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Existe um novo formato de codificação de áudio chamado .flac. Isso significa "Codec de áudio sem perdas gratuito". A Fundação Xiph.org foi fundada e desenvolvida em 1994. A Fundação Xiph.org é uma organização sem fins lucrativos que produz ferramentas de software de código aberto, bem como formatos multimídia. Flac é uma forma de codificação de áudio para arquivos compactados sem perdas. Quando foi desenvolvido, estava disponível como um programa de software livre. Flac tem a capacidade de compactar e reduzir o tamanho de um arquivo de 50% a 70% em comparação com WAV ou outros formatos sem perdas e pode reproduzir seu áudio sem perdas. Esta é uma excelente ferramenta se você tiver espaço limitado ou não quiser usar WAV porque os arquivos são muito grandes. Flac fornece compressão sem sacrificar a qualidade. Uma redução no tamanho de 50% a 70% poderia fornecer espaço adicional para outras aplicações que ele não conseguiria usando WAV. Sem perdas significa que não há perda de qualidade de som de áudio e é padrão na indústria musical. Flac oferece um grande benefício para muitas aplicações.
MP3, também conhecido como MPEG camada 3, é um formato de arquivo de áudio digital que armazena e compartilha arquivos de áudio. Kbps, conhecidos como quilobits por segundo, refere-se à “taxa de bits”, que é a qualidade e o tamanho da compactação do arquivo de áudio. 128kb é o tamanho do arquivo MP3 que possui uma taxa de bits de 128 kilobits por segundo. Isso é baixo em comparação com 256 ou 320, que é uma qualidade relativamente superior de um formato de áudio MP3. Isso torna o tamanho do arquivo mais eficiente para armazenar e compartilhar pela Internet. O efeito negativo disso seria que taxas de bits mais baixas resultariam em qualidade inferior do arquivo de áudio.
MP3 256kb é a taxa de bits do arquivo MP3, que permite uma quantidade de dados processados por segundo ao reproduzir o áudio. Quanto maior a taxa de bits, maior será o tamanho do arquivo. Isso resulta em melhor qualidade. Um tamanho de arquivo de 256 kb significa que o arquivo de áudio tem uma taxa de bits de 256 kilobits por segundo. Isso é muito maior comparado, por exemplo, a um arquivo de 64 KB, que normalmente é o tamanho do arquivo de um toque. O raciocínio por trás da “qualidade do som” depende de fatores como configurações de codificação, dispositivos de reprodução e material de origem. A preferência pela qualidade do áudio depende de como o arquivo de áudio é distribuído. Por exemplo, gravar um arquivo de áudio em um estúdio de gravação (.wav) em comparação com um download digital (128-320kb).
O caso de 320kb refere-se ao tamanho do arquivo com taxa de bits de 320 kilobits por segundo, que é a maior taxa de bits entre os tamanhos de arquivo MP3 disponíveis para download. Uma taxa de bits mais alta, como 320kb, resulta em melhor qualidade à medida que mais dados são usados para codificar informações de áudio. Com 320kb, o arquivo de áudio pode ter qualidade superior a 128 ou 256. Ainda assim, é importante observar que a qualidade do arquivo de áudio depende de outros fatores, incluindo o material de origem, configurações de codificação e, o mais importante, um dispositivo de reprodução.
WAV ou Waveform Audio File Format é um formato de arquivo de áudio usado para armazenar gravações de áudio digital com a mais alta qualidade de arquivo de áudio. WAV é um arquivo sem qualquer compactação. WAV é gravado no tamanho do arquivo original. A IBM e a Microsoft desenvolveram o WAV no início da década de 1990 como padrão para armazenamento de arquivos de áudio digital em computadores. WAV tem a mais alta qualidade; no entanto, a desvantagem é que também é um arquivo enorme. WAV não possui metadados. Os metadados identificam informações como artista, título, ano, número da faixa, etc. WAV é o padrão da indústria na produção musical devido à qualidade do som. Engenheiros de som e produtores musicais dizem que ele também fornece maior faixa dinâmica e profundidade ao som, não disponível em outros formatos. WAV fez mais do que ser o padrão para armazenamento de áudio de computador; ele assumiu o formato de arquivo de áudio da mais alta qualidade. Hoje, WAV é o formato de arquivo de áudio padrão na indústria musical e é o auge da qualidade em um arquivo de áudio. WAV pode ser usado em qualquer dispositivo, como DVD, TV, iPad, computador, etc. WAV costumava ser um problema com smartphones por causa do tamanho, mas agora que os telefones podem armazenar de 64 GB a 1T de dados, não é mais não é mais um problema.
