war „so konzipiert, dass sie jeden anspricht“, aber „stammte nicht von einem Ort oder drückte einen bestimmten Geschmack aus“. Frith fügt hinzu: „Popmusik wird nicht von großen Ambitionen getrieben, außer von Profit und kommerzieller Belohnung, und musikalisch wird sie nicht von großen Ambitionen getrieben, außer von kommerziellem Gewinn und Belohnung.“ Popmusik ist grundsätzlich konservativ. Sie kommt von oben (von Plattenlabels, Radio und Konzertveranstaltern) und nicht von unten. Es ist keine selbstgemachte Musik, sondern professionell produzierte und verpackte Musik und wird oft als die beste Popmusik bezeichnet. Wie Frith es ausdrückt, umfassen die Merkmale der Popmusik ihr Ziel, ein allgemeines Publikum anzusprechen und nicht eine bestimmte Subkultur oder Ideologie, und ihre Betonung auf Handwerkskunst statt formaler „künstlerischer“ Qualitäten.
Was kommt Ihnen in den Sinn, wenn Sie sich einen Country-Song vorstellen? Für mich ist es ein Lied voller Liebe, Wärme von der Familie oder mitten auf den Feldern auf dem Land. Wir können uns nicht vorstellen, dass wir jedes Mal, wenn wir einen Country-Song hören, angespannt sind oder ein Anhänger dieses Musikstils werden. Oder ein anderer Name, den Sie bis heute kennen, ist Country-Musik. Country (auch Country und Western genannt) ist ein Musikgenre, das in der südlichen Region der Vereinigten Staaten, sowohl im Süden als auch im Südwesten, entstand. Country-Musik, die erstmals in den 1920er Jahren produziert wurde, konzentrierte sich auf das Singen von Liedern, die Geschichten über das Leben der Arbeiterklasse und der Arbeiter in Amerika erzählten. Das klingt sehr interessant, denn ich dachte nicht, dass die Amerikaner ein Land sind, das vielfältig ist und einen Musikstil hat, der in seiner Andersartigkeit immer schön ist. Und genau das ist passiert. Sind Sie ein Anhänger dieses Musikgenres? Und was hat mich überrascht. Im Jahr 2009 wurde Country-Musik in den USA während der Hauptverkehrszeit im abendlichen Berufsverkehr am häufigsten gehört und war auch im morgendlichen Berufsverkehr das zweitbeliebteste Genre. Country-Musik ist bekannt für ihre Balladen und Tanzlieder („Honky-Tonk-Songs“), die einfache Formen und volkstümliche Texte haben. Und die Harmonie wird normalerweise von Instrumenten wie Banjo, Geige, Mundharmonika und verschiedenen Gitarrentypen (einschließlich akustischer, elektrischer, Steel- und Resonatorgitarren) begleitet. Obwohl Country-Musik ihre Wurzeln in der amerikanischen Volksmusik in Formen wie Old-Time und Appalachian hat, haben auch viele andere Traditionen, wie die mexikanische, irische und hawaiianische, ihre Entstehung beeinflusst. Der Blues-Stil des Blues wurde im Laufe der Geschichte ebenfalls häufig verwendet. Natürlich glaube ich, dass Sie, wenn Sie an diesen Punkt Ihrer Lektüre gelangen, vielleicht ein wenig desillusioniert sind davon, wie jedes Genre oft Geschichte und kulturelle Traditionen einbezieht. Aber ich glaube, dass dort die enge Verbindung zwischen konservativen Werten und zeitgenössischer Country-Musik begann, als Reaktion auf die Antikriegsbewegung der 1960er Jahre. Bis dahin hatte fast die gesamte Country-Musik, die bis dahin als Folk Country bezeichnet wurde, keine klare politische Ausrichtung und konzentrierte sich stattdessen auf die alltäglichen Probleme und Ängste der Arbeiterklasse. Merle Haggards Album Okie from Muskogee aus dem Jahr 1969 präsentierte Country-Musik mit einer entschieden konservativen und politischen Perspektive, die populär war. Der republikanische Präsident Richard Nixon stärkte diese konservative musikalische Verbindung während seiner Amtszeit weiter. Er veranstaltete häufig Veranstaltungen für Country-Musiker, erklärte den Oktober 1970 zum Country-Musik-Monat und sprach Zuhörer an, die Country-Musik als politisch motiviert betrachteten. Inzwischen hatte sich Country-Musik jedoch in viele Länder Asiens und viele andere Länder verbreitet, die Country-Musik als ständige Quelle der Ehre betrachteten.
