ארצות הברית
אין תוצאות
יש פורמט חדש של קידוד אודיו שנקרא .flac. זה מייצג "קודק אודיו ללא אובדן חינם". Xiph.org Foundation נוסדה ופותחה בשנת 1994. Xiph.org Foundation היא ארגון ללא מטרות רווח המייצר כלי תוכנה בקוד פתוח וכן פורמטים של מולטימדיה. Flac הוא סוג של קידוד אודיו עבור קבצי דחיסה ללא אובדן. כאשר זה פותח, זה היה זמין כתוכנה חינמית. ל-Flac יש את היכולת לדחוס ולהקטין את גודל הקובץ בין 50% ל-70% בהשוואה ל-WAV או פורמטים אחרים ללא אובדן, והוא יכול לשחזר את האודיו ללא הפסדים שלו. זהו כלי מצוין אם אתה מוגבל בשטח או לא רוצה להשתמש ב-WAV כי הקבצים כל כך גדולים. Flac מספק דחיסה מבלי לוותר על האיכות. הקטנה בגודל של 50% עד 70% יכולה לספק מקום נוסף ליישומים אחרים שהוא לא יכול היה באמצעות WAV. Lossless פירושו ללא אובדן איכות צליל השמע והוא סטנדרטי בתעשיית המוזיקה. Flac מספקת יתרון גדול עבור יישומים רבים.
MP3, הידוע גם בשם MPEG שכבה 3, הוא פורמט קבצי אודיו דיגיטלי המאחסן ומשתף קבצי אודיו. Kbps, הידוע כקילוביט לשנייה, מתייחס ל-"bitrate", שהוא האיכות וגודל הדחיסה של קובץ השמע. 128kb הוא גודל קובץ ה-MP3 שיש לו קצב סיביות של 128 קילו-ביט לשנייה. זה נמוך בהשוואה ל-256 או 320, שזו איכות גבוהה יחסית של פורמט שמע MP3. זה הופך את גודל הקובץ ליעיל יותר לאחסון ושיתוף דרך האינטרנט. ההשפעה השלילית של זה תהיה שקצבי סיביות נמוכים יותר מביאים לאיכות קבצי אודיו נמוכה יותר.
MP3 256kb הוא קצב הסיביות של קובץ ה-MP3, המאפשר כמות נתונים המעובדים בשנייה על ידי השמעת השמע. ככל שקצב הסיביות גבוה יותר, כך גודל הקובץ גדול יותר. זה מביא לאיכות טובה יותר. גודל קובץ של 256 קילובייט הוא שלקובץ השמע יש קצב סיביות של 256 קילו-ביט לשנייה. זה הרבה יותר גדול בהשוואה, למשל, לקובץ של 64kb, שהוא בדרך כלל גודל הקובץ עבור רינגטון. ההיגיון מאחורי "איכות הסאונד" תלוי בגורמים כמו הגדרות קידוד, התקני השמעה וחומר מקור. ההעדפה לאיכות שמע תלויה באופן ההפצה של קובץ השמע. לדוגמה, הקלטת קובץ שמע באולפן הקלטות (.wav) בהשוואה להורדה דיגיטלית (128-320kb.)
המקרה של 320kb מתייחס לגודל הקובץ של קצב סיביות של 320 קילובייט לשנייה, שהוא קצב הסיביות הגבוה ביותר מבין גדלי קבצי MP3 הזמינים להורדה. קצב סיביות גבוה יותר, כמו 320kb, מביא לאיכות טובה יותר מכיוון שמשתמשים ביותר נתונים לקידוד מידע אודיו. ב-320kb, קובץ השמע יכול להיות באיכות גבוהה יותר מ-128 או 256. ובכל זאת, חשוב לציין שאיכות קובץ השמע תלויה בגורמים נוספים, כולל חומר המקור, הגדרות הקידוד, והכי חשוב, מכשיר השמעה.
WAV או Waveform Audio File Format הוא פורמט קובץ אודיו המשמש לאחסון הקלטות אודיו דיגיטליות באיכות קבצי אודיו הגבוהה ביותר. WAV הוא קובץ ללא כל דחיסה. WAV מוקלט בגודל הקובץ המקורי. יבמ ומיקרוסופט פיתחו WAV בתחילת שנות ה-90 כסטנדרט לאחסון קבצי אודיו דיגיטליים במחשבים. ל-WAV יש את האיכות הגבוהה ביותר; עם זאת, החיסרון הוא שזה גם קובץ ענק. ל-WAV אין מטא נתונים. מטא נתונים מזהים מידע כגון אמן, שם, שנה, מספר רצועה וכו'. WAV הוא הסטנדרט בתעשייה בהפקה מוזיקלית בגלל איכות הסאונד. מהנדסי סאונד ומפיקי מוזיקה אומרים שזה גם מספק טווח דינמי ועומק גדולים יותר לצליל שאינו זמין בפורמטים אחרים. WAV עשה יותר מאשר היה הסטנדרט לאחסון אודיו במחשב; הוא השתלט כפורמט קובץ האודיו האיכותי ביותר. כיום, WAV הוא פורמט קבצי האודיו הסטנדרטי בתעשיית המוזיקה ומהווה את פסגת האיכות בקובץ אודיו. ניתן להשתמש ב-WAV בכל מכשיר, כמו DVD, טלוויזיה, אייפד, מחשב וכו'. פעם WAV הייתה בעיה עם סמארטפונים בגלל הגודל, אבל עכשיו, כשהטלפונים יכולים להכיל 64 GB עד 1T של נתונים, זה לא עוד בעיה.