Um toque e/ou corte de um toque refere-se ao processo de encurtar ou cortar uma seção de um arquivo de áudio para criar um toque de sua preferência. Ao comprar ou baixar um toque, pode ser uma versão completa da música, ou pode ser apenas o clipe de 30 segundos menos personalizável. O uso do corte de um toque pode permitir que você selecione uma seção do arquivo de áudio. A seção geralmente cortada para criar um toque seria uma melodia cativante ou um refrão de sua música. preferência. Hoje, muitos smartphones e aplicativos foram desenvolvidos para permitir ao usuário cortar e personalizar facilmente os toques, ajustando o ponto inicial e final do arquivo de áudio. Esse processo foi feito usando uma interface visual que permite ao usuário visualizar o forma de onda do arquivo de áudio e ajustá-lo de acordo com sua preferência. Esta é uma ferramenta divertida. Você pode facilmente ficar por dentro de todas as notificações recebidas e se divertir com diferentes toques. Esta ferramenta permite que você personalize todas as suas notificações de áudio para saber o que acabou de chegar pelo toque. Personalize cada toque para notificações diferentes, como e-mails recebidos, mensagens de texto recebidas, postagens no Facebook, Instagram, Twitter, alertas meteorológicos, etc. Além dos toques padrão, você também pode cortar uma música ou arquivo de áudio favorito para que ele reproduza apenas um pequeno trecho. O uso do corte de um toque pode permitir que você selecione apenas uma seção do arquivo de áudio ou um verso em vez de toda a música. A seção geralmente cortada para formar um toque seria uma melodia cativante ou refrão de sua música preferida. Talvez a música do seu casamento quando seu marido liga ou manda uma mensagem para você, ou a música favorita da sua mãe quando ela liga ou manda uma mensagem para você. A maioria das pessoas pode não saber que muitos smartphones e aplicativos foram desenvolvidos para permitir ao usuário cortar e personalizar facilmente os toques, ajustando o ponto inicial e final do arquivo de áudio. Este processo foi feito por meio de uma interface visual que permite ao usuário visualizar a forma de onda do arquivo de áudio e cortá-la de acordo com sua preferência. A forma de onda do áudio permite que você veja exatamente onde começa a letra ou melodia preferida e então você pode escolher exatamente onde deseja que termine.
Você acredita que a música sempre cria milagres e paz no coração? E o estilo hip-hop ainda é um gênero que as pessoas gostam em todas as épocas. E não há como negar que todo estilo de música ainda tem um cheiro que está impregnado na cultura e na diversidade das pessoas na melodia da música. E isso faz com que o hip-hop continue sendo sempre falado. É claro que ouvir música hip-hop sempre nos faz sentir que eles estão falando através do canto e se comunicando por meio de música ou ritmos musicais que são consistentes com a situação ou com as pessoas que a ouvem. O hip-hop era muito popular na década de 1970. E é claro que em cada período sempre há irregularidades. A música hip-hop não foi oficialmente gravada para rádio ou televisão até 1979, principalmente por causa da pobreza na época de seu nascimento e da falta de aceitação da comunidade negra. Esse gênero começou a se espalhar por meio de festas fechadas em toda a comunidade negra. Isso é algo que nos faz refletir sobre a importância de um grupo de pessoas que tem diversidade. Não importa que estilo de música você ouve, sempre podemos aprender com as diferenças para ficarmos bonitos.
