Estados Unidos
Walang resulta
May bagong format ng audio coding na tinatawag na .flac. Ito ay nangangahulugang "Libreng Lossless Audio Codec." Ang Xiph.org Foundation ay itinatag at binuo noong 1994. Ang Xiph.org Foundation ay isang nonprofit na organisasyon na gumagawa ng open-source na mga tool sa software pati na rin ang mga multimedia format. Ang Flac ay isang anyo ng audio coding para sa mga lossless compression file. Noong ito ay binuo, ito ay magagamit bilang isang libreng software program. Ang Flac ay may kakayahang i-compress at bawasan ang laki ng isang file kahit saan mula 50% hanggang 70% kumpara sa WAV o iba pang lossless na mga format at maaaring kopyahin ang lossless na audio nito. Ito ay isang mahusay na tool kung ikaw ay limitado sa espasyo o ayaw mong gumamit ng WAV dahil ang mga file ay napakalaki. Nagbibigay ang Flac ng compression nang hindi sinasakripisyo ang kalidad. Ang pagbawas sa laki ng 50% hanggang 70% ay maaaring magbigay ng karagdagang espasyo para sa iba pang mga application na hindi niya magagawa sa pamamagitan ng paggamit ng WAV. Lossless ay nangangahulugan na walang pagkawala ng kalidad ng tunog ng audio at ito ay pamantayan sa industriya ng musika. Ang Flac ay nagbibigay ng isang mahusay na benepisyo para sa maraming mga application.
Ang MP3, na kilala rin bilang MPEG layer 3, ay isang digital audio file format na nag-iimbak at nagbabahagi ng mga audio file. Ang Kbps, na kilala bilang kilobits per second, ay tumutukoy sa "bitrate," na siyang kalidad at laki ng compression ng audio file. Ang 128kb ay ang laki ng MP3 file na may bitrate na 128 kilobits bawat segundo. Iyon ay mababa kumpara sa 256 o 320, na isang medyo mas mataas na kalidad ng isang MP3 audio format. Ginagawa nitong mas mahusay ang laki ng file upang maiimbak at ibahagi sa internet. Ang negatibong epekto nito ay ang mas mababang bitrate ay magreresulta sa mas mababang kalidad ng audio file.
Ang MP3 256kb ay ang bitrate ng MP3 file, na nagbibigay-daan sa dami ng data na naproseso bawat segundo sa pamamagitan ng pag-play ng audio. Kung mas mataas ang bitrate, mas malaki ang laki ng file. Nagreresulta ito sa mas mahusay na kalidad. Ang 256 kb file size ay ang audio file ay may bitrate na 256 kilobits per second. Mas malaki ito kumpara, halimbawa, sa isang 64kb na file, na karaniwang laki ng file para sa isang ringtone. Ang pangangatwiran sa likod ng "kalidad ng tunog" ay nakasalalay sa mga salik tulad ng mga setting ng pag-encode, mga device sa pag-playback, at pinagmulang materyal. Ang kagustuhan para sa kalidad ng audio ay depende sa kung paano ipinamamahagi ang audio file. Halimbawa, ang pagre-record ng audio file sa isang recording studio (.wav) kumpara sa isang digital download (128-320kb.)
Ang kaso ng 320kb ay tumutukoy sa laki ng file na may bitrate na 320 kilobit bawat segundo, na siyang pinakamataas na bitrate sa mga laki ng MP3 file na magagamit para sa pag-download. Ang mas mataas na bitrate, tulad ng 320kb, ay nagreresulta sa mas mahusay na kalidad dahil mas maraming data ang ginagamit upang mag-encode ng impormasyon ng audio. Sa 320kb, ang audio file ay maaaring mas mataas ang kalidad kaysa sa 128 o 256. Gayunpaman, mahalagang tandaan na ang kalidad ng audio file ay nakasalalay sa iba pang mga salik, kabilang ang pinagmulang materyal, mga setting ng pag-encode, at, higit sa lahat, isang playback device.
Ang WAV o Waveform Audio File Format ay isang format ng audio file na ginagamit upang mag-imbak ng mga digital audio recording sa pinakamataas na kalidad ng audio file. Ang WAV ay isang file na walang anumang compression. Ang WAV ay naitala sa orihinal na laki ng file. Binuo ng IBM at Microsoft ang WAV noong unang bahagi ng 1990s bilang pamantayan para sa pag-iimbak ng mga digital na audio file sa mga computer. Ang WAV ay may ganap na pinakamataas na kalidad; gayunpaman, ang downside ay na ito rin ay isang malaking file. WAV ay walang anumang metadata. Tinutukoy ng metadata ang impormasyon tulad ng artist, pamagat, taon, numero ng track, atbp. Ang WAV ay ang pamantayan ng industriya sa produksyon ng musika dahil sa kalidad ng tunog. Sinasabi ng mga sound engineer at producer ng musika na nagbibigay din ito ng mas malaking dynamic na hanay at lalim sa tunog na hindi available sa ibang mga format. Ang WAV ay higit pa sa pagiging pamantayan para sa computer audio storage; pumalit ito bilang ang pinakamataas na kalidad na format ng audio file. Sa ngayon, ang WAV ay ang karaniwang format ng audio file sa industriya ng musika at ang pinakamataas na kalidad sa isang audio file. Maaaring gamitin ang WAV sa anumang device, tulad ng DVD, TV, iPad, computer, atbp. Ang WAV ay dating problema sa mga smartphone dahil sa laki, ngunit ngayon na ang mga telepono ay maaaring magkaroon ng 64 GB hanggang 1T ng data, ito ay hindi mas matagal na problema.
