Соединенные Штаты
Без результатов
Существует новый формат кодирования звука под названием .flac. Это означает «Бесплатный аудиокодек без потерь». Фонд Xiph.org был основан и развит в 1994 году. Фонд Xiph.org — это некоммерческая организация, которая производит программные инструменты с открытым исходным кодом, а также мультимедийные форматы. Flac — это форма аудиокодирования для файлов, сжатых без потерь. Когда это было разработано, оно было доступно как бесплатная программа. Flac имеет возможность сжимать и уменьшать размер файла от 50% до 70% по сравнению с WAV или другими форматами без потерь, а также воспроизводить звук без потерь. Это отличный инструмент, если вы ограничены в пространстве или не хотите использовать WAV из-за большого размера файлов. Flac обеспечивает сжатие без ущерба для качества. Уменьшение размера с 50% до 70% могло бы предоставить дополнительное пространство для других приложений, чего он не смог бы получить, используя WAV. Без потерь означает отсутствие потери качества звука и является стандартом в музыкальной индустрии. Flac обеспечивает большое преимущество для многих приложений.
MP3, также известный как MPEG Layer 3, представляет собой формат цифровых аудиофайлов, в котором хранятся и совместно используются аудиофайлы. Кбит/с, известный как килобиты в секунду, относится к «битрейту», который представляет собой качество аудиофайла и размер сжатия. 128 КБ — это размер файла MP3 со скоростью передачи данных 128 килобит в секунду. Это немного по сравнению с 256 или 320, которые являются относительно более высоким качеством аудиоформата MP3. Это делает размер файла более эффективным для хранения и обмена через Интернет. Негативным эффектом этого будет то, что более низкий битрейт приведет к снижению качества аудиофайла.
MP3 256 КБ — это битрейт файла MP3, который позволяет обрабатывать определенный объем данных в секунду при воспроизведении звука. Чем выше битрейт, тем больше размер файла. Это приводит к улучшению качества. Размер файла 256 КБ означает, что аудиофайл имеет битрейт 256 килобит в секунду. Это намного больше по сравнению, например, с файлом размером 64 КБ, который обычно соответствует размеру файла мелодии звонка. Обоснование «качества звука» зависит от таких факторов, как настройки кодирования, устройства воспроизведения и исходный материал. Предпочтение качества звука зависит от того, как распространяется аудиофайл. Например, запись аудиофайла в студии звукозаписи (.wav) по сравнению с цифровой загрузкой (128–320 КБ).
Случай 320 КБ относится к размеру файла со скоростью передачи данных 320 килобит в секунду, что является самым высоким битрейтом среди файлов MP3, доступных для загрузки. Более высокий битрейт, например 320 КБ, приводит к лучшему качеству, поскольку для кодирования аудиоинформации используется больше данных. При размере 320 КБ аудиофайл может быть более высокого качества, чем 128 или 256. Однако важно отметить, что качество аудиофайла зависит от других факторов, включая исходный материал, настройки кодирования и, самое главное, устройство воспроизведения.
Формат аудиофайла WAV или Waveform — это формат аудиофайла, который используется для хранения цифровых аудиозаписей с высочайшим качеством аудиофайлов. WAV — это файл без какого-либо сжатия. WAV записывается в исходном размере файла. IBM и Microsoft разработали WAV в начале 1990-х годов как стандарт хранения цифровых аудиофайлов на компьютерах. WAV имеет высочайшее качество; однако недостатком является то, что это также огромный файл. WAV не имеет метаданных. Метаданные идентифицируют такую информацию, как исполнитель, название, год, номер трека и т. д. WAV является отраслевым стандартом в производстве музыки из-за качества звука. Звукорежиссеры и музыкальные продюсеры утверждают, что он также обеспечивает более широкий динамический диапазон и глубину звука, недоступные в других форматах. WAV не просто стал стандартом для компьютерного хранения аудио; он стал форматом аудиофайлов высочайшего качества. Сегодня WAV является стандартным форматом аудиофайлов в музыкальной индустрии и представляет собой вершину качества аудиофайла. WAV можно использовать на любом устройстве, например DVD, телевизоре, iPad, компьютере и т. д. Раньше WAV был проблемой для смартфонов из-за размера, но теперь, когда телефоны могут хранить от 64 ГБ до 1 ТБ данных, это не так. дольше проблема.