Como a música pop realmente influenciou ou se originou? E é verdade que é simples de ouvir e escutar para todas as idades? Porque a maioria das pessoas acredita que a música se originou da cultura e da arte que sempre andaram juntas. E como ainda é uma música cativante para os amantes da música?, quem sabe se o estilo da música pop é realmente moderno ou conservador? Na verdade, a música pop evoluiu junto com sua definição. Como o escritor musical Bill Lamb coloca, a música pop é "todas as formas de música desde a Revolução Industrial dos anos 1800 que mais se assemelham aos gostos e interesses da classe média urbana". O termo "música pop" foi usado pela primeira vez em 1926 para significar música que é "popular entre as massas". Hatch e Millward argumentam que vários eventos na história da gravação da década de 1920 são considerados o berço da indústria da música pop moderna, incluindo country, blues e caipira. A música pop foi produzida como um esforço, não como uma forma de arte", e foi "projetada para agradar a todos", mas "não se originou de nenhum lugar ou expressou nenhum gosto em particular". Frith acrescenta: “A música pop não é movida por grandes ambições, exceto por lucro e recompensas comerciais, e musicalmente, não é movida por grandes ambições, exceto por ganho e recompensas comerciais.” A música pop é fundamentalmente conservadora. Ela vem de cima (por gravadoras, rádios e promotores de shows) e não de baixo. Não é música feita por você mesmo, mas sim música produzida e embalada profissionalmente, e é frequentemente citada como a melhor da música pop. Como Frith coloca, as características da música pop incluem seu objetivo de atrair um público geral em vez de uma subcultura ou ideologia específica, e sua ênfase no artesanato em vez de qualidades “artísticas” formais.
Quando você imagina uma música country, o que vem à mente? Para mim, é uma música cheia de amor, calor da família ou no meio dos campos no interior. Não podemos imaginar que toda vez que ouvimos uma música country, ela nos fará sentir tensos ou nos tornaremos um seguidor desse estilo de música. Ou outro nome que você ainda conhece até hoje é chamado de música country. Country (também chamado de country e western) é um gênero musical que se originou na região sul dos Estados Unidos, tanto no sul quanto no sudoeste. A música country, que foi produzida pela primeira vez na década de 1920, focava em cantar músicas que contavam histórias sobre a vida da classe trabalhadora e dos trabalhadores na América. Parece muito interessante porque eu não achava que os americanos são um país diverso e tem um estilo de música que é sempre bonito em suas diferenças. E foi isso que aconteceu. Você é um seguidor desse gênero de música? E o que me surpreendeu. Em 2009, nos Estados Unidos, a música country foi a mais ouvida durante o horário de pico durante o trajeto noturno e foi o segundo gênero mais popular durante o trajeto matinal também. A música country é conhecida por suas baladas e canções dançantes ("honky-tonk songs") que têm formas simples e letras folclóricas. E a harmonia é tipicamente acompanhada por instrumentos como banjo, violino, gaita e vários tipos de violão (incluindo violão acústico, elétrico, de aço e ressonador). Embora a música country tenha suas raízes na música folclórica americana em formas como old-time e Appalachian, muitas outras tradições, como mexicana, irlandesa e havaiana, também influenciaram sua criação. O modo blues do blues também foi amplamente usado ao longo da história. Claro, acredito que quando você chegar a este ponto em sua leitura, você pode estar um pouco cansado sobre como cada gênero frequentemente incorpora história e tradições culturais. Mas acredito que é aí que a estreita conexão entre valores conservadores e música country contemporânea começou, em resposta ao movimento anti-guerra da década de 1960. Até então, quase toda a música country, que até então era chamada de folk country, não tinha uma orientação política clara e se concentrava, em vez disso, nos problemas e ansiedades cotidianos da classe trabalhadora. O álbum de 1969 de Merle Haggard, Okie from Muskogee, apresentou a música country com uma perspectiva decididamente conservadora e política, que era popular. O presidente republicano Richard Nixon fortaleceu ainda mais essa conexão musical conservadora durante seus anos no cargo. Frequentemente sediava eventos para músicos country, declarou outubro de 1970 como o Mês da Música Country e apelava aos ouvintes que viam a música country como politicamente motivada. No entanto, a essa altura, a música country havia se espalhado para muitos países da Ásia e muitos outros países que viam a música country como uma fonte constante de honra.