Ang isang ringtone at o pag-trim ng isang ringtone ay tumutukoy sa proseso ng pagpapaikli o pagputol ng isang seksyon ng isang audio file upang lumikha ng isang ringtone sa iyong kagustuhan. Sa pamamagitan ng pagbili o pag-download ng ringtone, maaaring ito ay isang buong-haba na bersyon ng kanta, o maaaring ito ay ang 30 segundong clip lang na hindi masyadong nako-customize. Ang paggamit ng pag-trim ng isang ringtone ay maaaring magbigay-daan sa iyong pumili ng isang seksyon ng audio file. Ang seksyon na karaniwang pinuputol upang makagawa ng isang ringtone ay isang kaakit-akit na melody o koro ng iyong kagustuhan na kanta. Ngayon, maraming mga smartphone at app ang binuo upang payagan ang user na madaling mag-trim at mag-customize ng mga ringtone sa pamamagitan ng pagsasaayos sa simula at dulo ng audio file. Ang prosesong ito ay ginawa sa pamamagitan ng paggamit ng visual na interface na nagbibigay-daan sa user na tingnan ang waveform ng audio file at i-trim ito ayon sa kanilang kagustuhan. Ito ay isang kasiya-siyang tool. Madali kang makakapagpatuloy sa lahat ng iyong mga papasok na notification at magsaya sa iba't ibang mga ringtone. Binibigyang-daan ka ng tool na ito na i-customize ang lahat ng iyong audio notification para malaman mo kung ano ang kalalabas lang ng ringtone. I-customize ang bawat ringtone para sa iba't ibang notification gaya ng papasok na mail, papasok na text, mga post sa Facebook, Instagram, Twitter, mga alerto sa panahon, atbp. Bilang karagdagan sa mga karaniwang ringtone, maaari mo ring i-trim ang isang paboritong kanta o audio file upang mag-play lang ito ng maikling piraso. Ang paggamit ng pag-trim ng isang ringtone ay maaaring magbigay-daan sa iyo na pumili lamang ng isang seksyon ng audio file o isang taludtod sa halip na ang buong kanta. Ang seksyon na karaniwang pinuputol upang makagawa ng isang ringtone ay isang kaakit-akit na melody o koro ng iyong kagustuhan na kanta. Marahil ang iyong kanta sa kasal kapag tumatawag o nagte-text sa iyo ang iyong asawa, o ang paboritong kanta ng iyong ina kapag tumatawag o nagte-text siya sa iyo. Maaaring hindi alam ng karamihan ng mga tao na maraming mga smartphone at app ang binuo upang payagan ang user na madaling mag-trim at mag-customize ng mga ringtone sa pamamagitan ng pagsasaayos sa simula at pagtatapos ng audio file. Ang prosesong ito ay ginawa sa pamamagitan ng paggamit ng visual na interface na nagbibigay-daan sa user na tingnan ang waveform ng audio file at i-trim ito ayon sa kanilang kagustuhan. Nagbibigay-daan sa iyo ang waveform ng audio na makita kung saan mismo magsisimula ang gustong lyrics o melody, at pagkatapos ay maaari kang pumili kung saan mo gustong magtapos.
Naniniwala ka ba na ang musika ay laging lumilikha ng mga himala at kapayapaan sa puso? At ang istilong hip-hop Ito ay isa pa ring genre na gusto pa rin ng mga tao sa bawat panahon. At hindi rin maitatanggi na ang bawat istilo ng musika ay may pabango pa rin na nakapaloob sa kultura at pagkakaiba-iba ng mga tao sa himig ng musika. At iyon ang dahilan kung bakit laging pinag-uusapan ang hip-hop. Malinaw na ang pakikinig sa hip-hop na musika ay nagpaparamdam sa atin na palagi silang nagsasalita sa pamamagitan ng pag-awit at pakikipag-usap sa pamamagitan ng musika o mga ritmo ng musika na naaayon sa sitwasyon o mga taong nakikinig dito. Ang H Hip-hop noong 1970s ay napakasikat. At siyempre, sa bawat panahon, palaging may mga iregularidad. Ang musikang hip-hop ay hindi opisyal na naitala para sa radyo o telebisyon hanggang 1979, karamihan ay dahil sa kahirapan sa panahon ng kapanganakan nito at ang kakulangan ng pagtanggap mula sa komunidad ng mga itim. Ang genre na ito ay nagsimulang kumalat sa pamamagitan ng mga saradong partido sa buong komunidad ng mga itim. Ito ay isang bagay na nagpapakita sa atin ng kahalagahan ng isang grupo ng mga tao na may pagkakaiba-iba. Anuman ang istilo ng musikang pakikinggan mo, palagi tayong matututo mula sa mga pagkakaiba upang maging maganda.