רינגטון או חיתוך רינגטון מתייחסים לתהליך של קיצור או חיתוך של קטע מקובץ שמע כדי ליצור רינגטון לפי העדפתך. על ידי רכישה או הורדה של רינגטון, זה עשוי להיות גרסה באורך מלא של השיר, או שזה יכול להיות רק הקליפ של 30 שניות שהכי פחות ניתן להתאמה אישית. השימוש בחיתוך רינגטון יכול לאפשר לך לבחור קטע מקובץ השמע. הקטע שנחתך בדרך כלל כדי ליצור רינגטון יהיה מנגינה או פזמון קליט של שיר ההעדפה שלך. כיום פותחו סמארטפונים ואפליקציות רבות כדי לאפשר למשתמש לחתוך ולהתאים רינגטונים בקלות על ידי התאמת נקודת ההתחלה והסיום של קובץ השמע. תהליך זה נעשה על ידי שימוש בממשק ויזואלי המאפשר למשתמש לצפות בצורת הגל של קובץ השמע ולחתוך אותו לפי העדפתו. זהו כלי מהנה. אתה יכול בקלות להתעדכן בכל ההתראות הנכנסות שלך וליהנות עם רינגטונים שונים. כלי זה מאפשר לך להתאים אישית את כל התראות האודיו שלך כדי שתדע מה נכנס זה עתה לפי הצלצול. התאם אישית כל רינגטון להתראות שונות כגון דואר נכנס, טקסט נכנס, פוסטים בפייסבוק, אינסטגרם, טוויטר, התראות מזג אוויר וכו'. בנוסף לרינגטונים סטנדרטיים, אתה יכול גם לחתוך שיר או קובץ שמע מועדפים כך שהוא פשוט ינגן קטע קצר. השימוש בחיתוך רינגטון יכול לאפשר לך לבחור רק קטע מקובץ השמע או פסוק במקום השיר כולו. הקטע שנחתך בדרך כלל כדי ליצור רינגטון יהיה מנגינה או פזמון קליט של שיר ההעדפה שלך. אולי שיר החתונה שלך כשבעלך מתקשר או שולח לך הודעות, או השיר האהוב על אמא שלך כשהיא מתקשרת או שולחת לך טקסט. רוב האנשים אולי לא יודעים שסמארטפונים ואפליקציות רבות פותחו כדי לאפשר למשתמש לחתוך ולהתאים בקלות רינגטונים על ידי התאמת נקודת ההתחלה והסיום של קובץ השמע. תהליך זה נעשה על ידי שימוש בממשק ויזואלי המאפשר למשתמש לצפות בצורת הגל של קובץ השמע ולחתוך אותו לפי העדפתו. צורת הגל של האודיו מאפשרת לך לראות היכן מתחילות המילים או המנגינה המועדפות, ואז תוכל לבחור בדיוק היכן אתה רוצה שזה יסתיים.
האם אתה מאמין שמוזיקה תמיד יוצרת ניסים ושלווה בלב? וסגנון ההיפ הופ זה עדיין ז'אנר שאנשים עדיין אוהבים בכל תקופה. ואי אפשר להכחיש שלכל סגנון מוזיקה עדיין יש ניחוח שמוטבע בתרבות וגיוון האנשים במנגינת המוזיקה. וזה גורם לכך שתמיד מדברים על ההיפ הופ. ברור שהאזנה למוזיקת היפ הופ גורמת לנו להרגיש תמיד שהם מדברים דרך שירה ומתקשרים דרך מוזיקה או מקצבים מוזיקליים שעולים בקנה אחד עם המצב או האנשים שמאזינים לו. H היפ הופ בשנות ה-70 היה מאוד פופולרי. וכמובן שבכל תקופה תמיד יש אי סדרים. מוזיקת היפ הופ לא הוקלטה רשמית לרדיו או לטלוויזיה עד 1979, בעיקר בגלל העוני בזמן לידתה וחוסר הקבלה מהקהילה השחורה. הז'אנר הזה החל להתפשט באמצעות מסיבות סגורות ברחבי הקהילה השחורה. זה דבר אחד שגורם לנו לשקף את החשיבות של קבוצת אנשים שיש להם גיוון. לא משנה לאיזה סגנון מוזיקה אתה מקשיב, אנחנו תמיד יכולים ללמוד מההבדלים להיות יפים.