Wenn viele Leute das Musikgenre Rockmusik hören, denken sie vielleicht, dass in Rockmusik Geschichten oder Kulturen eingebettet sein könnten. Es ist unglaublich, dass der Ursprung der Rockmusik in den späten 1940er und frühen 1950er Jahren in den Vereinigten Staaten unter dem Namen „Rock and Roll“ liegt und sich seit Mitte der 1960er Jahre in viele verschiedene Formen entwickelt hat, hauptsächlich in den Vereinigten Staaten und im Vereinigten Königreich. Rock hat seine Wurzeln im Rock and Roll, einer Form, die direkt aus schwarzen Musikgenres wie Blues, Rhythm and Blues und Country stammt. Rock ist auch stark von Genres wie Electric Blues und Folk beeinflusst und enthält Einflüsse aus Jazz und anderen Musikstilen. Was die Instrumente betrifft, konzentriert sich Rock normalerweise auf die E-Gitarre, die oft Teil einer Rockgruppe ist, die über eine E-Bassgitarre, Schlagzeug und einen oder mehrere Sänger verfügt. Rock ist normalerweise ein Lied, das den Gesang betont, mit einem 4-Beat-Rhythmus und einem Vers- und Harmoniemuster. Aber das Genre ist sehr vielfältig. Wie in der Popmusik konzentrieren sich die Texte meist auf romantische Liebe, behandeln aber auch viele andere Themen, oft soziale oder politische. Rock war von den 1950er- bis in die 2010er-Jahre das beliebteste Musikgenre in den Vereinigten Staaten und in der gesamten westlichen Welt. Mitte der 1960er-Jahre begannen Rockmusiker, das Album gegenüber der Single als vorherrschende Form des aufgezeichneten Ausdrucks und Konsums durchzusetzen, wobei die Beatles die Führung übernahmen. Ihre Arbeit brachte das Genre in die breite Masse und leitete die jahrzehntelange, von Alben beeinflusste Ära des Rock in der Musikindustrie ein. In den späten 1960er-Jahren hatte Classic Rock eine Reihe von Subgenres hervorgebracht, darunter Hybride wie Bluesrock, Folkrock, Countryrock und Jazzrock, die zur Entwicklung des Psychedelic Rock beitrugen, der von psychedelischen und Hippie-Gegenkulturbewegungen beeinflusst wurde. Neuere Genres entstanden, darunter Progressive Rock, der künstlerische Elemente erweiterte, Heavy Metal, der einen harten Sound betonte, und Glam Rock, der Performance und visuellen Stil betonte.
Was das Musikgenre angeht, ist Rhythm and Blues nicht vielen Leuten geläufig. Die meisten Leute neigen jedoch dazu, es als R&B oder R'n'B abzukürzen. Das populäre Musikgenre entstand in den 1940er Jahren in der schwarzen Community. Plattenfirmen begannen, Aufnahmen zu beschreiben, die hauptsächlich an Schwarze vermarktet wurden. Während des Aufstiegs des „harten, anhaltenden Jazz-Rock“ in den 1950er und 1970er Jahren bestanden Bands normalerweise aus einem Klavier, einer oder zwei Gitarren, einem Bass, Schlagzeug, einem oder mehreren Saxophonen und manchmal einem Backgroundsänger. R&B-Texte fassen oft die Geschichte und Erfahrungen der Schwarzen in Amerika zusammen, darunter Schmerz, das Streben nach Freiheit und Glück sowie Triumphe und Misserfolge in Bezug auf Rassismus, Unterdrückung, Beziehungen, Wirtschaft und soziale Bestrebungen. Sie sehen, wir haben endlich ein Musikgenre, das den Lebensstil einer Gruppe in einer Gesellschaft