E veivakauqeti se tekivu vakacava na ivakatagi pop? Ka sa dina beka ni sa rawarawa sara me rogoci ka vakarorogotaki vei ira na veitabayabaki kecega? Baleta e levu era vakabauta ni ivakatagi e tekivu mai na itovo vakavanua kei na droini e dau lako vata mai. Ka sa vakacava tikoga e dua na sere catchy vei ira na dau taleitaka na ivakatagi?, o cei e kila se na ivakarau ni ivakatagi pop e dina ni gauna oqo se vakaitaukei? Na kena dina, na ivakatagi pop sa veisau vata kei na kena ivakamacala. Me vaka e tukuna na dauvolaivola ni ivakatagi o Bill Lamb, na ivakatagi pop e “mataqali ivakatagi kece me tekivu mai na Veisau ni Cakacaka ena veiyabaki ni 1800 vakacaca e tautauvata sara ga kei na ka era taleitaka kei na ka era taleitaka na ilawalawa e lomadonu ni koro lelevu.” Na vosa “ivakatagi pop” a vakayagataki taumada ena 1926 me kena ibalebale na ivakatagi e “taleitaki vei ira na lewe vuqa. ” Erau kaya o Hatch kei Millward ni vica na ka e yaco ena itukutuku ni katoni ni 1920 vakacaca e nanumi ni vanua e sucu kina na ivakatagi ni pop ni gauna oqo, wili kina na ivakatagi ni vanua, blues, kei na ivakatagi ni veiulunivanua. Na ivakatagi pop e buli me dua na sasaga, sega ni dua na iwalewale ni droini,” qai “vakarautaki me taleitaki vei ira kece,” ia “e sega ni tekivu mai na dua ga na vanua se vakaraitaka e dua na ka e taleitaka.” E tomana o Frith, “Na ivakatagi pop e sega ni vakavuna e dua na gagadre levu, vakavo ga na tubu kei na isau vakabisinisi, kei na ivakatagi, e sega ni vakavuna e dua na gagadre levu, vakavo ga na rawaka vakabisinisi kei na isau.” Na ivakatagi pop e yavutaki ena veivakabulabulataki. E lako mai cake (mai vei ira na dauvolavola ni katokatoni, retio kei na dauvakatorocaketaka na koniseti) ka sega ni lako mai ra. E sega ni ivakatagi e caka vakataki koya, ia e ivakatagi e buli vakacakacaka ka vakarautaki, ka dau tukuni me vinaka duadua ni ivakatagi pop. Me vaka e tukuna o Frith, na itovo ni ivakatagi pop e oka kina na kena inaki me vakauqeti ira na vakarorogo raraba ka sega ni dua na subculture se vakasama vakatabakidua, kei na kena vakabibitaki na cakacaka ni liga ka sega ni ivakarau “vakaitaukei” vakamatanitu.
Kapag nag-imagine ka ng country song, ano ang naiisip mo? Para sa akin, ito ay isang awit na puno ng pagmamahal, init mula sa pamilya o sa gitna ng mga bukid sa kanayunan. Hindi natin maisip na sa tuwing makakarinig tayo ng isang awiting pambayan, ito ay magiging tensyonado o magiging tagasunod ng ganitong istilo ng musika. O isa pang pangalan na alam mo pa rin hanggang ngayon ay tinatawag na Country music. Ang bansa (tinatawag ding bansa at kanluran) ay isang genre ng musika na nagmula sa katimugang rehiyon ng Estados Unidos, parehong sa Timog at Timog-kanluran. Ang musika ng bansa, na unang ginawa noong 1920s, ay nakatuon sa pag-awit ng mga kanta na nagkukuwento tungkol sa buhay ng uring manggagawa at manggagawa sa Amerika. Mukhang napaka-interesante dahil hindi ko akalain na ang mga Amerikano ay isang bansang magkakaiba at may istilo ng musika na laging maganda sa mga pagkakaiba nito. At iyon ang nangyari. Ikaw ba ay tagasunod ng ganitong genre ng musika? At ang ikinagulat ko. Noong 2009 sa United States, ang country music ang pinakapinakikinggan ng musika sa oras ng rush hour sa gabing pag-commute at ito rin ang pangalawang pinakasikat na genre sa morning commute. Kilala ang country music sa mga ballad at dance songs nito ("honky-tonk songs") na may mga simpleng anyo at folk lyrics. At ang harmony ay karaniwang sinasabayan ng mga instrumento gaya ng banjo, fiddle, harmonica, at iba't ibang uri ng gitara (kabilang ang mga acoustic, electric, steel, at resonator guitar). Bagama't ang country music ay nag-ugat sa American folk music sa mga anyo tulad ng old-time at Appalachian, marami pang ibang tradisyon, gaya ng Mexican, Irish, at Hawaiian, ang nakaimpluwensya rin sa paglikha nito. Ang blues mode mula sa blues ay malawak ding ginagamit sa buong kasaysayan. Siyempre, naniniwala ako na sa oras na makarating ka sa puntong ito sa iyong pagbabasa, maaaring medyo napapagod ka tungkol sa kung paano madalas na isinasama ng bawat genre ang kasaysayan at mga kultural na tradisyon. Ngunit naniniwala ako na doon nagsimula ang malapit na koneksyon sa pagitan ng mga konserbatibong halaga at kontemporaryong musika ng bansa, bilang tugon sa kilusang anti-digmaan noong 1960s. Hanggang noon, halos lahat ng musika ng bansa, na hanggang sa puntong iyon ay tinawag na katutubong bansa, ay walang malinaw na oryentasyong pampulitika at sa halip ay nakatuon sa mga pang-araw-araw na problema at pagkabalisa ng uring manggagawa. Ang 1969 album ni Merle Haggard na Okie mula sa Muskogee ay nagpakita ng country music na may tiyak na konserbatibo at pampulitikang pananaw, na sikat. Ang Pangulo ng Republikano na si Richard Nixon ay higit na pinalakas ang konserbatibong koneksyon sa musika sa mga taon ng kanyang panunungkulan. Madalas itong nagho-host ng mga kaganapan para sa mga musikero ng bansa, idineklara ang Oktubre 1970 bilang Buwan ng Musika ng Bansa, at umapela sa mga tagapakinig na nakakita ng musikang pangbansa bilang may motibasyon sa pulitika. Gayunpaman, sa ngayon, ang musika ng bansa ay kumalat sa maraming bansa sa Asya at maraming iba pang mga bansa na nakita ang musika ng bansa bilang patuloy na pinagmumulan ng karangalan.