Quando muitas pessoas ouvem o gênero musical, o rock pode realmente fazer muitas pessoas pensarem que o rock pode ter histórias ou culturas embutidas nele, e é inacreditável que a origem do rock tenha se originado nos Estados Unidos sob o nome de "rock and roll" no final dos anos 1940 e início dos anos 1950 e tenha se desenvolvido em muitas formas diferentes desde meados dos anos 1960, principalmente nos Estados Unidos e no Reino Unido. O rock tem suas raízes no rock and roll, uma forma que se inspira diretamente em gêneros de música negra, como blues, rhythm and blues e country. O rock também é fortemente influenciado por gêneros como blues elétrico e folk, e incorpora influências do jazz e outros estilos musicais. Para instrumentos, o rock geralmente se concentra na guitarra elétrica, que geralmente faz parte de um grupo de rock que tem um baixo elétrico, bateria e um ou mais cantores. O rock geralmente é uma música que enfatiza o canto, com um ritmo de 4 batidas e usa um padrão de verso e harmonia. Mas o gênero é muito diverso. Assim como a música pop, as letras tendem a focar no amor romântico, mas também falam sobre muitos outros temas, geralmente sociais ou políticos. O rock foi o gênero musical mais popular nos Estados Unidos e em todo o mundo ocidental da década de 1950 à década de 2010. Em meados da década de 1960, os músicos de rock estavam começando a empurrar o álbum em vez do single como a forma dominante de expressão e consumo gravado, com os Beatles liderando a carga. Seu trabalho trouxe o gênero para a aceitação do mainstream e inaugurou a era do rock influenciada por álbuns de décadas na indústria musical. No final da década de 1960, o rock clássico gerou uma série de subgêneros, incluindo híbridos como blues rock, folk rock, country rock e jazz rock, que ajudaram no desenvolvimento do rock psicodélico, que foi influenciado por movimentos de contracultura psicodélica e hippie. Novos gêneros surgiram, incluindo o rock progressivo, que expandiu elementos artísticos, o heavy metal, que enfatizava um som pesado, e o glam rock, que enfatizava a performance e o estilo visual.
Quando se trata do gênero musical, rhythm and blues não é algo com o qual muitas pessoas estão familiarizadas. No entanto, a maioria das pessoas tende a abreviá-lo para R&B ou R'n'B. O gênero de música popular se originou na comunidade negra na década de 1940. As gravadoras começaram a descrever gravações que eram comercializadas principalmente para negros. Durante a ascensão do "jazz-rock pesado e sustentado" nas décadas de 1950 e 1970, as bandas normalmente consistiam em um piano, uma ou duas guitarras, um baixo, bateria, um ou mais saxofones e, às vezes, um cantor de apoio. As letras de R&B geralmente resumem a história e as experiências dos negros na América, incluindo a dor, a busca pela liberdade e felicidade, bem como triunfos e fracassos em termos de racismo, opressão, relacionamentos, economia e aspirações sociais. Veja, finalmente temos um gênero musical que reflete o modo de vida de um grupo em uma sociedade intensa e diversa, misturando todos os tipos de música e, claro, fazendo com que "rhythm and blues" mudasse seu significado muitas vezes. No início dos anos 1950, o termo era frequentemente usado para discos de blues. Em meados dos anos 1950, depois que essa música ajudou a desenvolver o rock and roll, o termo "R&B" passou a ser usado em um contexto mais amplo, referindo-se a um estilo de música que evoluiu e combinou blues elétrico, gospel e soul. Na década de 1970, "rhythm and blues" mudou novamente e foi usado como um termo coletivo para soul e funk. Um novo estilo de música R&B se desenvolveu e ficou conhecido como "R&B contemporâneo". Esse estilo contemporâneo combinava R&B com pop, disco, hip hop, soul, funk e música eletrônica. O R&B era aplicado a álbuns de blues naquela época. O escritor e produtor Robert Palmer definiu rhythm and blues como "um termo coletivo para todas as formas de música feitas por e para negros americanos". Ele também usou o termo "R&B" como sinônimo de jump blues. No entanto, a AllMusic separou o termo de jump blues porque o R&B tinha uma influência maior