Мелодия звонка и/или обрезка мелодии звонка — это процесс сокращения или вырезания части аудиофайла для создания мелодии звонка по вашему вкусу. Купив или загрузив рингтон, вы можете получить полную версию песни или просто 30-секундный клип, который меньше всего настраивается. Использование обрезки мелодии звонка может позволить выделить раздел аудиофайла. Часть, обычно обрезаемая для создания мелодии звонка, представляет собой запоминающуюся мелодию или припев вашей любимой песни. Сегодня разработано множество смартфонов и приложений, позволяющих пользователю легко обрезать и настраивать мелодии звонка, регулируя начальную и конечную точку аудиофайла. Этот процесс был выполнен с использованием визуального интерфейса, который позволяет пользователю просматривать форму аудиофайла и обрезать ее по своему усмотрению. Это приятный инструмент. Вы можете легко быть в курсе всех входящих уведомлений и получать удовольствие от различных мелодий звонка. Этот инструмент позволяет вам настроить все ваши звуковые уведомления, чтобы вы знали, что только что пришло, по мелодии звонка. Настройте каждую мелодию звонка для различных уведомлений, таких как входящая почта, входящий текст, публикации в Facebook, Instagram, Twitter, оповещения о погоде и т. д. В дополнение к стандартным мелодиям вы также можете обрезать любимую песню или аудиофайл, чтобы она просто воспроизводила небольшой отрывок. Использование обрезки рингтона может позволить вместо всей песни выделить только часть аудиофайла или куплет. Часть, обычно обрезаемая для создания мелодии звонка, представляет собой запоминающуюся мелодию или припев вашей любимой песни. Может быть, ваша свадебная песня, когда муж звонит или пишет вам, или любимая песня вашей мамы, когда она звонит или пишет вам. Большинство людей, возможно, не знают, что многие смартфоны и приложения были разработаны, чтобы позволить пользователю легко обрезать и настраивать мелодии звонка, регулируя начальную и конечную точку аудиофайла. Этот процесс был выполнен с использованием визуального интерфейса, который позволяет пользователю просматривать форму аудиофайла и обрезать ее по своему усмотрению. Форма звуковой волны позволяет вам увидеть, где начинается предпочтительный текст или мелодия, а затем вы можете выбрать, где именно вы хотите, чтобы она закончилась».
Вы верите, что музыка всегда творит чудеса и мир в сердце? И стиль хип-хопа Это по-прежнему жанр, который люди по-прежнему любят в каждую эпоху. И нельзя отрицать, что каждый стиль музыки по-прежнему имеет аромат, который заложен в культуре и разнообразии людей в мелодии музыки. И это делает хип-хоп по-прежнему всегда обсуждаемым. Очевидно, что прослушивание хип-хоп музыки заставляет нас всегда чувствовать, что они говорят через пение и общаются через музыку или музыкальные ритмы, которые соответствуют ситуации или людям, которые его слушают. Хип-хоп в 1970-х годах был очень популярен. И, конечно, в каждый период всегда есть нарушения. Хип-хоп музыку официально не записывали для радио или телевидения до 1979 года, в основном из-за бедности во время его зарождения и отсутствия принятия со стороны черного сообщества. Этот жанр начал распространяться через закрытые вечеринки по всему черному сообществу. Это одна из вещей, которая заставляет нас задуматься о важности группы людей, которые имеют разнообразие. Независимо от того, какой стиль музыки вы слушаете, мы всегда можем научиться на различиях, чтобы быть красивыми.