Kapag narinig ng maraming tao ang genre ng musika, maaaring isipin ng maraming tao na ang rock music ay maaaring may mga kuwento o kulturang nakapaloob dito, at hindi kapani-paniwala na ang pinagmulan ng rock music ay nagmula sa Estados Unidos sa ilalim ng pangalang "rock and roll" noong huling bahagi ng 1940s at unang bahagi ng 1950s at umunlad sa maraming iba't ibang anyo mula noong kalagitnaan ng 1960s, karamihan sa United Kingdom. Ang rock ay nag-ugat sa rock and roll, isang anyo na direktang kumukuha mula sa mga itim na genre ng musika gaya ng blues, rhythm at blues, at country. Malaki rin ang impluwensya ng rock ng mga genre gaya ng electric blues at folk, at isinasama ang mga impluwensya mula sa jazz at iba pang istilo ng musika. Para sa mga instrumento, karaniwang nakatuon ang rock sa electric guitar, na kadalasang bahagi ng isang rock group na mayroong electric bass guitar, drums, at isa o higit pang mang-aawit. Ang rock ay karaniwang isang kanta na nagbibigay-diin sa pagkanta, na may 4-beat na ritmo at gumagamit ng tula at pagkakatugma ng pattern. Ngunit ang genre ay napaka-magkakaibang. Tulad ng pop music, ang mga lyrics ay may posibilidad na tumuon sa romantikong pag-ibig, ngunit pinag-uusapan din ang maraming iba pang mga tema, kadalasang panlipunan o pampulitika. Ang rock ay ang pinakasikat na genre ng musika sa Estados Unidos at sa buong Western world mula 1950s hanggang 2010s. Noong kalagitnaan ng dekada 1960, sinimulan ng mga musikero ng rock na itulak ang album sa solong bilang ang nangingibabaw na anyo ng naitala na pagpapahayag at pagkonsumo, kasama ang The Beatles na nangunguna sa singil. Ang kanilang trabaho ay nagdala ng genre sa mainstream na pagtanggap at nag-udyok sa mga dekada-mahabang album na naiimpluwensyahan ng panahon ng rock sa industriya ng musika. Noong huling bahagi ng 1960s, ang classic rock ay nagbunga ng ilang subgenre, kabilang ang mga hybrids gaya ng blues rock, folk rock, country rock at jazz rock, ang tumulong sa pagbuo ng psychedelic rock, na naiimpluwensyahan ng psychedelic at hippie counterculture movements. Lumitaw ang mga mas bagong genre, kabilang ang progressive rock, na nagpalawak ng mga artistikong elemento, heavy metal, na nagbibigay-diin sa matitigas na tunog, at glam rock, na nagbibigay-diin sa pagganap at visual na istilo.
Pagdating sa genre ng musika, ang ritmo at asul ay hindi isang bagay na pamilyar sa maraming tao. Gayunpaman, karamihan sa mga tao ay may posibilidad na paikliin ito sa R&B o R'n'B. Ang sikat na genre ng musika ay nagmula sa itim na komunidad noong 1940s. Nagsimulang ilarawan ng mga kumpanya ng rekord ang mga pag-record na pangunahing ibinebenta sa mga itim. Sa panahon ng pag-usbong ng "heavy, sustained jazz-rock" noong 1950s at 1970s, ang mga banda ay karaniwang binubuo ng piano, isa o dalawang gitara, bass, drum, isa o higit pang saxophone, at minsan ay isang backup na mang-aawit. Ang mga lyrics ng R&B ay kadalasang nagbubuod sa kasaysayan at mga karanasan ng mga itim sa Amerika, kabilang ang sakit, ang paghahanap para sa kalayaan at kaligayahan, pati na rin ang mga tagumpay at kabiguan sa mga tuntunin ng kapootang panlahi, pang-aapi, relasyon, ekonomiya, at panlipunang adhikain. Kita n'yo, sa wakas ay mayroon na tayong genre ng musika na sumasalamin sa paraan ng pamumuhay ng isang grupo sa isang lipunan na matindi at magkakaibang, na sumasama sa lahat ng uri ng musika at, siyempre, ang paggawa ng "ritmo at asul" ay binago ang kahulugan nito nang maraming beses. Noong unang bahagi ng 1950s, ang termino ay kadalasang ginagamit para sa mga blues record. Noong kalagitnaan ng 1950s, pagkatapos tumulong ang musikang ito sa pagbuo ng rock and roll, ginamit ang terminong "R&B" sa mas malawak na konteksto, na tumutukoy sa isang istilo ng musika na nagmula at pinagsama ang electric blues, ebanghelyo, at kaluluwa. Noong 1970s, muling nagbago ang "rhythm and blues" at ginamit bilang isang kolektibong termino para sa soul at funk. Isang bagong istilo ng R&B na musika ang nabuo at naging kilala bilang "kontemporaryong R&B." Pinagsama ng kontemporaryong istilong ito ang R&B sa pop, disco, hip hop, soul, funk at electronic music. Inilapat ang R&B sa mga blues album noon. Tinukoy ng manunulat at producer na si Robert Palmer ang ritmo at blues bilang "isang kolektibong termino para sa lahat ng anyo ng musika na ginawa ng at para sa mga itim na Amerikano." Ginamit din niya ang terminong "R&B" bilang kasingkahulugan para sa jump blues. Gayunpaman, inihiwalay ng AllMusic ang termino mula sa jump blues dahil ang R&B ay may mas malaking impluwensya sa ebanghelyo.