איך באמת השפיעה או נוצרה מוזיקת פופ? והאם זה נכון שהוא פשוט לשמוע ולהאזין לכל הגילאים? כי רוב האנשים מאמינים שמקור המוזיקה מתרבות ואמנות שתמיד התאחדו. ואיך זה עדיין שיר קליט לאוהבי מוזיקה?, מי יודע אם הסגנון של מוזיקת הפופ הוא באמת מודרני או שמרני? למעשה, מוזיקת פופ התפתחה יחד עם ההגדרה שלה. כפי שמגדיר זאת כותב המוזיקה ביל לאמב, מוזיקת פופ היא "כל צורות המוזיקה מאז המהפכה התעשייתית של שנות ה-1800, הדומות ביותר לטעמים ולתחומי העניין של מעמד הביניים העירוני". המונח "מוזיקת פופ" שימש לראשונה בשנת 1926 במשמעות של מוזיקה שהיא "פופולרית בקרב ההמונים. האץ' ומילוורד טוענים שכמה אירועים בתולדות ההקלטות של שנות ה-20 נחשבים למקום הולדתה של תעשיית מוזיקת הפופ המודרנית, כולל קאנטרי, בלוז והילבילי. מוזיקת פופ הופקה כמאמץ, לא כצורת אמנות", והיא "נועדה לפנות לכולם", אך "לא הגיעה ממקום אחד או ביטאה טעם מסוים". פרית' מוסיף, "מוזיקת פופ אינה מונעת על ידי שאיפות גדולות, למעט רווחים ותגמולים מסחריים, ומבחינה מוזיקלית, היא לא מונעת על ידי שאיפות גדולות, למעט רווח מסחרי ותגמולים". מוזיקת פופ היא שמרנית ביסודה. זה מגיע מלמעלה (על ידי חברות תקליטים, מקדמי רדיו וקונצרטים) ולא מלמטה. זו לא מוזיקה מתוצרת עצמית, אלא מוזיקה המופקת וארוזה באופן מקצועי, ולעתים קרובות היא מצוטטת כמיטב מוזיקת הפופ. כדברי פרית', המאפיינים של מוזיקת פופ כוללים את מטרתה לפנות לקהל הרחב ולא לתת-תרבות או אידיאולוגיה ספציפית, והדגש שלה על אומנות ולא תכונות "אמנותיות" צורניות.
כשאתה מדמיין שיר קאנטרי, מה עולה לך בראש? בשבילי זה שיר מלא אהבה, חום מהמשפחה או באמצע השדות בכפר. אנחנו לא יכולים לדמיין שכל פעם שאנחנו שומעים שיר קאנטרי, זה יגרום לנו להרגיש מתוחים או להיות חסידים של סגנון המוזיקה הזה. או שם אחר שאתם מכירים עד היום נקרא מוזיקת קאנטרי. קאנטרי (נקרא גם קאנטרי ומערבון) הוא ז'אנר מוזיקה שמקורו באזור הדרומי של ארצות הברית, הן בדרום והן בדרום מערב. מוזיקת קאנטרי, שהופקה לראשונה בשנות ה-20, התמקדה בשירת שירים שסיפרו סיפורים על חייהם של מעמד הפועלים והפועלים באמריקה. זה נשמע מאוד מעניין כי לא חשבתי שהאמריקאים הם מדינה מגוונת ויש לה סגנון מוזיקה שתמיד יפה בהבדלים שלו. וזה מה שקרה. האם אתה חסיד של ז'אנר המוזיקה הזה? ומה הפתיע אותי. בשנת 2009 בארצות הברית, מוזיקת הקאנטרי הייתה המושמעת ביותר למוזיקה בשעות העומס במהלך הנסיעה בערב והייתה הז'אנר השני הפופולרי ביותר גם במהלך הנסיעה בבוקר. מוזיקת קאנטרי ידועה בזכות הבלדות ושירי הריקוד שלה ("שירי הונקי-טונק") בעלי צורות פשוטות ומילים עממיות. וההרמוניה מלווה בדרך כלל בכלים כמו בנג'ו, כינור, מפוחית וסוגים שונים של גיטרות (כולל גיטרות אקוסטיות, חשמליות, פלדה ותהודה). למרות שלמוסיקת קאנטרי יש שורשים במוזיקת פולק אמריקאית בצורות כמו עתיקות יומין ואפלצ'ים, מסורות רבות אחרות, כמו מקסיקנית, אירית והוואית, השפיעו גם על יצירתה. גם מצב הבלוז מהבלוז היה בשימוש נרחב לאורך ההיסטוריה. כמובן, אני מאמין שעד שתגיע לנקודה זו בקריאה שלך, אתה עלול להיות קצת מיושן לגבי האופן שבו כל ז'אנר משלב לעתים קרובות היסטוריה ומסורות תרבותיות. אבל אני מאמין ששם התחיל הקשר ההדוק בין ערכים שמרניים ומוזיקת קאנטרי עכשווית, בתגובה לתנועה האנטי-מלחמתית של שנות ה-60. עד אז, כמעט לכל מוזיקת הקאנטרי, שעד לאותה נקודה כונתה קאנטרי עממי, לא הייתה אוריינטציה פוליטית ברורה והתמקדה במקום זאת בבעיות היומיומיות והחרדות של מעמד הפועלים. אלבומה של Merle Haggard משנת 1969, Okie from Muskogee, הציג מוזיקת קאנטרי עם פרספקטיבה שמרנית ופוליטית בהחלט, שהייתה פופולרית. הנשיא הרפובליקני ריצ'רד ניקסון חיזק עוד יותר את הקשר המוזיקלי השמרני הזה במהלך שנות כהונתו. הוא אירח לעתים קרובות אירועים למוזיקאי קאנטרי, הכריז על אוקטובר 1970 כחודש מוזיקת קאנטרי, ופנה למאזינים שראו במוזיקת קאנטרי ממניעים פוליטיים. עם זאת, עד עכשיו, מוזיקת הקאנטרי התפשטה למדינות רבות באסיה ולמדינות רבות אחרות שראו במוזיקת קאנטרי מקור קבוע של כבוד.
