Verenigde Staten
Geen resultaten
Er is een nieuw formaat voor audiocodering genaamd .flac. Dit staat voor ‘Free Lossless Audio Codec’. Xiph.org Foundation werd opgericht en ontwikkeld in 1994. Xiph.org Foundation is een non-profitorganisatie die zowel open-source softwaretools als multimediaformaten produceert. Flac is een vorm van audiocodering voor verliesvrije compressiebestanden. Toen dit werd ontwikkeld, was het beschikbaar als gratis softwareprogramma. Flac heeft de mogelijkheid om de grootte van een bestand van 50% tot 70% te comprimeren en te verkleinen in vergelijking met WAV of andere verliesvrije formaten, en kan de verliesloze audio reproduceren. Dit is een uitstekende tool als je weinig ruimte hebt of WAV niet wilt gebruiken omdat de bestanden zo groot zijn. Flac biedt compressie zonder dat dit ten koste gaat van de kwaliteit. Een verkleining van de grootte van 50% tot 70% zou extra ruimte kunnen opleveren voor andere toepassingen die hij niet zou kunnen krijgen door WAV te gebruiken. Lossless betekent geen verlies aan geluidskwaliteit en is standaard in de muziekindustrie. Flac biedt voor veel toepassingen een groot voordeel.
MP3, ook bekend als MPEG Layer 3, is een digitaal audiobestandsformaat waarin audiobestanden kunnen worden opgeslagen en gedeeld. Kbps, bekend als kilobits per seconde, verwijst naar 'bitrate', de kwaliteit en compressiegrootte van het audiobestand. 128kb is de MP3-bestandsgrootte met een bitsnelheid van 128 kilobits per seconde. Dat is laag vergeleken met 256 of 320, wat een relatief hogere kwaliteit is van een mp3-audioformaat. Dit maakt de bestandsgrootte efficiënter om op te slaan en te delen via internet. Het negatieve effect hiervan zou zijn dat lagere bitrates resulteren in een lagere audiobestandskwaliteit.
MP3 256kb is de bitsnelheid van het MP3-bestand, waarmee een hoeveelheid gegevens per seconde kan worden verwerkt door de audio af te spelen. Hoe hoger de bitrate, hoe groter de bestandsgrootte. Dit resulteert in een betere kwaliteit. Een bestandsgrootte van 256 kb betekent dat het audiobestand een bitsnelheid heeft van 256 kilobits per seconde. Dit is veel groter vergeleken met bijvoorbeeld een bestand van 64 kb, wat doorgaans de bestandsgrootte is voor een beltoon. De redenering achter ‘geluidskwaliteit’ hangt af van factoren zoals coderingsinstellingen, afspeelapparaten en bronmateriaal. De voorkeur voor audiokwaliteit is afhankelijk van de manier waarop het audiobestand wordt gedistribueerd. Als u bijvoorbeeld een audiobestand opneemt in een opnamestudio (.wav) in vergelijking met een digitale download (128-320 kb.)
Het geval van 320 kb verwijst naar de bestandsgrootte van een bitsnelheid van 320 kilobits per seconde, wat de hoogste bitsnelheid is onder de MP3-bestandsgroottes die beschikbaar zijn om te downloaden. Een hogere bitsnelheid, zoals 320 kb, resulteert in een betere kwaliteit omdat er meer gegevens worden gebruikt om audio-informatie te coderen. Bij 320 kb kan het audiobestand van hogere kwaliteit zijn dan 128 of 256. Toch is het belangrijk op te merken dat de kwaliteit van het audiobestand afhangt van andere factoren, waaronder het bronmateriaal, de coderingsinstellingen en, het allerbelangrijkste, een afspeelapparaat.