do gospel. [16] Lawrence Cohn, autor de Nothing but the Blues, escreveu que "rhythm and blues" era um termo genérico inventado para a conveniência da indústria. Segundo ele, o termo cobria toda a música negra, exceto música clássica e religiosa, a menos que a música gospel vendesse bem o suficiente para entrar nas paradas até o século XXI. O termo R&B continuou a ser usado (em alguns contextos) para categorizar a música feita por músicos negros, separada dos estilos feitos por outros músicos. Na música rhythm and blues comercial, que caracterizou as décadas de 1950 e 1970, as bandas normalmente consistiam em um piano, uma ou duas guitarras, baixo, bateria e saxofone. Os arranjos eram ensaiados ao mínimo e, às vezes, incluíam cantores de apoio. Partes simples e repetitivas eram entrelaçadas, criando um ritmo e uma execução rítmica que criava uma textura suave, melódica e muitas vezes hipnótica, ao mesmo tempo em que chamavam a atenção para as vozes individuais, embora os cantores estivessem emocionalmente envolvidos com as letras, muitas vezes intensamente. Mas eles permaneceram calmos, relaxados e no controle. A banda usava ternos e uniformes, uma prática que era associada à música popular que os músicos de R&B aspiravam dominar. As letras eram frequentemente ameaçadoras, e a música frequentemente seguia padrões e estruturas de acordes previsíveis. As letras de R&B frequentemente encapsulavam as experiências dolorosas dos afro-americanos. Uma publicação do Smithsonian resumiu as origens do gênero em 2016: "A música afro-americana, especificamente, baseada nos ramos profundos da expressão afro-americana, é uma fusão de gospel, jump blues, big band swing, boogie e blues que se desenvolveu ao longo de um período de trinta anos que abrangeu a era da música legal.
Instrumentos eletrônicos são amplamente utilizados em quase todas as formas de música. Na música popular, como a música eletrônica de dança, quase todos os sons gravados são eletrônicos (por exemplo, sintetizadores de baixo, sintetizadores, drum machines). O desenvolvimento de novos instrumentos eletrônicos, controladores e sintetizadores continua sendo uma área de pesquisa ativa e multidisciplinar. A Conferência Internacional sobre Novas Interfaces para Expressão Musical é realizada para relatar trabalhos de ponta e apresentar artistas que tocam ou criam música com novos instrumentos eletrônicos, controladores e sintetizadores. E agora para o conteúdo mais intenso sobre este assunto musical. Um grande novo desenvolvimento foi o advento dos computadores com o propósito de compor música. Em vez de controlar ou gerar sons, Iannis Xenakis foi pioneiro no que chamou de Musique Stochastique, ou música aleatória, um método de composição musical que usava sistemas de probabilidade matemática. Diferentes algoritmos probabilísticos foram usados para gerar obras dentro de um conjunto de parâmetros. Xenakis usou papel quadriculado para ajudar a calcular os caminhos de velocidade dos glissandos para sua peça orquestral Metastasis (1953–54), mas depois recorreu a computadores para composição, como ST/4 para quarteto de cordas e ST/48 para orquestra (ambos de 1962). O impacto dos computadores continuou em 1956, quando Lejaren Hiller e Leonard Issacson compuseram a Suíte Illiac para quarteto de cordas. Esta foi a primeira obra completa de composição auxiliada por computador usando composição algorítmica. Em 1957, Max Matthews do Bell Lab escreveu a série MUSIC-N, o primeiro programa de computador para gerar ondas sonoras digitais por síntese direta. Então Barry Vercoe escreveu o MUSIC 11, baseado no programa de síntese musical de última geração MUSIC IV-BF (posteriormente desenvolvido em csound, que ainda é amplamente utilizado). Em meados da década de 1980, Miller Puckett do IRCAM desenvolveu um software de processamento gráfico de sinais para o 4X chamado Max (em homenagem a Max Matthews), e mais tarde o portou para o Macintosh (com Dave Ciccarelli estendendo-o para Opcode[39]) para controlar MIDI em tempo real, tornando a composição algorítmica acessível à maioria dos compositores com um nível intermediário de programação de computadores.