[16] Si Lawrence Cohn ang may-akda ng Nothing but the Blues, ay sumulat na ang "ritmo at asul" ay isang kumot na termino na naimbento para sa kaginhawahan ng industriya. Ayon sa kanya, ang termino ay sumasaklaw sa lahat ng itim na musika, maliban sa klasikal at relihiyosong musika, maliban kung ang musika ng ebanghelyo ay mahusay na naibenta upang maitala hanggang sa ika-21 siglo. Ang terminong R&B ay patuloy na ginamit (sa ilang konteksto) upang ikategorya ang musikang ginawa ng mga itim na musikero, na hiwalay sa mga istilong ginawa ng ibang mga musikero. Sa komersyal na ritmo at blues na musika, na nailalarawan noong 1950s at 1970s, ang mga banda ay karaniwang binubuo ng piano, isa o dalawang gitara, bass, drum, at saxophone. Ang mga pagsasaayos ay inensayo sa isang bare minimum, at kung minsan ay kasama ang mga backup na mang-aawit. Ang mga simple at paulit-ulit na bahagi ay pinagsama-sama, na lumilikha ng momentum at maindayog na pagtugtog na lumikha ng malambot, melodiko, at kadalasang hypnotic na texture habang binibigyang pansin ang mga indibidwal na boses, kahit na ang mga mang-aawit ay emosyonal na nakatuon sa mga liriko, kadalasang matindi. Ngunit nanatili silang cool, relaxed, at kontrolado. Ang banda ay nagsuot ng mga suit at uniporme, isang kasanayan na nauugnay ay sikat na musika na nais ng mga musikero ng R&B na dominahin. Ang mga liriko ay madalas na nagbabala, at ang musika ay madalas na sinusunod ang mga predictable na pattern at istruktura ng chord. Ang mga liriko ng R&B ay madalas na nakapaloob sa mga masasakit na karanasan ng mga African American. Ang isang publikasyong Smithsonian ay nagbubuod sa mga pinagmulan ng genre noong 2016: “Ang musikang African American, partikular, na iginuhit sa malalim na mga sangay ng pagpapahayag ng African American, ay isang pagsasanib ng ebanghelyo, jump blues, big band swing, boogie, at blues na nabuo sa loob ng tatlumpung taon na sumaklaw sa panahon ng legal na musika.
Ang mga elektronikong instrumento ay malawakang ginagamit sa halos lahat ng anyo ng musika. Sa sikat na musika, gaya ng electronic dance music, halos lahat ng naitala na tunog ay electronic (hal. bass synths, synthesizers, drum machines). Ang pagbuo ng mga bagong elektronikong instrumento, controller, at synthesizer ay nananatiling aktibo at multidisciplinary na lugar ng pananaliksik. Ang International Conference on New Interfaces for Musical Expression, ay ginanap upang mag-ulat tungkol sa makabagong gawain at ipakita ang mga artist na gumaganap o lumikha ng musika gamit ang mga bagong electronic na instrumento, controller, at synthesizer. At ngayon para sa mas matinding nilalaman sa paksang ito sa musika. Ang isang malaking bagong pag-unlad ay ang pagdating ng mga computer para sa layunin ng pagbubuo ng musika. Sa halip na kontrolin o bumuo ng mga tunog, pinasimunuan ni Iannis Xenakis ang tinatawag niyang Musique Stochastique, o random na musika, isang paraan ng pagbubuo ng musika na gumagamit ng mga mathematical probability system. Iba't ibang probabilistic algorithm ang ginamit upang makabuo ng mga gawa sa loob ng isang set ng mga parameter. Gumamit si Xenakis ng graphing paper upang makatulong na kalkulahin ang mga velocity path ng glissando para sa kanyang orchestral piece na Metastasis (1953–54), ngunit kalaunan ay bumaling sa mga computer para sa komposisyon, tulad ng ST/4 para sa string quartet at ST/48 para sa orkestra (parehong 1962). Ang epekto ng mga computer ay nagpatuloy noong 1956 nang binubuo nina Lejaren Hiller at Leonard Issacson ang Illiac Suite para sa string quartet. Ito ang unang kumpletong gawain ng computer-aided composition gamit ang algorithmic composition. Noong 1957, isinulat ni Max Matthews ng Bell Lab ang MUSIC-N series, ang unang computer program para sa pagbuo ng mga digital sound wave sa pamamagitan ng direktang synthesis. Pagkatapos ay isinulat ni Barry Vercoe ang MUSIC 11, batay sa susunod na henerasyong music synthesis program na MUSIC IV-BF (sa kalaunan ay naging csound, na malawakang ginagamit pa rin). Noong kalagitnaan ng 1980s, si Miller Puckett ng IRCAM ay nakabuo ng isang graphical signal processing software para sa 4X na tinatawag na Max (pagkatapos ng Max Matthews), at kalaunan ay inilipat ito sa Macintosh (na pinalawig ito ni Dave Ciccarelli para sa Opcode[39]) upang kontrolin ang MIDI sa real time, na ginagawang accessible ang algorithmic composition ng karamihan sa mga kompositor na may intermediate na antas ng computer programming.