Как на самом деле зародилась и повлияла поп-музыка? И правда ли, что его легко слушать людям любого возраста? Потому что большинство людей верят, что музыка возникла из культуры и искусства, которые всегда существовали вместе. И как эта песня до сих пор цепляет меломанов? Кто знает, является ли стиль поп-музыки по-настоящему современным или консервативным? На самом деле поп-музыка развивалась вместе с ее определением. Как выразился музыкальный писатель Билл Лэмб, поп-музыка — это «все формы музыки со времен промышленной революции 1800-х годов, которые наиболее точно отражают вкусы и интересы городского среднего класса». Термин «поп-музыка» впервые был использован в 1926 году для обозначения музыки, «популярной среди масс». Хэтч и Миллуорд утверждают, что несколько событий в истории звукозаписи 1920-х годов считаются местом зарождения современной индустрии поп-музыки, включая кантри, блюз и хиллбилли. Поп-музыка создавалась как усилие, а не как форма искусства, и была «разработана так, чтобы понравиться всем», но «не возникла в каком-то одном месте и не выражала какой-то один конкретный вкус». Фрит добавляет: «Поп-музыка не движима какими-либо великими амбициями, кроме прибыли и коммерческих вознаграждений, и в музыкальном плане она не движима какими-либо великими амбициями, кроме коммерческой выгоды и вознаграждений». Поп-музыка по своей сути консервативна. Это идет сверху (от звукозаписывающих лейблов, радио- и концертных промоутеров), а не снизу. Это не самодельная музыка, а скорее профессионально спродюсированная и упакованная музыка, и ее часто называют лучшим образцом поп-музыки. По словам Фрита, отличительными чертами поп-музыки являются ее стремление апеллировать к широкой аудитории, а не к определенной субкультуре или идеологии, а также акцент на мастерстве, а не на формальных «художественных» качествах.
Когда вы представляете себе кантри-песню, что приходит вам на ум? Для меня это песня, наполненная любовью, теплом семьи или посреди полей в сельской местности. Мы не можем себе представить, что каждый раз, когда мы слышим кантри-песню, она заставит нас чувствовать себя напряженными или стать последователями этого стиля музыки. Или другое название, которое вы знаете до сих пор, называется кантри-музыка. Кантри (также называемое кантри и вестерн) — это музыкальный жанр, который возник в южном регионе Соединенных Штатов, как на Юге, так и на Юго-Западе. Кантри-музыка, которая впервые появилась в 1920-х годах, была сосредоточена на пении песен, которые рассказывали истории о жизни рабочего класса и рабочих в Америке. Это звучит очень интересно, потому что я не думал, что американцы — страна, которая разнообразна и имеет стиль музыки, который всегда прекрасен в своих различиях. И вот что произошло. Вы являетесь последователем этого жанра музыки? И что меня удивило. В 2009 году в Соединенных Штатах кантри-музыка была самой популярной музыкой в час пик во время вечерних поездок на работу и вторым по популярности жанром во время утренних поездок на работу. Кантри-музыка известна своими балладами и танцевальными песнями («песни хонки-тонк»), которые имеют простые формы и народные тексты. И гармония обычно сопровождается такими инструментами, как банджо, скрипка, губная гармошка и различные типы гитар (включая акустическую, электрическую, стальную и резонаторную гитары). Хотя кантри-музыка берет свое начало в американской народной музыке в таких формах, как старинная и аппалачская, на ее создание также повлияли многие другие традиции, такие как мексиканская, ирландская и гавайская. Блюзовый режим из блюза также широко использовался на протяжении всей истории. Конечно, я считаю, что к тому времени, как вы дойдете до этого момента в своем чтении, вы, возможно, немного пресытитесь тем, как каждый жанр часто включает в себя историю и культурные традиции. Но я считаю, что именно здесь началась тесная связь между консервативными ценностями и современной кантри-музыкой в ответ на антивоенное движение 1960-х годов. До этого почти вся кантри-музыка, которая до этого момента называлась фолк-кантри, не имела четкой политической ориентации и вместо этого фокусировалась на повседневных проблемах и тревогах рабочего класса. Альбом Мерла Хаггарда 1969 года Okie from Muskogee представил кантри-музыку с решительно консервативной и политической точки зрения, что было популярно. Президент-республиканец Ричард Никсон еще больше укрепил эту консервативную музыкальную связь за годы своего пребывания у власти. Он часто проводил мероприятия для кантри-музыкантов, объявил октябрь 1970 года Месяцем кантри-музыки и привлек слушателей, которые считали кантри-музыку политически мотивированной. Однако к настоящему времени кантри-музыка распространилась во многих странах Азии и во многих других странах, которые считали кантри-музыку постоянным источником почета.