House é uma música eletrónica dançante que tem um ritmo repetitivo de quatro batidas e um andamento geral de 115–130 batidas por minuto. Acredita-se que quando muitas pessoas ouvem este género, geralmente pensam que pode ter sido inventado ou criado a partir da música feita em casa, da cultura familiar ou das pessoas da casa. Mas, na verdade, este género foi criado por DJs e produtores musicais da cultura underground dos clubes de Chicago e desenvolveu-se gradualmente no início e meados da década de 1980, quando os DJs começaram a mudar a música disco para ter um ritmo mais mecânico. No início de 1988, o House tornou-se popular e substituiu os ritmos gerais dos anos 80. Se analisarmos um pouco mais a fundo, de facto, na sua forma mais geral, o género é caracterizado por uma batida repetitiva de 4/4, um bombo, um chimbau fora do ritmo, uma tarola, palmas e/ou slaps num ritmo entre 120 e 130 batidas por minuto (bpm), riffs de sintetizador, uma linha de baixo profunda e, frequentemente, mas não necessariamente, vozes cantadas, faladas ou sampladas. Em house, o bombo é normalmente tocado nas batidas 1, 2, 3 e 4, e uma tarola, palmas ou instrumento de percussão de tom mais alto são utilizados nas batidas 2 e 4. As batidas de bateria na house music são normalmente drum machines, geralmente a Roland TR-808, TR-909 ou TR-707. Palmas, batidas, tarolas ou sons de chimbau são utilizados para adicionar síncope. Os riffs rítmicos característicos, principalmente no house inicial de Chicago, são construídos seguindo um padrão de clave, por vezes com congas e bongos adicionados para criar um som africano. Ou percussão metálica para um toque latino.
Música eletrônica de dança Na verdade, de onde surgiu e se originou a origem do gênero de música eletrônica de dança? Do autor, quando nasci, ouvi o gênero musical. Isso me fez vê-lo como algo internacional que vem da Europa e que as pessoas conhecem como gênero musical (EDM) ou o nome que pode ser chamado de música de dança ou música que os amantes da vida noturna e são apaixonados por música, melodia de clube. Claro, é uma variedade de música eletrônica percussiva que é criada para casas noturnas, raves e festivais de música. Geralmente é produzida para ser tocada por DJs que criam uma seleção perfeita de músicas chamada. DJ mix, mudando de uma gravação para outra. O controlador do programa, muitas vezes o herói anônimo do mundo EDM, é o cérebro por trás da produção deste gênero. O EDM não se limita apenas ao estúdio; ele ganha vida na forma de apresentações ao vivo em shows ou festivais, um formato frequentemente chamado de PA ao vivo. Falando do século desde seu início, o EDM se expandiu. O EDM se tornou amplamente popular na Europa no final dos anos 1980 e início dos anos 1990 após o surgimento de raves, música de rádio pirata, festas na nuvem, festivais underground e aumento do interesse na cultura club. No entanto, a cultura rav não é amplamente popular nos Estados Unidos. Geralmente é incomum fora das cenas regionais na cidade de Nova York, Flórida, Centro-Oeste e Califórnia. Embora o electro, o house de Chicago e o techno de Detroit tenham influenciado a Europa e os Estados Unidos, a grande mídia e a indústria fonográfica dos EUA permaneceram abertamente desaprovando o gênero até os anos 1990 e além. Também houve uma crescente conscientização da conexão do EDM com a cultura das drogas, levando os governos estaduais e municipais a aprovar leis e políticas destinadas a deter a disseminação da cultura rave. Ah, isso parece emocionante e surpreendente para mim. Os gêneros musicais podem realmente refletir as personalidades das pessoas que os ouvem? Mais tarde, no novo milênio, a popularidade do EDM cresceu em todo o mundo, principalmente nos Estados Unidos e na Austrália. No início da década de 2010, a indústria musical americana e a mídia musical promoveram os termos "electronic dance music" e a sigla "EDM" para reformular a cultura rave americana. Apesar das tentativas da indústria de rotular o EDM como um gênero singular, a sigla continua a ser usada como um termo genérico para vários gêneros, incluindo dance-pop, house, techno, electro e trance, bem como subgêneros relacionados. Todos os quais são anteriores à sigla. O nascimento de cada gênero musical não tem apenas uma história e se origina na era Samui, mas também reflete o valor de usar a música para curar a alma humana e se tornou uma história que resumi brevemente no artigo. História Música eletrônica e a história dos DJs Diferentes gêneros de EDM se desenvolveram ao longo dos últimos 40 anos, incluindo house, techno, drum and bass, dance-pop e muito mais. Mudanças estilísticas dentro dos gêneros EDM existentes podem levar ao surgimento do que é conhecido como subgêneros. A fusão de elementos de dois ou mais gêneros pode levar ao surgimento de um gênero totalmente novo de EDM.