widerspiegelt, die intensiv und vielfältig ist, sich mit allen Arten von Musik vermischt und natürlich hat „Rhythm and Blues“ seine Bedeutung oft geändert. In den frühen 1950er Jahren wurde der Begriff oft für Bluesplatten verwendet. Mitte der 1950er Jahre, nachdem diese Musik zur Entwicklung des Rock and Roll beigetragen hatte, wurde der Begriff „R&B“ in einem breiteren Kontext verwendet und bezog sich auf einen Musikstil, der sich aus Electric Blues, Gospel und Soul entwickelte und diese kombinierte. In den 1970er Jahren änderte sich „Rhythm and Blues“ erneut und wurde als Sammelbegriff für Soul und Funk verwendet. Ein neuer Stil der R&B-Musik hatte sich entwickelt und wurde als „zeitgenössischer R&B“ bekannt. Dieser zeitgenössische Stil kombinierte R&B mit Pop, Disco, Hip Hop, Soul, Funk und elektronischer Musik. R&B wurde damals auf Bluesalben angewendet. Der Autor und Produzent Robert Palmer definierte Rhythm and Blues als „Sammelbegriff für alle Formen von Musik, die von und für schwarze Amerikaner gemacht wird“. Er verwendete auch den Begriff „R&B“ als Synonym für Jump Blues. AllMusic unterschied den Begriff jedoch vom Jump Blues, da R&B einen größeren Gospel-Einfluss hatte.[16] Lawrence Cohn, der Autor von Nothing but the Blues, schrieb, dass „Rhythm and Blues“ ein Sammelbegriff sei, der aus praktischen Gründen für die Branche erfunden wurde. Ihm zufolge umfasste der Begriff alle schwarze Musik, außer klassischer und religiöser Musik, es sei denn, Gospelmusik verkaufte sich gut genug, um bis weit ins 21. Jahrhundert hinein in die Charts zu kommen. Der Begriff R&B wurde (in einigen Kontexten) weiterhin verwendet, um Musik schwarzer Musiker zu kategorisieren und von den Stilen anderer Musiker zu unterscheiden. In der kommerziellen Rhythm and Blues-Musik, die die 1950er und 1970er Jahre kennzeichnete, bestanden Bands normalerweise aus einem Klavier, einer oder zwei Gitarren, Bass, Schlagzeug und Saxophon. Die Arrangements wurden auf ein absolutes Minimum geprobt und beinhalteten manchmal Backgroundsänger. Einfache, sich wiederholende Teile wurden verwoben, wodurch Dynamik und rhythmisches Spiel erzeugt wurden, das eine weiche, melodische und oft hypnotische Textur erzeugte und gleichzeitig die Aufmerksamkeit auf die einzelnen Stimmen lenkte, obwohl die Sänger emotional und oft intensiv in die Texte involviert waren. Aber sie blieben cool, entspannt und hatten alles unter Kontrolle. Die Band trug Anzüge und Uniformen, eine Praxis, die mit der Popmusik in Verbindung gebracht wurde, die R&B-Musiker dominieren wollten. Die Texte waren oft bedrohlich und die Musik folgte oft vorhersehbaren Akkordmustern und Strukturen. R&B-Texte fassten oft die schmerzlichen Erfahrungen von Afroamerikanern zusammen. Eine Veröffentlichung des Smithsonian fasste die Ursprünge des Genres im Jahr 2016 wie folgt zusammen: „Afroamerikanische Musik, die insbesondere auf die tiefen Verzweigungen afroamerikanischer Ausdrucksformen zurückgreift, ist eine Fusion aus Gospel, Jump Blues, Big Band Swing, Boogie und Blues, die sich über einen Zeitraum von dreißig Jahren entwickelte, der die Ära der Legal Music umfasst.