כשאנשים רבים שומעים את ז'אנר המוזיקה, מוזיקת רוק עשויה למעשה לגרום לאנשים רבים לחשוב שלמוזיקת רוק עשויים להיות משובצים בתוכה סיפורים או תרבויות, וזה לא ייאמן שמקורה של מוזיקת הרוק מקורו בארה"ב בשם "רוקנרול" בסוף שנות ה-40 ותחילת שנות ה-50, והתפתח לצורות רבות ושונות מאז אמצע שנות ה-1960, ובעיקר בארצות הברית. לרוק שורשים ברוקנרול, צורה השואבת ישירות מז'אנרים של מוזיקה שחורה כמו בלוז, רית'ם אנד בלוז וקאנטרי. הרוק מושפע מאוד מז'אנרים כמו בלוז חשמלי ופולק, ומשלב השפעות מג'אז וסגנונות מוזיקליים אחרים. עבור כלי נגינה, רוק מתמקד בדרך כלל בגיטרה החשמלית, שהיא לרוב חלק מקבוצת רוק שיש לה גיטרה בס חשמלית, תופים וזמר אחד או יותר. רוק הוא בדרך כלל שיר המדגיש שירה, עם קצב של 4 פעימות ומשתמש בתבנית פסוק והרמוניה. אבל הז'אנר מגוון מאוד. כמו מוזיקת פופ, המילים נוטות להתמקד באהבה רומנטית, אך גם מדברות על נושאים רבים אחרים, לרוב חברתיים או פוליטיים. רוק היה ז'אנר המוזיקה הפופולרי ביותר בארצות הברית ובכל העולם המערבי משנות ה-50 ועד שנות ה-2010. באמצע שנות ה-60, מוזיקאי רוק החלו לדחוף את האלבום מעל הסינגל כצורת ההבעה והצריכה הדומיננטית, כשהביטלס מובילים. עבודתם הביאה את הז'אנר לקבלה מהמיינסטרים והובילה את עידן הרוק בתעשיית המוזיקה, שנמשך עשרות שנים, בהשפעת האלבום. בסוף שנות ה-60, הרוק הקלאסי הוליד מספר תת-ז'אנרים, כולל כלאיים כמו בלוז רוק, פולק רוק, קאנטרי רוק וג'אז רוק, מה שסייע לפיתוח הרוק הפסיכדלי, שהושפע מתנועות תרבות נגד פסיכדלית והיפית. ז'אנרים חדשים יותר צצו, ביניהם רוק פרוגרסיבי, שהרחיב אלמנטים אמנותיים, מטאל הכבד, שהדגיש סאונד קשיח וגלאם רוק, שהדגיש ביצועים וסגנון ויזואלי.
כשזה מגיע לז'אנר המוזיקלי, רית'ם אנד בלוז זה לא משהו שהרבה אנשים מכירים. עם זאת, רוב האנשים נוטים לקצר את זה ל-R&B או R'n'B. ז'אנר המוזיקה הפופולרית מקורו בקהילה השחורה בשנות הארבעים. חברות תקליטים החלו לתאר הקלטות ששווקו בעיקר לשחורים. במהלך עלייתו של "ג'אז-רוק כבד ומתמשך" בשנות ה-50 וה-70, הלהקות כללו בדרך כלל פסנתר, גיטרה אחת או שתיים, בס, תופים, סקסופון אחד או יותר, ולפעמים זמר גיבוי. מילות השיר R&B לרוב מסכמות את ההיסטוריה והחוויות של שחורים באמריקה, כולל כאב, החיפוש אחר חופש ואושר, כמו גם ניצחונות וכישלונות במונחים של גזענות, דיכוי, מערכות יחסים, כלכלה ושאיפות חברתיות. תבין, סוף סוף יש לנו ז'אנר מוזיקה שמשקף את אורח החיים של קבוצה בחברה אינטנסיבית ומגוונת, משתלבת עם כל סוגי המוזיקה וכמובן ש"רית'ם אנד בלוז" שינה את המשמעות שלו פעמים רבות. בתחילת שנות ה-50, המונח שימש לעתים קרובות עבור תקליטי בלוז. באמצע שנות ה-50, לאחר שמוזיקה זו סייעה בפיתוח הרוקנרול, המונח "R&B" נעשה שימוש בהקשר רחב יותר, והתייחס לסגנון מוזיקה שהתפתח ושילב בלוז חשמלי, גוספל וסול. בשנות ה-70, "רית'ם אנד בלוז" השתנה שוב ושימש כינוי קיבוצי לסול ופאנק. סגנון חדש של מוזיקת R&B התפתח ונודע בשם "R&B עכשווי". סגנון עכשווי זה שילב R&B עם פופ, דיסקו, היפ הופ, סול, פאנק ומוזיקה אלקטרונית. R&B הוחל על אלבומי בלוז עד אז. הכותב והמפיק רוברט פאלמר הגדיר רית'ם אנד בלוז כ"מונח קולקטיבי לכל צורות המוזיקה שנעשו על ידי ועבור אמריקאים שחורים". הוא גם השתמש במונח "R&B" כמילה נרדפת לקפוץ בלוז. עם זאת, AllMusic הפריד בין המונח לקפוץ בלוז מכיוון של-R&B הייתה השפעה גדולה יותר של גוספל.