Когда многие люди слышат этот музыкальный жанр, рок-музыка на самом деле может заставить многих людей думать, что в рок-музыке могут быть заложены истории или культуры, и невероятно, что рок-музыка зародилась в Соединенных Штатах под названием «рок-н-ролл» в конце 1940-х и начале 1950-х годов и развилась во множество различных форм с середины 1960-х годов, в основном в Соединенных Штатах и Соединенном Королевстве. Рок берет свое начало в рок-н-ролле, форме, которая напрямую черпает вдохновение из таких жанров черной музыки, как блюз, ритм-энд-блюз и кантри. Рок также находится под сильным влиянием таких жанров, как электрический блюз и фолк, и включает в себя влияния джаза и других музыкальных стилей. Что касается инструментов, рок обычно фокусируется на электрогитаре, которая часто является частью рок-группы, в которой есть электрическая бас-гитара, барабаны и один или несколько певцов. Рок — это, как правило, песня, в которой упор делается на пение, с 4-тактным ритмом и использованием куплетного и гармонического рисунка. Но жанр очень разнообразен. Как и в поп-музыке, тексты песен, как правило, сосредоточены на романтической любви, но также говорят о многих других темах, часто социальных или политических. Рок был самым популярным музыкальным жанром в Соединенных Штатах и во всем западном мире с 1950-х по 2010-е годы. К середине 1960-х годов рок-музыканты начали продвигать альбом, а не сингл как доминирующую форму записанного выражения и потребления, и The Beatles лидировали в этом. Их работа вывела жанр в мейнстримное признание и открыла десятилетнюю эру рока под влиянием альбомов в музыкальной индустрии. В конце 1960-х годов классический рок породил ряд поджанров, включая гибриды, такие как блюз-рок, фолк-рок, кантри-рок и джаз-рок, которые помогли развитию психоделического рока, на который повлияли психоделические и хиппи-контркультурные движения. Появились новые жанры, включая прогрессивный рок, который расширил художественные элементы, хэви-метал, который подчеркивал жесткое звучание, и глэм-рок, который подчеркивал исполнение и визуальный стиль.
Когда дело доходит до музыкального жанра, ритм-энд-блюз — это не то, с чем многие знакомы. Однако большинство людей склонны сокращать его до R&B или R'n'B. Популярный музыкальный жанр зародился в черном сообществе в 1940-х годах. Звукозаписывающие компании начали описывать записи, которые продавались в первую очередь чернокожим. Во время подъема «тяжелого, устойчивого джаз-рока» в 1950-х и 1970-х годах группы обычно состояли из фортепиано, одной или двух гитар, баса, барабанов, одного или нескольких саксофонов, а иногда и бэк-вокалиста. Тексты песен в стиле R&B часто обобщают историю и опыт чернокожих в Америке, включая боль, стремление к свободе и счастью, а также триумфы и неудачи с точки зрения расизма, угнетения, отношений, экономики и социальных устремлений. Видите ли, у нас наконец-то появился музыкальный жанр, который отражает образ жизни группы в обществе, которое является интенсивным и разнообразным, смешиваясь со всеми типами музыки и, конечно же, заставляя «ритм-энд-блюз» менять свое значение много раз. В начале 1950-х годов этот термин часто использовался для блюзовых записей. В середине 1950-х годов, после того как эта музыка помогла развиться рок-н-роллу, термин «R&B» стал использоваться в более широком контексте, ссылаясь на стиль музыки, который развился из и объединил электрический блюз, госпел и соул. В 1970-х годах «ритм-энд-блюз» снова изменился и использовался как собирательный термин для соула и фанка. Развился новый стиль музыки R&B, который стал известен как «современный R&B». Этот современный стиль объединил R&B с поп-музыкой, диско, хип-хопом, соулом, фанком и электронной музыкой. К тому времени R&B применялся к блюзовым альбомам. Писатель и продюсер Роберт Палмер определил ритм-энд-блюз как «собирательный термин для всех форм музыки, созданной чернокожими американцами и для них». Он также использовал термин «R&B» как синоним джамп-блюза. Однако AllMusic отделил этот термин от джамп-блюза, потому что R&B имел большее влияние госпела.