Elektronische Instrumente werden in fast allen Musikformen häufig verwendet. In der Popmusik, wie etwa der elektronischen Tanzmusik, sind fast alle aufgenommenen Klänge elektronisch (z. B. Basssynthesizer, Synthesizer, Drumcomputer). Die Entwicklung neuer elektronischer Instrumente, Controller und Synthesizer bleibt ein aktives und multidisziplinäres Forschungsgebiet. Die Internationale Konferenz über neue Schnittstellen für den musikalischen Ausdruck wird abgehalten, um über Spitzenarbeiten zu berichten und Künstler vorzustellen, die mit neuen elektronischen Instrumenten, Controllern und Synthesizern Musik spielen oder kreieren. Und jetzt zu den intensiveren Inhalten zu diesem musikalischen Thema. Eine wichtige Neuentwicklung war die Einführung von Computern zum Komponieren von Musik. Anstatt Klänge zu steuern oder zu erzeugen, entwickelte Iannis Xenakis etwas, das er Musique Stochastique oder Zufallsmusik nannte, eine Methode zum Komponieren von Musik, die mathematische Wahrscheinlichkeitssysteme verwendete. Verschiedene Wahrscheinlichkeitsalgorithmen wurden verwendet, um Werke innerhalb eines Satzes von Parametern zu erzeugen. Xenakis verwendete Millimeterpapier, um die Geschwindigkeitspfade von Glissandi für sein Orchesterstück Metastasis (1953–54) zu berechnen, griff jedoch später für Kompositionen auf Computer zurück, beispielsweise ST/4 für Streichquartett und ST/48 für Orchester (beide 1962). Der Einfluss von Computern setzte sich 1956 fort, als Lejaren Hiller und Leonard Issacson die Illiac Suite für Streichquartett komponierten. Dies war das erste vollständige Werk computergestützter Komposition unter Verwendung algorithmischer Komposition. 1957 schrieb Max Matthews von Bell Lab die MUSIC-N-Reihe, das erste Computerprogramm zur Erzeugung digitaler Schallwellen durch direkte Synthese. Dann schrieb Barry Vercoe MUSIC 11, basierend auf dem Musiksyntheseprogramm der nächsten Generation MUSIC IV-BF (später weiterentwickelt zu csound, das noch immer weit verbreitet ist). Mitte der 1980er Jahre entwickelte Miller Puckett vom IRCAM eine grafische Signalverarbeitungssoftware für den 4X namens Max (nach Max Matthews benannt) und portierte sie später auf den Macintosh (wobei Dave Ciccarelli sie für Opcode erweiterte[39]), um MIDI in Echtzeit zu steuern. Dadurch wurde die algorithmische Komposition für die meisten Komponisten mit mittleren Programmierkenntnissen zugänglich.
House ist elektronische Tanzmusik mit einem repetitiven Vier-Beat-Rhythmus und einem allgemeinen Tempo von 115–130 Schlägen pro Minute. Es wird angenommen, dass viele Leute, wenn sie dieses Genre hören, oft denken, es sei erfunden oder entstanden, als sie zu Hause oder in der Familienkultur Musik machten oder von Leuten im Haus. Tatsächlich wurde dieses Genre jedoch von DJs und Musikproduzenten aus der Underground-Clubkultur Chicagos geschaffen und entwickelte sich allmählich in den frühen bis mittleren 1980er Jahren, als DJs begannen, Discomusik zu verändern, um einen mechanischeren Rhythmus zu erhalten. Anfang 1988 wurde House zum Mainstream und ersetzte die allgemeinen Rhythmen der 80er Jahre. Wenn wir etwas genauer graben, ist das Genre in seiner allgemeinsten Form tatsächlich durch einen repetitiven 4/4-Takt, eine Bassdrum, eine Off-Beat-Hi-Hat, eine Snaredrum, Claps und/oder Slaps in einem Tempo zwischen 120 und 130 Schlägen pro Minute (bpm), Synthesizer-Riffs, eine tiefe Basslinie und oft, aber nicht notwendigerweise, gesungenen, gesprochenen oder gesampelten Gesang gekennzeichnet. Beim House wird die Bassdrum typischerweise auf den Schlägen 1, 2, 3 und 4 gespielt und eine Snaredrum, Claps oder ein höher gestimmtes Schlaginstrument auf den Schlägen 2 und 4. Die Drum-Beats in der House-Musik sind typischerweise elektronische Drum Machines, normalerweise die Roland TR-808, TR-909 oder TR-707. Claps, Shakes, Snaredrums oder Hi-Hat-Klänge werden verwendet, um Synkopen hinzuzufügen. Die typischen rhythmischen Riffs, insbesondere im frühen Chicago House, basieren auf einem Clave-Muster, manchmal mit Congas und Bongos für einen afrikanischen Sound oder metallischen Perkussionsinstrumenten für ein lateinamerikanisches Feeling.