[16] לורנס קון, המחבר של Nothing but the Blues, כתב ש"רית'ם אנד בלוז" הוא מונח גורף שהומצא לנוחות התעשייה. לדבריו, המונח כיסה את כל המוזיקה השחורה, למעט מוזיקה קלאסית ודתית, אלא אם כן מוזיקת הגוספל נמכרה מספיק טוב כדי להמציא עד למאה ה-21. המונח R&B המשיך לשמש (בהקשרים מסוימים) כדי לסווג מוזיקה שנעשתה על ידי מוזיקאים שחורים, בנפרד מהסגנונות שנעשו על ידי מוזיקאים אחרים. במוזיקת רית'ם אנד בלוז מסחרית, שאפיינה את שנות ה-50 וה-70, הלהקות כללו בדרך כלל פסנתר, גיטרה אחת או שתיים, בס, תופים וסקסופון. העיבודים עברו חזרות למינימום, ולעתים כללו זמרי גיבוי. חלקים פשוטים שחוזרים על עצמם נשזרו זה בזה, ויצרו מומנטום ונגינה קצבית שיצרו מרקם רך, מלודי, ולעתים קרובות היפנוטי תוך הפניית תשומת לב לקולות הבודדים, למרות שהזמרים היו עסוקים רגשית במילים, לעתים קרובות באופן אינטנסיבי. אבל הם נשארו קרירים, רגועים ובשליטה. הלהקה לבשה חליפות ומדים, מנהג ששייך היה מוזיקה פופולרית שנגני R&B שאפו לשלוט בה. המילים היו לעתים קרובות מבשרות רעות, והמוזיקה עקבה לרוב אחר תבניות ומבנים של אקורדים צפויים. מילות השיר R&B עטפו לעתים קרובות את החוויות הכואבות של האפרו-אמריקאים. פרסום של סמיתסוניאן סיכם את מקורות הז'אנר ב-2016: "מוזיקה אפרו-אמריקאית, במיוחד, הנשענת על הענפים העמוקים של הביטוי האפרו-אמריקאי, היא מיזוג של גוספל, ג'אמפ בלוז, סווינג ביג בנד, בוגי ובלוז שהתפתחה במשך שלושים שנה שנפרשה על פני עידן המוזיקה המשפטית.
כלים אלקטרוניים נמצאים בשימוש נרחב כמעט בכל צורות המוזיקה. במוזיקה פופולרית, כמו מוזיקת דאנס אלקטרונית, כמעט כל הצלילים המוקלטים הם אלקטרוניים (למשל סינתיסי בס, סינתיסייזרים, מכונות תופים). הפיתוח של מכשירים אלקטרוניים, בקרים וסינתיסייזרים חדשים נותר תחום מחקר פעיל ורב-תחומי. הכנס הבינלאומי על ממשקים חדשים להבעה מוזיקלית, מתקיים כדי לדווח על עבודות חדשניות ולהציג אמנים שמבצעים או יוצרים מוזיקה עם כלים אלקטרוניים, בקרים וסינתיסייזרים חדשים. ועכשיו לתוכן האינטנסיבי יותר בנושא המוזיקלי הזה. פיתוח חדש ועיקרי היה הופעתם של מחשבים למטרת הלחנת מוזיקה. במקום לשלוט או להפיק צלילים, יאניס קסנקיס היה חלוץ במה שהוא כינה Musique Stochastique, או מוזיקה אקראית, שיטה להלחנת מוזיקה שהשתמשה במערכות הסתברות מתמטיות. נעשה שימוש באלגוריתמים הסתברותיים שונים כדי ליצור עבודות בתוך סט של פרמטרים. Xenakis השתמש בנייר גרף כדי לעזור בחישוב נתיבי המהירות של גליסנדוס עבור היצירה התזמורתית שלו Metastasis (1953–54), אך מאוחר יותר פנה למחשבים להלחנה, כגון ST/4 עבור רביעיית כלי מיתר ו-ST/48 עבור תזמורת (שניהם 1962). השפעת המחשבים נמשכה ב-1956 כאשר ליארן הילר וליאונרד איזקסון הלחינו את סוויטת איליאק לרביעיית כלי מיתר. זו הייתה העבודה השלמה הראשונה של קומפוזיציה בעזרת מחשב באמצעות קומפוזיציה אלגוריתמית. ב-1957 כתב מקס מתיוס ממעבדת בל את סדרת MUSIC-N, תוכנת המחשב הראשונה להפקת גלי קול דיגיטליים על ידי סינתזה ישירה. אחר כך כתב בארי ורקו את MUSIC 11, המבוססת על הדור הבא של תוכנית סינתזת המוזיקה MUSIC IV-BF (מאוחר יותר התפתחה ל-csound, שעדיין נמצא בשימוש נרחב). באמצע שנות ה-80, מילר פאקט מ-IRCAM פיתח תוכנת עיבוד אותות גרפית עבור ה-4X בשם Max (על שם מקס מת'יוס), ומאוחר יותר העביר אותה למקינטוש (כדייב סיקרלי מרחיב את זה ל-Opcode[39]) כדי לשלוט ב-MIDI בזמן אמת, מה שהופך את הקומפוזיציה האלגוריתמית לנגישה לרוב המלחינים של תוכנת מחשב עם אמצעי ביניים.