[16] Лоуренс Кон, автор Nothing but the Blues, писал, что «ритм-энд-блюз» был общим термином, придуманным для удобства индустрии. По его словам, этот термин охватывал всю черную музыку, за исключением классической и религиозной музыки, если только госпел-музыка не продавалась достаточно хорошо, чтобы попасть в чарты вплоть до XXI века. Термин R&B продолжал использоваться (в некоторых контекстах) для классификации музыки, созданной чернокожими музыкантами, отдельно от стилей, созданных другими музыкантами. В коммерческой ритм-энд-блюзовой музыке, которая характеризовала 1950-е и 1970-е годы, группы обычно состояли из фортепиано, одной или двух гитар, баса, барабанов и саксофона. Аранжировки репетировались по минимуму, а иногда включали бэк-вокалистов. Простые, повторяющиеся части переплетались, создавая импульс и ритмичную игру, которая создавала мягкую, мелодичную и часто гипнотическую текстуру, привлекая внимание к отдельным голосам, хотя певцы были эмоционально вовлечены в тексты, часто интенсивно. Но они оставались спокойными, расслабленными и контролировали ситуацию. Группа носила костюмы и униформу, практика, которая ассоциировалась с популярной музыкой, в которой музыканты R&B стремились доминировать. Тексты песен часто были зловещими, и музыка часто следовала предсказуемым схемам аккордов и структурам. Тексты песен R&B часто воплощали болезненные переживания афроамериканцев. В публикации Смитсоновского института в 2016 году было подведено итоги происхождения жанра: «Афроамериканская музыка, в частности, опирающаяся на глубокие ветви афроамериканского самовыражения, представляет собой сплав госпела, джамп-блюза, свинга биг-бэнда, буги-вуги и блюза, который развивался в течение тридцатилетнего периода, охватывающего эпоху легальной музыки.
Электронные инструменты широко используются почти во всех формах музыки. В популярной музыке, такой как электронная танцевальная музыка, почти все записанные звуки являются электронными (например, басовые синтезаторы, синтезаторы, драм-машины). Разработка новых электронных инструментов, контроллеров и синтезаторов остается активной и междисциплинарной областью исследований. Международная конференция по новым интерфейсам для музыкального выражения проводится для того, чтобы сообщать о передовых работах и демонстрировать артистов, которые исполняют или создают музыку с помощью новых электронных инструментов, контроллеров и синтезаторов. А теперь более интенсивный контент по этой музыкальной теме. Крупным новым достижением стало появление компьютеров для сочинения музыки. Вместо того, чтобы контролировать или генерировать звуки, Яннис Ксенакис стал пионером того, что он назвал Musique Stochastique, или случайной музыкой, метода сочинения музыки, который использовал математические вероятностные системы. Различные вероятностные алгоритмы использовались для создания произведений в пределах набора параметров. Ксенакис использовал графическую бумагу для расчета скоростных траекторий глиссандо для своей оркестровой пьесы Metastasis (1953–54), но позже обратился к компьютерам для композиции, таким как ST/4 для струнного квартета и ST/48 для оркестра (обе 1962). Влияние компьютеров продолжилось в 1956 году, когда Лежарен Хиллер и Леонард Иссаксон сочинили Illiac Suite для струнного квартета. Это была первая полная работа по компьютерной композиции с использованием алгоритмической композиции. В 1957 году Макс Мэтьюз из Bell Lab написал серию MUSIC-N, первую компьютерную программу для генерации цифровых звуковых волн путем прямого синтеза. Затем Барри Верко написал MUSIC 11, основанную на программе музыкального синтеза следующего поколения MUSIC IV-BF (позже преобразованной в csound, которая до сих пор широко используется). В середине 1980-х годов Миллер Пакетт из IRCAM разработал графическое программное обеспечение для обработки сигналов для 4X под названием Max (в честь Макса Мэтьюза), а затем перенес его на Macintosh (Дэйв Чиккарелли расширил его до Opcode[39]) для управления MIDI в реальном времени, что сделало алгоритмическую композицию доступной для большинства композиторов со средним уровнем компьютерного программирования.