Quando se trata da identidade do gênero musical Dubstep, ele pode não ser muito familiar para os fãs desse gênero musical. Com sua singularidade e características, é semelhante à música eletrônica de dança que se originou no sul de Londres no início dos anos 2000. Esse estilo surgiu do desdobramento da música garage no Reino Unido, que combinava batidas de 2 passos e produção de dub suave. No Reino Unido, as origens desse gênero foram do crescimento da cena de festas do sistema de som jamaicano no início dos anos 1980. O Dubstep é caracterizado pelo uso de padrões de ritmo sincopados, linhas de baixo proeminentes e tons escuros. Em 2001, esse som underground e outros gêneros garage começaram a ser exibidos e promovidos na boate Plastic People em Londres, no evento 'Forward' (às vezes FWD>>) e na estação de rádio pirata Rinse FM, que mais tarde teve uma grande influência no desenvolvimento da música dubstep. Ritmo de meio-tempo: O dubstep geralmente usa ritmos que parecem ritmos de meio-tempo (mesmo que sejam realmente rápidos), como neste exemplo que explica que a música tem um andamento de 71 bpm, que parece metade do andamento mais rápido (142 bpm). Esta é uma das técnicas que ajuda a criar tensão e poder na música. Sub-baixo: O som grave e espesso exclusivo do dubstep tem uma vibração forte e pode ser sentido fisicamente. Usar este baixo sólido dá à música mais profundidade e poder. Amostras cortadas: O dubstep geralmente usa sons curtos, cortados ou "cortados" para adicionar interesse à batida e ao som, dando-lhe uma sensação irregular ou irregular. Acho que ao ler este artigo, você começará a perceber que os gêneros são frequentemente adaptados e manipulados para criar um apelo estético para o entusiasta da música, e é algo verdadeiramente único que é criado na forma de um gênero que é reconhecível e distinto, e sim, às vezes. Vocal Chops: O dubstep pode ter vocais que foram cortados e distorcidos, dando à música uma profundidade e atmosfera mais profundas.
O que é Trap music, de onde ela se originou e para que esse gênero foi criado? O gênero que mudou a indústria musicalA Trap Music surgiu no início dos anos 2000, originária de Atlanta, Geórgia, EUA. O termo "trap" vem da gíria para tráfico de drogas nos EUA, que é um dos principais temas encontrados no tipo dessa música. A Trap Music é caracterizada por tambores 808, chimbau, rolos de caixa e sintetizadores ou melodias. Os ritmos das músicas são estruturados de uma forma emocionante. Isso levou a um aumento na popularidade entre artistas de hip-hop e produtores de outros gêneros. A origem e o crescimento da Trap Music. A Trap se tornou conhecida pela primeira vez por volta de 2003-2005. Os primeiros artistas que ajudaram a criar e popularizar o gênero foram T.I., Gucci Mane e Young Jeezy. Em particular, o álbum de 2003 de T.I., Trap Muzik, foi fundamental para definir oficialmente o termo "Trap Music" como um gênero.