האוס היא מוזיקת ריקודים אלקטרונית בעלת קצב חוזר של ארבע פעימות וקצב כללי של 115-130 פעימות לדקה. מאמינים שכאשר אנשים רבים שומעים את הז'אנר הזה, לעתים קרובות הם חושבים שאולי הוא הומצא או נוצר מיצירת מוזיקה בבית או מתרבות משפחתית או מאנשים בבית. אבל למעשה, הז'אנר הזה נוצר על ידי תקליטנים ומפיקים מוזיקליים מתרבות המועדונים המחתרתית של שיקגו והתפתח בהדרגה בתחילת עד אמצע שנות ה-80, כאשר תקליטנים החלו לשנות את מוזיקת הדיסקו לקצב מכני יותר. בתחילת 1988, האוס הפך למיינסטרים והחליף את המקצבים הכלליים של שנות ה-80. אם נחפור קצת יותר לעומק, למעשה, בצורתו הכללית ביותר, הז'אנר מאופיין בקצב 4/4 חוזר, תוף בס, היי-האט אוף-ביט, סנר דראם, כפיות ו/או סטירות בקצב שבין 120 ל-130 פעימות לדקה (bpm), ריפים של סינתיסייזר, ולעתים קרובות דיוק, אבל לא בס, דיוק, או באס-ליין, שירה מדוגמת. בבית, תוף הבס מנוגן בדרך כלל על פעימות 1, 2, 3 ו-4, ותוף סנר, קלאפ או כלי הקשה גבוה יותר משמשים במקצבים 2 ו-4. פעימות התופים במוזיקת האוס הן בדרך כלל מכונות תופים אלקטרוניות, בדרך כלל רולנד TR-808, TR-907, או TR-707. מחיאות כפיים, שייקים, תופי סנר או צלילי היי-האט משמשים להוספת סינקופה. הריפים הקצביים היחודיים, במיוחד בבית מוקדם של שיקגו, בנויים לפי תבנית קלאב, לפעמים עם קונגות ובונגו שנוספו לצליל אפריקאי. או כלי הקשה מתכתיים לתחושה לטינית.
מוזיקת ריקוד אלקטרונית למעשה, מאיפה התפתח ומקורו של ז'אנר מוזיקת הדאנס האלקטרונית? מהסופר, כשנולדתי, שמעתי את ז'אנר המוזיקה. זה גרם לי לראות את זה כדבר בינלאומי שמגיע מאירופה ושאנשים מכירים כז'אנר המוזיקה (EDM) או השם שאפשר לקרוא לו מוזיקת ריקודים או מוזיקה שחובבי חיי לילה מתלהבים ממוזיקה, מנגינת מועדונים. כמובן, מדובר במגוון של מוזיקה כלי הקשה אלקטרונית שנוצרת עבור מועדוני לילה, רייבים ופסטיבלי מוזיקה. זה מיוצר בדרך כלל לנגינה על ידי תקליטנים שיוצרים מבחר חלק של שירים בשם. מיקס DJ על ידי מעבר מהקלטה אחת לאחרת. בקר התוכנית, לעתים קרובות הגיבור הבלתי מוכר של עולם ה-EDM, הוא המוח מאחורי הפקת הז'אנר הזה. EDM לא מוגבל רק לאולפן; זה מתעורר לחיים בצורה של הופעות חיות בקונצרטים או בפסטיבלים, פורמט המכונה לעתים קרובות PA חיה. אם כבר מדברים על המאה מאז הקמתה, EDM התרחב. EDM הפך לפופולרי נרחב באירופה בסוף שנות השמונים ותחילת שנות התשעים לאחר הופעת הרייב, מוזיקת רדיו פיראטית, מסיבות ענן, פסטיבלי מחתרת והגברת העניין בתרבות המועדונים. עם זאת, תרבות הרבים אינה פופולרית בארצות הברית. זה בדרך כלל לא שכיח מחוץ לסצנות האזוריות בניו יורק, פלורידה, המערב התיכון וקליפורניה. למרות שהאלקטרו, שיקגו האוס וטכנו דטרויט השפיעו הן על אירופה והן על ארצות הברית, התקשורת המיינסטרים ותעשיית התקליטים האמריקאית נותרו מסתייגות בגלוי מהז'אנר עד שנות ה-90 ואילך. הייתה גם מודעות הולכת וגוברת לקשר של EDM לתרבות הסמים, מה שהוביל את ממשלות המדינה והערים להעביר חוקים ומדיניות שמטרתם לעצור את התפשטות תרבות הרייב. הו, זה נשמע לי מרגש ומפתיע. האם ז'אנרים מוזיקליים באמת יכולים לשקף את האישיות של האנשים שמאזינים להם? מאוחר יותר במילניום החדש, הפופולריות של EDM גדלה ברחבי העולם, במיוחד בארצות הברית ובאוסטרליה. בתחילת שנות ה-2010, תעשיית המוזיקה האמריקאית ותקשורת המוזיקה דחפו את המונחים "מוזיקת ריקודים אלקטרונית" ואת ראשי התיבות "EDM" כדי למתג מחדש את תרבות הרייב האמריקאית. למרות הניסיונות של התעשייה למתג את EDM כז'אנר יחיד, ראשי התיבות ממשיכים לשמש כינוי גג למספר ז'אנרים, כולל דאנס-פופ, האוס, טכנו, אלקטרו וטראנס, כמו גם תת-ז'אנרים קשורים. כולם קודמים לראשי התיבות. ללידה של כל ז'אנר מוזיקלי יש לא רק סיפור ומקורו בתקופת סאמוי, אלא היא גם משקפת את הערך של שימוש במוזיקה לריפוי נפש האדם והפכה להיסטוריה שסיכמתי בקצרה במאמר. היסטוריה מוזיקה אלקטרונית וההיסטוריה של תקליטנים ז'אנרים שונים של EDM התפתחו במהלך 40 השנים האחרונות, כולל האוס, טכנו, דראם אנד בס, דאנס-פופ ועוד. שינויים סגנוניים בתוך ז'אנרים קיימים של EDM יכולים להוביל להופעתם של מה שמכונה תת-ז'אנרים. מיזוג אלמנטים של שני ז'אנרים או יותר יכול להוביל להופעתו של ז'אנר חדש לגמרי של EDM.