Elektronische Tanzmusik Woher stammt eigentlich das Genre der elektronischen Tanzmusik? Wie der Autor sagt, habe ich das Musikgenre bei meiner Geburt gehört. Ich sah es als eine internationale Sache, die aus Europa kommt und die die Leute als Musikgenre (EDM) oder Tanzmusik oder Musik kennen, die Nachtschwärmer und leidenschaftliche Clubmusiker lieben. Natürlich ist es eine Art elektronischer Perkussionsmusik, die für Nachtclubs, Raves und Musikfestivals geschaffen wird. Sie wird im Allgemeinen für die Wiedergabe durch DJs produziert, die eine nahtlose Auswahl von Songs erstellen, die als DJ-Mix bezeichnet wird, indem sie von einer Aufnahme zur nächsten wechseln. Der Programmcontroller, oft der unbesungene Held der EDM-Welt, ist der Mastermind hinter der Produktion dieses Genres. EDM ist nicht nur auf das Studio beschränkt; es wird in Form von Live-Auftritten bei Konzerten oder Festivals lebendig, ein Format, das oft als Live-PA bezeichnet wird. Apropos Jahrhundert seit seiner Entstehung hat sich EDM erweitert. EDM erfreute sich in Europa in den späten 1980er und frühen 1990er Jahren großer Beliebtheit, nachdem Raves, Piratenmusik, Cloud-Partys, Underground-Festivals und ein zunehmendes Interesse an der Clubkultur aufkamen. In den USA ist die Rave-Kultur jedoch nicht sehr beliebt. Außerhalb der regionalen Szenen in New York City, Florida, dem Mittleren Westen und Kalifornien ist sie im Allgemeinen ungewöhnlich. Obwohl Electro, Chicago House und Detroit Techno sowohl in Europa als auch in den USA Einfluss hatten, lehnten die Mainstream-Medien und die US-Plattenindustrie das Genre bis in die 1990er und darüber hinaus offen ab. Es gab auch ein wachsendes Bewusstsein für die Verbindung von EDM zur Drogenkultur, was dazu führte, dass Landesregierungen und Stadtregierungen Gesetze und Richtlinien erließen, die die Verbreitung der Rave-Kultur aufhalten sollten. Oh, das klingt für mich aufregend und überraschend. Können Musikgenres wirklich die Persönlichkeit der Menschen widerspiegeln, die sie hören? Später im neuen Jahrtausend wuchs die Popularität von EDM weltweit, insbesondere in den USA und Australien. Anfang der 2010er Jahre haben die amerikanische Musikindustrie und die Musikmedien die Begriffe „elektronische Tanzmusik“ und das Akronym „EDM“ vorangetrieben, um die amerikanische Rave-Kultur neu zu positionieren. Trotz der Versuche der Branche, EDM als eigenständiges Genre zu brandmarken, wird das Akronym weiterhin als Oberbegriff für mehrere Genres verwendet, darunter Dance-Pop, House, Techno, Electro und Trance sowie verwandte Subgenres. Alle diese Genres sind älter als das Akronym. Die Geburt jedes Musikgenres hat nicht nur eine Geschichte und hat ihren Ursprung in der Samui-Ära, sondern spiegelt auch den Wert der Verwendung von Musik zur Heilung der menschlichen Seele wider und ist zu einer Geschichte geworden, die ich in diesem Artikel kurz zusammengefasst habe. Geschichte der elektronischen Musik und die Geschichte der DJs In den letzten 40 Jahren haben sich verschiedene Genres der EDM entwickelt, darunter House, Techno, Drum and Bass, Dance-Pop und mehr. Stilistische Änderungen innerhalb bestehender EDM-Genres können zur Entstehung sogenannter Subgenres führen. Die Verschmelzung von Elementen aus zwei oder mehr Genres kann zur Entstehung eines völlig neuen EDM-Genres führen.