Se você não está familiarizado com o gênero de música folk hoje, eu o levarei para explorá-lo em profundidade com um resumo que tanto o autor quanto os leitores encontrarão juntos. Muitas pessoas que ouvem esse tipo de música acreditam que. A música folk é um gênero que reflete a cultura e o modo de vida, com suas raízes nas tradições e cultura de cada localidade. Por exemplo, a canção folk irlandesa 'The Parting Glass' ou a canção folk americana 'This Land Is Your Land' transmitem histórias de pessoas, seu modo de vida, crenças e experiências que foram passadas de geração em geração. E se falamos sobre o desenvolvimento da música folk, a música folk existe em todos os países e foi desenvolvida de acordo com os tempos. No século XX, a música folk foi muito revivida, especialmente nos Estados Unidos e na Europa. Os artistas que desempenharam um papel essencial em trazer o folk para o mainstream foram Bob Dylan, Joan Baez e Woody Guthrie. A música folk não é apenas um gênero, mas uma ferramenta para contar histórias sobre a sociedade. É um meio usado para refletir os problemas e emoções das pessoas em cada época. Por exemplo, canções folclóricas têm sido usadas para abordar questões sociais como pobreza, guerra e direitos civis. Sejam canções folclóricas que refletem problemas sociais, canções folclóricas tradicionais ou música que foi combinada com música moderna, a música folclórica ainda desempenha um papel importante na indústria musical em todo o mundo e se espalhou incrivelmente. Não acredito que a música folclórica seja realmente única e apresente histórias de cultura que sejam cativantes para os ouvintes. É por isso que as características da música folclórica são canções que contam histórias de pessoas como amor, trabalho, felicidade e tristeza, e eventos históricos. Com melodias simples, instrumentos acústicos como violões, violinos, banjos, bandolins e flautas são frequentemente usados. Foi passado de boca em boca antes de ser registrado como notas ou gravado na era moderna. Com características únicas para cada cultura, como música folclórica irlandesa, bluegrass americano, música country tailandesa ou música flamenca espanhola. Se você leu até aqui, já experimentou e percebeu que a música folclórica sempre tem histórias que contêm boa energia.
Não há como negar que viajar pelo mundo torna uma cidade memorável, e acredito que se você já viajou para algum país do sul da América, certamente estará familiarizado com a música latina. Mesmo que você não esteja familiarizado com ela, os moradores e cidadãos que preservaram a música local certamente serão capazes de lhe apresentar os sons da música latina. E é por isso que a música latina continua popular até hoje e está se tornando cada vez mais popular, mesmo depois de ter se mudado para a América. Acredito que você também vai adorar esse tipo de música, porque ela tem uma inserção em espanhol ou português, o que a torna cativante novamente. A era de ouro da música latina começou quando, em 1997, a NARAS fundou a Academia Latina da Gravação (LARAS), em um esforço para expandir suas operações na América Latina e na Espanha. Em setembro de 2000, a LARAS lançou o Latin Grammy Awards, uma cerimônia de premiação separada do Grammy Awards. Os organizadores disseram que o universo da música latina era grande demais para caber no Grammy. Michael Greene, ex-chefe da NARAS, disse uma vez que a variedade de estilos de música latina complicou a criação do Latin Grammy Awards. Lembrando que a única coisa que eles têm em comum é o idioma, o Latin Grammy Awards é concedido a discos tocados em espanhol ou português, enquanto a organização se concentra em músicas da América Latina, Espanha e Portugal. Desde o final da década de 1990, os Estados Unidos têm visto um crescimento crescente na população de "latinos", um termo popularizado na década de 1960 devido à confusão entre o termo "espanhol" e o termo mais apropriado, mas menos popular, "hispânico". As pessoas nos Estados Unidos começaram a se referir a todas as músicas com vocais espanhóis como "música latina". O espanhol cantado em qualquer gênero era categorizado como "latino". Isso fez com que os artistas na Espanha fossem chamados de "latinos".