כשזה מגיע לזהות של ז'אנר מוזיקת הדאבסטפ, ייתכן שהוא אינו מוכר במיוחד לחובבי ז'אנר המוזיקה הזה. עם הייחודיות והמאפיינים שלה, היא דומה למוזיקת ריקודים אלקטרונית שמקורה בדרום לונדון בתחילת שנות ה-2000. הסגנון הזה צץ מתוך שלוחה של מוזיקת הגראז' בבריטניה, ששילבה ביטים בני 2 שלבים והפקת דיבוב רך. בבריטניה, מקורו של הז'אנר הזה היה מהצמיחה של סצנת המסיבות של מערכת הסאונד הג'מייקנית בתחילת שנות ה-80. דאבסטפ מאופיין בשימוש בתבניות קצב מסונכרנות, קווי בס בולטים וגוונים כהים. בשנת 2001 החלו להציג ולקדם את הסאונד המחתרתי הזה וז'אנרים אחרים של גראז' במועדון הלילה Plastic People בלונדון, באירוע 'Forward' (לפעמים FWD>>), ובתחנת הרדיו הפיראטית Rinse FM, שלימים הייתה לה השפעה רבה על התפתחות מוזיקת הדאבסטפ. קצב חצי-טיים: Dubstep משתמש לעתים קרובות במקצבים שמרגישים כמו מקצבי חצי-זמן (למרות שהם למעשה מהירים), כמו למשל בדוגמה הזו שמסבירה שלשיר יש קצב של 71 פעימות לדקה, שמרגיש כמו חצי מהזמן מהקצב המהיר יותר (142 פעימות לדקה). זו אחת הטכניקות שעוזרות ליצור מתח ועוצמה בשיר. סאב-בס: לצליל בס נמוך ועבה ייחודי של Dubstep יש רטט חזק וניתן לחוש אותו פיזית. השימוש בבס המוצק הזה נותן לשיר יותר עומק ועוצמה. דגימות קצוצות: Dubstep משתמשת לעתים קרובות בצלילים קצרים, קצוצים או "קצוצים" כדי להוסיף עניין לקצב ולסאונד, מה שמעניק לו תחושה קטועה או לא אחידה. אני חושב שכשתקראו את המאמר הזה, תתחילו להבין שלעיתים קרובות ז'אנרים מותאמים ועושים מניפולציות כדי ליצור משיכה אסתטית לחובבי המוזיקה, וזה משהו ייחודי באמת שנוצר בצורה של ז'אנר שניתן לזהות וייחוד, וכן, לפעמים. ווקאל צ'ופ: בדאבסטפ יכולים להיות שירה שנחתכה ומעוותת, מה שנותן למוזיקה עומק ואווירה עמוקים יותר.
מהי מוזיקת טראפ, מאיפה היא נוצרה, ובשביל מה נוצר הז'אנר הזה? הז'אנר ששינה את תעשיית המוזיקה מלכודת מוזיקת הופיעה בתחילת שנות ה-2000, שמקורה באטלנטה, ג'ורג'יה, ארה"ב. המונח "מלכודת" מגיע מסלנג לסחר בסמים בארה"ב, שהוא אחד הנושאים העיקריים שנמצאים בסוג המוזיקה הזו. מוזיקת מלכודת מאופיינת ב-808 תופים, היי-האט, גלילי סנר וסינתיסייזרים או מנגינות. מקצבים של שירים בנויים בצורה מרגשת. זה הוביל לזינוק בפופולריות הן בקרב אמני היפ הופ והן בקרב מפיקים מז'אנרים אחרים. המקור והצמיחה של מוזיקת מלכודות. Trap נודע לראשונה בסביבות 2003-2005. האמנים הראשונים שעזרו ליצור ולפופולארי את הז'אנר היו T.I., Gucci Mane ו-Young Jeezy. במיוחד, אלבומו של T.I. מ-2003, Trap Muzik, היה מכריע בהגדרה הרשמית של המונח "Trap Music" כז'אנר.