Ang House ay electronic dance music na may paulit-ulit na four-beat na ritmo at pangkalahatang tempo na 115–130 beats bawat minuto. Ito ay pinaniniwalaan na kapag narinig ng maraming tao ang genre na ito, madalas nilang iniisip na ito ay maaaring naimbento o nilikha mula sa paggawa ng musika sa bahay o mula sa kultura ng pamilya o mula sa mga tao sa bahay. Ngunit sa katunayan, ang genre na ito ay nilikha ng mga DJ at producer ng musika mula sa kultura ng underground club ng Chicago at unti-unting nabuo noong unang bahagi ng kalagitnaan ng 1980s nang magsimulang baguhin ng mga DJ ang disco music upang magkaroon ng mas mekanikal na ritmo. Noong unang bahagi ng 1988, naging mainstream ang House at pinalitan ang mga pangkalahatang ritmo ng dekada 80. Kung maghuhukay tayo ng kaunti, sa katunayan, sa pinaka-pangkalahatang anyo nito, ang genre ay nailalarawan sa pamamagitan ng paulit-ulit na 4/4 beat, bass drum, off-beat hi-hat, snare drum, claps, at/o slaps sa tempo sa pagitan ng 120 at 130 beats kada minuto (bpm), synthesizer riffs, isang malalim na bassline, at madalas na sinasalita, isang malalim na bassline, at madalas na sinasalita. vocals. Sa bahay, ang bass drum ay karaniwang tinutugtog sa beats 1, 2, 3, at 4, at ginagamit ang snare drum, claps, o mas mataas na tono na percussion instrument sa beats 2 at 4. Ang drum beats sa house music ay karaniwang mga electronic drum machine, kadalasan ang Roland TR-808, TR-907, o TR-709. Ang mga claps, shake, snare drum, o hi-hat na tunog ay ginagamit upang magdagdag ng syncopation. Ang mga signature rhythmic riff, lalo na sa unang bahagi ng Chicago house, ay itinayo kasama ng clave pattern, kung minsan ay may mga congas at bongos na idinagdag para sa isang African sound. O metallic percussion para sa Latin na pakiramdam.
Electronic dance music Sa katunayan, saan nagmula at nagmula ang pinagmulan ng electronic dance music genre? Mula sa may-akda, noong ako ay ipinanganak, narinig ko ang genre ng musika. It made me see it as an international thing that comes from Europe and that people know as the music genre (EDM) or the name that can be called dance music or music that nightlife lovers and passionate about music, club melody. Siyempre, ito ay iba't ibang electronic percussive na musika na nilikha para sa mga nightclub, rave at mga festival ng musika. Ito ay karaniwang ginawa para sa pagtugtog ng mga DJ na gumagawa ng walang putol na seleksyon ng mga kanta na tinatawag. DJ mix sa pamamagitan ng pagbabago mula sa isang recording patungo sa isa pa. Ang controller ng programa, kadalasan ang hindi kilalang bayani ng mundo ng EDM, ay ang utak sa likod ng paggawa ng genre na ito. Ang EDM ay hindi lamang nakakulong sa studio; nabubuhay ito sa anyo ng mga live na pagtatanghal sa mga konsyerto o festival, isang format na madalas na tinutukoy bilang isang live na PA. Sa pagsasalita tungkol sa siglo mula nang mabuo ito, lumawak ang EDM. Naging popular ang EDM sa Europe noong huling bahagi ng 1980s at unang bahagi ng 1990s pagkatapos ng paglitaw ng mga rave, pirate radio music, cloud party, underground festival, at tumaas na interes sa kultura ng club. Gayunpaman, ang kultura ng rav ay hindi gaanong popular sa Estados Unidos. Karaniwang hindi karaniwan sa labas ng mga panrehiyong eksena sa New York City, Florida, Midwest, at California. Bagama't naimpluwensyahan ng electro, Chicago house, at Detroit techno ang Europa at Estados Unidos, ang mainstream media at ang industriya ng rekord ng U.S. ay nanatiling hayagang hindi sumasang-ayon sa genre hanggang sa 1990s at higit pa. Nagkaroon din ng lumalaking kamalayan sa koneksyon ng EDM sa kultura ng droga, na humahantong sa mga pamahalaan ng estado at lungsod na magpasa ng mga batas at patakaran na naglalayong pigilan ang paglaganap ng kulturang rave. Naku, parang kapana-panabik at nakakagulat sa akin. Talaga bang maipapakita ng mga genre ng musika ang mga personalidad ng mga taong nakikinig sa kanila? Nang maglaon sa bagong milenyo, ang katanyagan ng EDM ay lumago sa buong mundo, partikular sa United States at Australia. Noong unang bahagi ng 2010s, itinulak ng industriya ng musika ng Amerika at media ng musika ang mga terminong "electronic dance music" at ang acronym na "EDM" upang muling i-brand ang American