Was die Identität des Dubstep-Musikgenres angeht, ist es Fans dieser Musikrichtung vielleicht nicht sehr vertraut. Mit seiner Einzigartigkeit und seinen Merkmalen ähnelt es der elektronischen Tanzmusik, die Anfang der 2000er Jahre in Südlondon entstand. Dieser Stil entstand aus dem Ableger der Garage-Musik in Großbritannien, die 2-Step-Beats und sanfte Dub-Produktion kombinierte. In Großbritannien lagen die Ursprünge dieses Genres im Wachstum der jamaikanischen Soundsystem-Partyszene in den frühen 1980er Jahren. Dubstep zeichnet sich durch die Verwendung synkopierter Rhythmusmuster, ausgeprägter Basslinien und dunkler Töne aus. Im Jahr 2001 wurden dieser Underground-Sound und andere Garage-Genres im Nachtclub Plastic People in London, bei der Veranstaltung „Forward“ (manchmal FWD>>) und beim Piratensender Rinse FM präsentiert und beworben, der später einen großen Einfluss auf die Entwicklung der Dubstep-Musik hatte. Halbzeitrhythmus: Dubstep verwendet häufig Rhythmen, die sich wie Halbzeitrhythmen anfühlen (obwohl sie eigentlich schnell sind), wie in diesem Beispiel, das erklärt, dass das Lied ein Tempo von 71 bpm hat, was sich wie die Hälfte der Zeit des schnelleren Tempos (142 bpm) anfühlt. Dies ist eine der Techniken, die dabei helfen, Spannung und Kraft in dem Lied zu erzeugen. Sub-Bass: Der einzigartige tiefe und dicke Bassklang von Dubstep hat eine starke Vibration und ist körperlich spürbar. Die Verwendung dieses soliden Basses verleiht dem Lied mehr Tiefe und Kraft. Abgeschnittene Samples: Dubstep verwendet häufig kurze, abgeschnittene oder „geclippte“ Klänge, um den Beat und den Klang interessanter zu machen und ihm ein abgehacktes oder ungleichmäßiges Gefühl zu verleihen. Ich denke, wenn Sie diesen Artikel lesen, werden Sie anfangen zu erkennen, dass Genres häufig angepasst und manipuliert werden, um einen ästhetischen Reiz für den Musikliebhaber zu schaffen, und es ist etwas wirklich Einzigartiges, das in Form eines Genres geschaffen wird, das erkennbar und unverwechselbar ist, und ja, manchmal. Vocal Chops: Beim Dubstep kann der Gesang geschnitten und verzerrt sein, was der Musik mehr Tiefe und Atmosphäre verleiht.
Was ist Trap-Musik, woher stammt sie und wofür wurde dieses Genre geschaffen? Das Genre, das die Musikindustrie veränderte Trap-Musik entstand in den frühen 2000er Jahren in Atlanta, Georgia, USA. Der Begriff „Trap“ stammt aus dem Slang für Drogenhandel in den USA, was eines der Hauptthemen dieser Musik ist. Trap-Musik ist durch 808-Drums, Hi-Hat, Snare-Rolls und Synthesizer oder Melodien gekennzeichnet. Die Rhythmen der Songs sind auf spannende Weise strukturiert. Dies hat zu einem Popularitätsschub sowohl bei Hip-Hop-Künstlern als auch bei Produzenten anderer Genres geführt. Der Ursprung und das Wachstum von Trap-Musik. Trap wurde erstmals zwischen 2003 und 2005 bekannt. Die ersten Künstler, die zur Schaffung und Popularisierung des Genres beitrugen, waren T.I., Gucci Mane und Young Jeezy. Insbesondere T.I.s Album Trap Muzik aus dem Jahr 2003 trug maßgeblich dazu bei, den Begriff „Trap-Musik“ als Genre offiziell zu definieren.