אם אינכם מכירים את ז'אנר מוזיקת הפולק היום, אקח אתכם לחקור אותו לעומק עם תקציר שגם הסופר וגם הקוראים ימצאו יחד. אנשים רבים שמאזינים לסוג זה של מוזיקה מאמינים בכך. מוזיקה עממית היא ז'אנר המשקף תרבות ואורח חיים, ששורשיו במסורות ובתרבות של כל יישוב. למשל, שיר העם האירי 'The Parting Glass' או שיר העם האמריקאי 'This Land Is Your Land' מעבירים סיפורים של אנשים, אורח חייהם, אמונותיהם וחוויות שעברו מדור לדור. ואם מדברים על התפתחות מוזיקת הפולק, מוזיקת פולק קיימת בכל מדינה ופותחה בהתאם לתקופה. במאה ה-20, מוזיקת העם זכתה לתחייה מאוד, במיוחד בארצות הברית ובאירופה. אמנים שמילאו תפקיד חיוני בהכנסת פולק למיינסטרים היו בוב דילן, ג'ואן באז ו-וודי גאת'רי. מוזיקה עממית היא לא רק ז'אנר, אלא כלי לספר סיפורים על החברה. זהו מדיום המשמש לשקף את הבעיות והרגשות של אנשים בכל תקופה. למשל, שירי עם שימשו כדי לטפל בנושאים חברתיים כמו עוני, מלחמה וזכויות אזרח. בין אם זה שירי עם המשקפים בעיות חברתיות, שירי עם מסורתיים או מוזיקה ששולבה עם מוזיקה מודרנית, מוזיקת פולק עדיין ממלאת תפקיד חשוב בתעשיית המוזיקה ברחבי העולם והתפשטה בצורה מדהימה. אני לא מאמין שמוזיקת עם היא בעצם די ייחודית ומציגה סיפורי תרבות שובי לב למאזינים. לכן המאפיינים של מוזיקת עם הם שירים שמספרים סיפורים של אנשים כמו אהבה, עבודה, אושר וצער, ואירועים היסטוריים. עם מנגינות פשוטות, נעשה שימוש לעתים קרובות בכלים אקוסטיים כמו גיטרות, כינורות, בנג'ו, מנדולינות וחליליות. זה הועבר מפה לאוזן לפני שהוקלט כתווים עממיים, תרבותיים ייחודיים או מוקלטים בתרבות המודרנית. מוזיקה, בלוגראס אמריקאי, מוזיקת קאנטרי תאילנדית, או מוזיקת פלמנקו ספרדית. אם קראתם עד כאן, כבר חוויתם והבנתם שלמוזיקה עממית יש תמיד סיפורים המכילים אנרגיה טובה.
אי אפשר להכחיש שהטיול מסביב לעולם הופך עיר לבלתי נשכחת, ואני מאמין שאם נסעתם לאיזו מדינה דרומית באמריקה, בהחלט תכירו את המוזיקה הלטינית. גם אם אינכם מכירים אותה, המקומיים והאזרחים ששימרו את המוזיקה המקומית בהחלט יוכלו להכיר לכם את צלילי המוזיקה הלטינית. וזו הסיבה שהמוזיקה הלטינית המשיכה להיות פופולרית עד היום והופכת יותר ויותר פופולרית גם לאחר שעברו לאמריקה. אני מאמין שגם אתם תאהבו את סוג המוזיקה הזה, כי יש לה תוספת של שפה ספרדית או פורטוגזית, מה שהופך אותה שוב לקליטה. תור הזהב של המוזיקה הלטינית החל כאשר בשנת 1997, NARAS הקימה את האקדמיה להקלטות הלטינית (LARAS) במאמץ להרחיב את פעילותה באמריקה הלטינית ובספרד. בספטמבר 2000 השיקה LARAS את פרסי הגראמי הלטיני, טקס פרסים נפרד מפרסי הגראמי. המארגנים אמרו שיקום המוזיקה הלטינית גדול מכדי להשתלב בגראמי. מייקל גרין, לשעבר ראש NARAS, אמר פעם שמגוון סגנונות המוזיקה הלטינית מסבך את יצירת פרסי הגראמי הלטיני. לציין שהדבר היחיד שמשותף להם הוא השפה, פרסי הגראמי הלטיני מוענקים לתקליטים המושמעים בספרדית או פורטוגזית, בעוד הארגון מתמקד במוזיקה מאמריקה הלטינית, ספרד ופורטוגל. מאז שנות ה-90 המאוחרות, ארצות הברית ראתה גידול הולך וגובר באוכלוסיית ה"לטינים" שלה, מונח שזכה לפופולריות בשנות ה-60 מבלבול המונח "ספרדית" עם המונח הראוי יותר אך פחות פופולרי "היספני" אנשים בארצות הברית החלו להתייחס לכל המוזיקה שמציגה שירה ספרדית כ"מוזיקה לטינית בכל ז'אנר הספרדי שנקרא "לאמן". פח".