Хаус — это электронная танцевальная музыка с повторяющимся четырехдольным ритмом и общим темпом 115–130 ударов в минуту. Считается, что когда многие люди слышат этот жанр, они часто думают, что он мог быть изобретен или создан из создания музыки дома или из семейной культуры или от людей в доме. Но на самом деле этот жанр был создан диджеями и музыкальными продюсерами из андеграундной клубной культуры Чикаго и постепенно развивался в начале-середине 1980-х годов, когда диджеи начали менять диско-музыку, чтобы она имела более механический ритм. В начале 1988 года хаус стал мейнстримом и заменил общие ритмы 80-х. Если копнуть немного глубже, то, по сути, в самом общем виде жанр характеризуется повторяющимся ритмом 4/4, бас-бочкой, хай-хэтом вне ритма, малым барабаном, хлопками и/или шлепками в темпе от 120 до 130 ударов в минуту (bpm), риффами синтезатора, глубокой басовой линией и часто, но не обязательно, пропевным, речевым или сэмплированным вокалом. В хаусе бас-бочка обычно играется на ударах 1, 2, 3 и 4, а малый барабан, хлопки или более высокие ударные инструменты используются на ударах 2 и 4. Барабанные ритмы в хаус-музыке обычно представляют собой электронные драм-машины, как правило, Roland TR-808, TR-909 или TR-707. Хлопки, встряхивания, звуки малого барабана или хай-хэта используются для добавления синкопы. Фирменные ритмические риффы, особенно в раннем чикагском хаусе, построены по схеме клаве, иногда с добавлением конг и бонго для африканского звучания. Или металлической перкуссии для латинского настроения.
Электронная танцевальная музыка На самом деле, откуда возник и появился жанр электронной танцевальной музыки? От автора, когда я родился, я услышал этот музыкальный жанр. Это заставило меня увидеть его как нечто международное, пришедшее из Европы и известное людям как музыкальный жанр (EDM) или название, которое можно назвать танцевальной музыкой или музыкой, которую любят любители ночной жизни и увлечены музыкой, клубной мелодией. Конечно, это разновидность электронной ударной музыки, которая создается для ночных клубов, рейвов и музыкальных фестивалей. Обычно ее создают для игры диджеи, которые создают непрерывный набор песен, называемых DJ-миксом, переходя от одной записи к другой. Программный контроллер, часто невоспетый герой мира EDM, является вдохновителем производства этого жанра. EDM не ограничивается только студией; он оживает в форме живых выступлений на концертах или фестивалях, формат, который часто называют живым PA. Говоря о столетии с момента своего создания, EDM расширился. EDM стал широко популярен в Европе в конце 1980-х и начале 1990-х годов после появления рейвов, пиратской радиомузыки, облачных вечеринок, андеграундных фестивалей и возросшего интереса к клубной культуре. Однако рав-культура не пользуется большой популярностью в Соединенных Штатах. Она, как правило, не распространена за пределами региональных сцен в Нью-Йорке, Флориде, на Среднем Западе и в Калифорнии. Хотя электро, чикагский хаус и детройтское техно оказали влияние как на Европу, так и на Соединенные Штаты, основные средства массовой информации и американская звукозаписывающая индустрия продолжали открыто осуждать этот жанр до 1990-х годов и позже. Также росло понимание связи EDM с наркотической культурой, что привело к принятию правительствами штатов и городов законов и политик, направленных на прекращение распространения рейв-культуры. О, это звучит захватывающе и удивительно для меня. Могут ли музыкальные жанры действительно отражать личности людей, которые их слушают? Позже в новом тысячелетии популярность EDM выросла во всем мире, особенно в Соединенных Штатах и Австралии. В начале 2010-х годов американская музыкальная индустрия и музыкальные СМИ продвинули термины «электронная танцевальная музыка» и аббревиатуру «EDM» для ребрендинга американской рейв-культуры. Несмотря на попытки индустрии маркировать EDM как отдельный жанр, аббревиатура продолжает использоваться как обобщающий термин для нескольких жанров, включая танцевальную поп-музыку, хаус, техно, электро и транс, а также связанных с ними поджанров. Все они появились раньше аббревиатуры. Рождение каждого музыкального жанра не только имеет свою историю и берет начало в эпоху Самуи, но и отражает ценность использования музыки для исцеления человеческой души и стало историей, которую я кратко изложил в статье. История Электронная музыка и история диджеев За последние 40 лет развились различные жанры EDM, включая хаус, техно, драм-н-бэйс, танцевальную поп-музыку и другие. Стилистические изменения в существующих жанрах EDM могут привести к появлению так называемых поджанров. Слияние элементов двух или более жанров может привести к появлению совершенно нового жанра EDM.