rave culture. Sa kabila ng mga pagtatangka ng industriya na i-brand ang EDM bilang iisang genre, patuloy na ginagamit ang acronym bilang isang payong termino para sa ilang genre, kabilang ang dance-pop, house, techno, electro, at trance, pati na rin ang mga kaugnay na subgenre. Ang lahat ay nauna sa acronym. Ang kapanganakan ng bawat genre ng musika ay hindi lamang may kuwento at nagmula sa panahon ng Samui, ngunit ito rin ay sumasalamin sa halaga ng paggamit ng musika upang pagalingin ang kaluluwa ng tao at naging isang kasaysayan na sa madaling sabi ay naibuod ko sa artikulo. History Electronic Music at Kasaysayan ng mga DJ Iba't ibang genre ng EDM ang nabuo sa nakalipas na 40 taon, kabilang ang house, techno, drum at bass, dance-pop, at higit pa. Ang mga pagbabago sa istilo sa loob ng mga kasalukuyang genre ng EDM ay maaaring humantong sa paglitaw ng tinatawag na mga subgenre. Ang pagsasanib ng mga elemento ng dalawa o higit pang mga genre ay maaaring humantong sa paglitaw ng isang ganap na bagong genre ng EDM.
Pagdating sa pagkakakilanlan ng genre ng musika ng Dubstep, maaaring hindi ito masyadong pamilyar sa mga tagahanga ng genre ng musikang ito. Sa pagiging kakaiba at katangian nito, ito ay katulad ng electronic dance music na nagmula sa South London noong unang bahagi ng 2000s. Ang istilong ito ay lumitaw mula sa sanga ng musika sa garahe sa UK, na pinagsama ang 2-step na beats at soft dub production. Sa UK, ang pinagmulan ng genre na ito ay mula sa paglago ng Jamaican sound system party scene noong unang bahagi ng 1980s. Nailalarawan ang Dubstep sa pamamagitan ng paggamit ng mga naka-sync na pattern ng ritmo, mga kilalang linya ng bass, at madilim na tono. Noong 2001, nagsimulang ipakita at i-promote ang underground sound na ito at iba pang genre ng garahe sa Plastic People nightclub sa London, sa 'Forward' (minsan FWD>>), at sa pirata radio station na Rinse FM, na kalaunan ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa pagbuo ng dubstep na musika. Half-Time na ritmo: Ang Dubstep ay madalas na gumagamit ng mga ritmo na parang kalahating oras na ritmo (kahit na sila ay talagang mabilis), tulad ng sa halimbawang ito na nagpapaliwanag na ang kanta ay may 71 bpm na tempo, na parang kalahati ng oras ng mas mabilis na tempo (142 bpm). Isa ito sa mga technique na nakakatulong na lumikha ng tensyon at kapangyarihan sa kanta. Sub-Bass: Ang kakaibang mababa at makapal na tunog ng bass ng Dubstep ay may malakas na vibration at maaaring pisikal na maramdaman. Ang paggamit ng solid bass na ito ay nagbibigay sa kanta ng higit na lalim at lakas. Mga Na-clip na Sample: Madalas na gumagamit ang Dubstep ng maikli, pinutol o "na-clipped" na mga tunog upang magdagdag ng interes sa beat at tunog, na nagbibigay dito ng pabagu-bago o hindi pantay na pakiramdam. Sa tingin ko habang binabasa mo ang artikulong ito, magsisimula kang mapagtanto na ang mga genre ay madalas na inangkop at manipulahin upang lumikha ng isang aesthetic na apela para sa mahilig sa musika, at ito ay isang bagay na tunay na kakaiba na nilikha sa anyo ng isang genre na nakikilala at natatangi, at oo, kung minsan. Vocal Chops: Ang Dubstep ay maaaring magkaroon ng mga vocal na pinutol at nasira, na nagbibigay sa musika ng mas malalim na lalim at kapaligiran.
Ano ang Trap music kung saan ito nagmula, at para saan nilikha ang genre na ito? Ang Genre na Nagbago sa Industriya ng MusikaTrap Music ay lumitaw noong unang bahagi ng 2000s, na nagmula sa Atlanta, Georgia, USA. Ang terminong "trap" ay nagmula sa slang para sa drug dealing sa US, na isa sa mga pangunahing tema na makikita sa uri ng musikang ito. Ang trap music ay nailalarawan sa pamamagitan ng 808 drums, hi-hat, snare rolls at synthesizers o melodies. Ang mga ritmo ng mga kanta ay nakaayos sa isang kapana-panabik na paraan. Ito ay humantong sa isang pagtaas ng katanyagan sa parehong mga hip-hop artist at producer mula sa iba pang mga genre. Ang Pinagmulan at Paglago ng Trap Music. Unang nakilala ang Trap noong 2003-2005. Ang mga unang artist na tumulong sa paglikha at pagpapasikat ng genre ay ang T.I., Gucci Mane, at Young Jeezy. Sa partikular, ang 2003 album ng T.I. na Trap Muzik ay naging instrumento sa opisyal na pagtukoy sa terminong "Trap Music" bilang isang genre.