WAV of Waveform Audio File Format is een audiobestandsindeling die wordt gebruikt om digitale audio-opnamen op te slaan met de hoogste audiobestandskwaliteit. WAV is een bestand zonder enige compressie. WAV wordt opgenomen in de oorspronkelijke bestandsgrootte. IBM en Microsoft ontwikkelden WAV begin jaren negentig als de standaard voor het opslaan van digitale audiobestanden op computers. WAV heeft absoluut de hoogste kwaliteit; Het nadeel is echter dat het ook een enorm bestand is. WAV heeft geen metadata. Metadata identificeert informatie zoals artiest, titel, jaar, tracknummer, enz. WAV is de industriestandaard in muziekproductie vanwege de kwaliteit van het geluid. Geluidstechnici en muziekproducenten zeggen dat het ook een groter dynamisch bereik en een grotere diepte aan het geluid biedt, wat niet beschikbaar is in andere formaten. WAV was meer dan alleen de standaard voor computeraudio-opslag; het nam het over als het audiobestandsformaat van de hoogste kwaliteit. Tegenwoordig is WAV het standaard audiobestandsformaat in de muziekindustrie en het toppunt van kwaliteit in een audiobestand. WAV kan op elk apparaat worden gebruikt, zoals een dvd, tv, iPad, computer, enz. WAV was vroeger een probleem met smartphones vanwege de grootte, maar nu telefoons 64 GB tot 1T aan gegevens kunnen bevatten, is dat niet meer nodig. langer een probleem.
Een beltoon en/of het inkorten van een beltoon verwijst naar het proces waarbij een gedeelte van een audiobestand wordt ingekort of geknipt om een beltoon naar uw voorkeur te creëren. Als u een beltoon koopt of downloadt, kan dit een volledige versie van het nummer zijn, of kan het alleen de clip van 30 seconden zijn die het minst aanpasbaar is. Door een beltoon in te korten, kunt u een gedeelte van het audiobestand selecteren. Het gedeelte dat meestal wordt bijgesneden om een beltoon te maken, is een pakkende melodie of refrein van het nummer van uw voorkeur. Tegenwoordig zijn er veel smartphones en apps ontwikkeld waarmee de gebruiker eenvoudig beltonen kan bijsnijden en aanpassen door het begin- en eindpunt van het audiobestand aan te passen. Dit proces is uitgevoerd met behulp van een visuele interface waarmee de gebruiker de golfvorm van het audiobestand kan bekijken en naar eigen voorkeur kan inkorten. Dit is een leuk hulpmiddel. U kunt eenvoudig op de hoogte blijven van al uw inkomende meldingen en plezier hebben met verschillende beltonen. Met deze tool kunt u al uw audiomeldingen aanpassen, zodat u via de beltoon weet wat er zojuist is binnengekomen.
Geloof jij dat muziek altijd wonderen en vrede in het hart teweegbrengt? En de hiphopstijl is nog steeds een genre waar mensen in alle tijden van houden. En het valt niet te ontkennen dat elke muziekstijl een geur heeft die verweven is met de cultuur en de diversiteit van mensen in de melodie van de muziek. En dat maakt dat hiphop nog steeds veelbesproken is. Het is duidelijk dat we bij het luisteren naar hiphopmuziek altijd het gevoel hebben dat er wordt gesproken door middel van zang en dat er wordt gecommuniceerd door middel van muziek of muziekritmes die passen bij de situatie of bij de mensen die ernaar luisteren. H Hiphop was in de jaren 70 erg populair. En natuurlijk zijn er in elke periode onregelmatigheden. Pas in 1979 werd hiphopmuziek officieel opgenomen voor radio of televisie. Dit kwam vooral door de armoede in de tijd dat de muziek ontstond en het gebrek aan acceptatie binnen de zwarte gemeenschap. Dit genre verspreidde zich via besloten feesten in de zwarte gemeenschap. Dit is iets waardoor wij het belang van een groep mensen met diversiteit benadrukken. Het maakt niet uit naar welke muziekstijl je luistert, van de verschillen kun je altijd leren en zo mooi worden.