Что касается идентичности музыкального жанра Dubstep, он может быть не очень знаком поклонникам этого жанра музыки. С его уникальностью и характеристиками он похож на электронную танцевальную музыку, которая возникла в Южном Лондоне в начале 2000-х годов. Этот стиль возник из ответвления гаражной музыки в Великобритании, которая сочетала 2-step биты и производство soft dub. В Великобритании истоки этого жанра были связаны с ростом ямайской сцены вечеринок sound system в начале 1980-х годов. Dubstep характеризуется использованием синкопированных ритмических рисунков, заметных басовых линий и темных тонов. В 2001 году этот андеграундный звук и другие гаражные жанры начали демонстрироваться и продвигаться в ночном клубе Plastic People в Лондоне, на мероприятии «Forward» (иногда FWD>>) и на пиратской радиостанции Rinse FM, которая позже оказала большое влияние на развитие музыки dubstep. Half-Time ритм: Дабстеп часто использует ритмы, которые ощущаются как ритмы половинного темпа (хотя они на самом деле быстрые), как в этом примере, который объясняет, что песня имеет темп 71 удар в минуту, что ощущается как половина времени более быстрого темпа (142 удара в минуту). Это один из приемов, который помогает создать напряжение и мощь в песне. Sub-Bass: Уникальный низкий и плотный басовый звук дабстепа имеет сильную вибрацию и может ощущаться физически. Использование этого твердого баса придает песне больше глубины и мощи. Clipped Samples: Дабстеп часто использует короткие, обрезанные или «обрезанные» звуки, чтобы добавить интереса к ритму и звучанию, придавая ему прерывистое или неровное ощущение. Я думаю, что по мере прочтения этой статьи вы начнете понимать, что жанры часто адаптируются и манипулируются, чтобы создать эстетическую привлекательность для любителей музыки, и это что-то действительно уникальное, что создается в форме жанра, который узнаваем и отличительн, и да, иногда. Вокальные фрагменты: в дабстепе вокал может быть обрезан и искажен, что придает музыке большую глубину и атмосферу.
Что такое трэп-музыка, откуда она взялась и для чего был создан этот жанр? Жанр, изменивший музыкальную индустрию Трэп-музыка появилась в начале 2000-х годов в Атланте, штат Джорджия, США. Термин «трэп» происходит от сленгового обозначения торговли наркотиками в США, что является одной из основных тем, встречающихся в этом типе музыки. Для трэп-музыки характерны 808-барабаны, хай-хэт, малые барабаны и синтезаторы или мелодии. Ритмы песен структурированы захватывающим образом. Это привело к всплеску популярности как среди хип-хоп-исполнителей, так и среди продюсеров других жанров. Происхождение и развитие трэп-музыки. Впервые трэп стал известен примерно в 2003-2005 годах. Первыми артистами, которые помогли создать и популяризировать жанр, были T.I., Gucci Mane и Young Jeezy. В частности, альбом T.I. 2003 года Trap Muzik сыграл важную роль в официальном определении термина «трэп-музыка» как жанра.