Kung hindi ka pamilyar sa genre ng katutubong musika ngayon, dadalhin kita upang tuklasin ito nang malalim na may buod na parehong makikita ng may-akda at ng mga mambabasa. Maraming tao na nakikinig sa ganitong uri ng musika ay naniniwala na. Ang Folk Music ay isang genre na sumasalamin sa kultura at paraan ng pamumuhay, na nag-ugat sa mga tradisyon at kultura ng bawat lokalidad. Halimbawa, ang Irish folk song na 'The Parting Glass' o ang American folk song na 'This Land Is Your Land' ay naghahatid ng mga kuwento ng mga tao, ang kanilang paraan ng pamumuhay, paniniwala, at mga karanasan na naipasa mula sa henerasyon hanggang sa henerasyon. Noong ika-20 siglo, ang katutubong musika ay muling nabuhay, lalo na sa Estados Unidos at Europa. Ang mga artist na gumanap ng mahalagang papel sa pagdadala ng Folk sa mainstream ay sina Bob Dylan, Joan Baez, at Woody Guthrie. Ang katutubong musika ay hindi lamang isang genre, ngunit isang tool para sa pagkukuwento tungkol sa lipunan. Ito ay isang midyum na ginagamit upang ipakita ang mga problema at damdamin ng mga tao sa bawat panahon. Halimbawa, ang mga awiting bayan ay ginamit upang tugunan ang mga isyung panlipunan tulad ng kahirapan, digmaan, at karapatang sibil. Maging ito ay mga katutubong awit na nagpapakita ng mga suliraning panlipunan, tradisyonal na mga awiting bayan, o musika na pinagsama sa modernong musika, ang Folk Music ay gumaganap pa rin ng isang mahalagang papel sa industriya ng musika sa buong mundo at kumalat nang hindi kapani-paniwala. Kaya naman ang mga katangian ng katutubong musika ay ang mga awiting nagsasabi ng mga kuwento ng mga tao tulad ng pag-ibig, trabaho, kaligayahan at kalungkutan, at mga makasaysayang pangyayari. Sa mga simpleng himig, ang mga instrumentong pang-acoustic tulad ng gitara, biyolin, banjo, mandolin, at plauta ay kadalasang ginagamit. Ito ay ipinasa sa pamamagitan ng salita ng bibig bago itala bilang mga tala o naitala sa makabagong panahon. Na may mga natatanging katangian ng mga bansang Irish, musikang Espanyol, at kultura ng Thai para sa bawat bansa. musikang flamenco.Kung nabasa mo na ito, naranasan mo na at napagtanto mo na ang katutubong musika ay laging may mga kwentong naglalaman ng magandang enerhiya.
Paano ba talaga nakaimpluwensya o nagmula ang pop music? At totoo bang madali itong marinig at pakinggan sa lahat ng edad? Dahil karamihan sa mga tao ay naniniwala na ang musika ay nagmula sa kultura at sining na laging magkasama. At paano pa rin ito kaakit-akit na kanta para sa mga mahilig sa musika?, sino ang nakakaalam kung ang istilo ng pop music ay tunay na moderno o konserbatibo? Sa katunayan, ang pop music ay umunlad kasama ang kahulugan nito. Gaya ng sinabi ng manunulat ng musika na si Bill Lamb, ang pop music ay "lahat ng anyo ng musika mula noong Rebolusyong Industriyal noong 1800s na halos kapareho ng mga panlasa at interes ng gitnang uri ng lungsod." Ang terminong "pop music" ay unang ginamit noong 1926 upang nangangahulugang musika na "popular sa mga masa." ” Nagtatalo sina Hatch at Millward na ang ilang mga kaganapan sa kasaysayan ng pag-record noong 1920s ay itinuturing na lugar ng kapanganakan ng modernong industriya ng pop music, kabilang ang bansa, blues, at hillbilly. Ang musikang pop ay ginawa bilang isang pagsisikap, hindi bilang isang anyo ng sining," at "dinisenyo upang maakit sa lahat," ngunit "hindi nagmula sa alinmang lugar o nagpahayag ng anumang partikular na panlasa." Idinagdag ni Frith, "Ang pop music ay hindi hinihimok ng anumang mahusay na ambisyon, maliban sa kita at komersyal na mga gantimpala, at sa musika, hindi ito hinihimok ng anumang mahusay na mga ambisyon, maliban sa komersyal na pakinabang at mga gantimpala." Ang musikang pop ay pangunahing konserbatibo. Ito ay nagmumula sa itaas (sa pamamagitan ng mga record label, radyo at mga tagataguyod ng konsiyerto) sa halip na mula sa ibaba. Hindi ito sariling gawang musika, ngunit sa halip ay gawa ng propesyonal at naka-package na musika, at kadalasang binabanggit bilang pinakamahusay sa pop music. Gaya ng sinabi ni Frith, kasama sa mga katangian ng musikang pop ang layunin nitong makaakit sa pangkalahatang madla sa halip na isang partikular na subkultura o ideolohiya, at ang pagbibigay-diin nito sa pagkakayari kaysa sa mga pormal na katangiang "artistic".