Wenn Sie mit dem Genre der heutigen Volksmusik nicht vertraut sind, werde ich Sie mit einer Zusammenfassung, die sowohl der Autor als auch die Leser gemeinsam finden werden, dazu bringen, es eingehend zu erkunden. Viele Menschen, die diese Art von Musik hören, glauben das. Volksmusik ist ein Genre, das Kultur und Lebensweise widerspiegelt und seine Wurzeln in den Traditionen und der Kultur jedes Ortes hat. Beispielsweise vermitteln das irische Volkslied „The Parting Glass“ oder das amerikanische Volkslied „This Land Is Your Land“ Geschichten von Menschen, ihrer Lebensweise, ihren Überzeugungen und Erfahrungen, die von Generation zu Generation weitergegeben wurden. Und wenn wir über die Entwicklung der Volksmusik sprechen, gibt es Volksmusik in jedem Land und sie wurde entsprechend der Zeit weiterentwickelt. Im 20. Jahrhundert erlebte die Volksmusik vor allem in den Vereinigten Staaten und in Europa eine große Wiederbelebung. Künstler, die eine wesentliche Rolle dabei spielten, Folk in den Mainstream zu bringen, waren Bob Dylan, Joan Baez und Woody Guthrie. Volksmusik ist nicht nur ein Genre, sondern ein Werkzeug, um Geschichten über die Gesellschaft zu erzählen. Sie ist ein Medium, das verwendet wird, um die Probleme und Emotionen der Menschen in jeder Epoche widerzuspiegeln. So wurden Volkslieder beispielsweise verwendet, um soziale Probleme wie Armut, Krieg und Bürgerrechte anzusprechen. Ob es sich nun um Volkslieder handelt, die soziale Probleme widerspiegeln, um traditionelle Volkslieder oder um Musik, die mit moderner Musik kombiniert wurde, Volksmusik spielt in der weltweiten Musikindustrie immer noch eine wichtige Rolle und hat sich unglaublich verbreitet.Ich kann nicht glauben, dass Volksmusik tatsächlich ziemlich einzigartig ist und Geschichten der Kultur präsentiert, die die Zuhörer fesseln. Deshalb sind die Merkmale der Volksmusik Lieder, die Geschichten von Menschen wie Liebe, Arbeit, Glück und Leid und historischen Ereignissen erzählen.Bei einfachen Melodien werden häufig akustische Instrumente wie Gitarren, Geigen, Banjos, Mandolinen und Flöten verwendet.Sie wurde mündlich weitergegeben, bevor sie in der Neuzeit als Noten aufgezeichnet oder aufgenommen wurde.Mit einzigartigen Merkmalen für jede Kultur, wie irische Volksmusik, amerikanischer Bluegrass, thailändische Country-Musik oder spanische Flamenco-Musik.Wenn Sie bis hierher gelesen haben, haben Sie bereits erlebt und erkannt, dass Volksmusik immer Geschichten enthält, die gute Energie enthalten.
Es lässt sich nicht leugnen, dass eine Reise um die Welt den Eindruck einer Stadt erweckt, und ich bin überzeugt, dass Sie mit lateinamerikanischer Musik ganz bestimmt vertraut sind, wenn Sie schon einmal in einem Land im Süden der USA waren. Auch wenn Sie sie nicht kennen, können Ihnen die Einheimischen und Bürger, die die lokale Musik bewahren, bestimmt den Klang der lateinamerikanischen Musik näherbringen. Und deshalb erfreut sich lateinamerikanischer Musik bis heute ungebrochener Beliebtheit und erfreut sich sogar nach der Übersiedlung der Musiker nach Amerika immer größerer Beliebtheit. Ich glaube, Sie werden diese Art von Musik auch lieben, da sie einen Einschub in spanischer oder portugiesischer Sprache enthält, der sie wieder eingängig macht. Das goldene Zeitalter der lateinamerikanischen Musik begann, als NARAS 1997 die Latin Recording Academy (LARAS) gründete, um seine Aktivitäten in Lateinamerika und Spanien auszuweiten. Im September 2000 führte LARAS die Latin Grammy Awards ins Leben, eine von den Grammy Awards getrennte Preisverleihung. Die Organisatoren erklärten, dass die Welt der lateinamerikanischen Musik zu groß sei, um in die Grammys zu passen. Michael Greene, ehemaliger Leiter von NARAS, sagte einmal, dass die Vielfalt der lateinamerikanischen Musikstile die Schaffung der Latin Grammy Awards erschwert habe. Da die einzige Gemeinsamkeit die Sprache ist, werden die Latin Grammy Awards an Platten verliehen, die auf Spanisch oder Portugiesisch gespielt werden, während die Organisation ihren Schwerpunkt auf Musik aus Lateinamerika, Spanien und Portugal legt. Seit Ende der 1990er Jahre ist in den Vereinigten Staaten ein zunehmender Anstieg der Zahl der „Latinos“ zu verzeichnen. Dieser Begriff entstand in den 1960er Jahren durch die Verwechslung des Begriffs „Spanisch“ mit dem passenderen, aber weniger gebräuchlichen Begriff „Hispanic“. In den Vereinigten Staaten begann man, jegliche Musik mit spanischem Gesang als „lateinamerikanische Musik“ zu bezeichnen. Spanisch gesungene Musik aller Genres wurde als „lateinamerikanisch“ kategorisiert. Dies führte dazu, dass Künstler in Spanien als „lateinamerikanisch“ bezeichnet wurden.