Если вы сегодня не знакомы с жанром фолк-музыки, я познакомлю вас с ним поближе, дав краткое изложение, которое и автор, и читатели найдут вместе. Многие люди, которые слушают этот тип музыки, считают, что. Фолк-музыка — это жанр, который отражает культуру и образ жизни, имеющий корни в традициях и культуре каждой местности. Например, ирландская народная песня «The Parting Glass» или американская народная песня «This Land Is Your Land» передают истории людей, их образа жизни, верований и опыта, которые передаются из поколения в поколение. И если говорить о развитии фолк-музыки, то фолк-музыка существует в каждой стране и развивалась в соответствии со временем. В 20 веке фолк-музыка значительно возродилась, особенно в Соединенных Штатах и Европе. Артистами, сыгравшими важную роль в том, чтобы фолк стал мейнстримом, были Боб Дилан, Джоан Баэз и Вуди Гатри. Фолк-музыка — это не просто жанр, а инструмент для рассказа историй об обществе. Это средство, используемое для отражения проблем и эмоций людей в каждую эпоху. Например, народные песни использовались для решения таких социальных проблем, как бедность, война и гражданские права. Будь то народные песни, отражающие социальные проблемы, традиционные народные песни или музыка, которая была объединена с современной музыкой, народная музыка по-прежнему играет важную роль в музыкальной индустрии во всем мире и невероятно распространилась. Я не могу поверить, что народная музыка на самом деле совершенно уникальна и представляет истории культуры, которые захватывают слушателей. Вот почему характерные черты народной музыки — это песни, которые рассказывают истории о людях, такие как любовь, работа, счастье и горе, и исторические события. С простыми мелодиями часто используются акустические инструменты, такие как гитары, скрипки, банджо, мандолины и флейты. Она передавалась из уст в уста, прежде чем была записана в виде нот или записана в современную эпоху. С уникальными характеристиками для каждой культуры, такими как ирландская народная музыка, американский блюграсс, тайская кантри-музыка или испанская музыка фламенко. Если вы дочитали до этого места, вы уже почувствовали и поняли, что народная музыка всегда имеет истории, которые содержат хорошую энергию.
Невозможно отрицать, что путешествия по миру делают город незабываемым, и я считаю, что если вы путешествовали по любой южной стране Америки, вы определенно знакомы с латиноамериканской музыкой. Даже если вы с ней не знакомы, местные жители и горожане, сохранившие местную музыку, наверняка смогут познакомить вас со звуками латиноамериканской музыки. Вот почему латиноамериканская музыка продолжает оставаться популярной и по сей день и становится все более популярной даже после переезда в Америку. Я думаю, вам тоже понравится такая музыка, потому что в ней есть вставки на испанском или португальском языке, что делает ее еще более запоминающейся. Золотой век латиноамериканской музыки начался в 1997 году, когда NARAS основал Latin Recording Academy (LARAS) в попытке расширить свою деятельность как в Латинской Америке, так и в Испании. В сентябре 2000 года LARAS запустила церемонию вручения Latin Grammy Awards — отдельную от Grammy Awards церемонию награждения. Организаторы заявили, что вселенная латиноамериканской музыки слишком велика, чтобы вместиться в «Грэмми». Майкл Грин, бывший глава NARAS, однажды сказал, что разнообразие стилей латинской музыки усложнило создание премии Latin Grammy. Отмечая, что единственное, что их объединяет — это язык, Latin Grammy Awards вручается записям, исполняемым на испанском или португальском языках, в то время как организация фокусируется на музыке из Латинской Америки, Испании и Португалии. С конца 1990-х годов в США наблюдается рост численности «латиноамериканцев» — термин, появившийся в 1960-х годах в результате путаницы между термином «испанский» и более правильным, но менее популярным термином «испаноговорящий». Жители США стали называть всю музыку с испанским вокалом «латинской музыкой». Испанская музыка, исполняемая в любом жанре, была отнесена к категории «латиноамериканских». Это привело к тому, что исполнителей в Испании стали называть «латиноамериканцами».