Hoe heeft popmuziek echt invloed gehad of is het ontstaan? En is het waar dat het voor alle leeftijden eenvoudig te horen en te beluisteren is? Omdat de meeste mensen geloven dat muziek is ontstaan uit cultuur en kunst die altijd samenkwamen. En hoe is het nog steeds een pakkend nummer voor muziekliefhebbers? Wie weet of de stijl van popmuziek echt modern of conservatief is? Popmuziek is in feite geëvolueerd samen met de definitie ervan. Zoals muziekauteur Bill Lamb het stelt, is popmuziek "alle vormen van muziek sinds de industriële revolutie van de 19e eeuw die het meest lijken op de smaak en interesses van de stedelijke middenklasse." De term "popmuziek" werd voor het eerst gebruikt in 1926 om muziek aan te duiden die "populair is onder de massa." Hatch en Millward betogen dat verschillende gebeurtenissen in de opnamegeschiedenis van de jaren 1920 worden beschouwd als de geboorteplaats van de moderne popmuziekindustrie, waaronder country, blues en hillbilly. Popmuziek werd geproduceerd als een inspanning, niet als een kunstvorm," en was "ontworpen om iedereen aan te spreken," maar "kwam niet voort uit één plek of uitte geen enkele specifieke smaak." Frith voegt toe: "Popmuziek wordt niet gedreven door grote ambities, behalve winst en commerciële beloningen, en muzikaal gezien wordt het niet gedreven door grote ambities, behalve commerciële winst en beloningen." Popmuziek is fundamenteel conservatief. Het komt van bovenaf (door platenlabels, radio- en concertpromotors) in plaats van van onderaf. Het is geen zelfgemaakte muziek, maar eerder professioneel geproduceerde en verpakte muziek, en wordt vaak aangehaald als de beste popmuziek. Zoals Frith het stelt, omvatten de kenmerken van popmuziek het doel om een algemeen publiek aan te spreken in plaats van een specifieke subcultuur of ideologie, en de nadruk op vakmanschap in plaats van formele "artistieke" kwaliteiten.
Als je aan een countrynummer denkt, wat komt er dan in je op? Voor mij is het een nummer vol liefde, warmte van familie of midden in de velden op het platteland. We kunnen ons niet voorstellen dat we ons elke keer dat we een countrynummer horen, gespannen voelen of een volgeling worden van deze muziekstijl. Of een andere naam die je tot op de dag van vandaag nog steeds kent, is Countrymuziek. Country (ook wel country and western genoemd) is een muziekgenre dat is ontstaan in de zuidelijke regio van de Verenigde Staten, zowel in het zuiden als in het zuidwesten. Countrymuziek, die voor het eerst werd geproduceerd in de jaren 1920, richtte zich op het zingen van liedjes die verhalen vertelden over het leven van de arbeidersklasse en arbeiders in Amerika. Het klinkt heel interessant, want ik dacht niet dat Amerikanen een land zijn dat divers is en een muziekstijl heeft die altijd mooi is in zijn verschillen. En dat is wat er gebeurde. Ben jij een volgeling van dit muziekgenre? En wat verraste mij. In 2009 was countrymuziek in de Verenigde Staten de meest beluisterde muziek tijdens de spits in de avondspits en was het ook het op één na populairste genre tijdens de ochtendspits. Countrymuziek staat bekend om zijn ballads en dansliedjes ("honky-tonk songs") met eenvoudige vormen en folkteksten. En de harmonie wordt meestal begeleid door instrumenten zoals banjo, viool, mondharmonica en verschillende soorten gitaren (waaronder akoestische, elektrische, steel- en resonatorgitaren). Hoewel countrymuziek zijn wortels heeft in Amerikaanse folkmuziek in vormen zoals old-time en Appalachian, hebben veel andere tradities, zoals Mexicaans, Iers en Hawaïaans, ook invloed gehad op de creatie ervan. De bluesmodus uit de blues is ook door de geschiedenis heen veel gebruikt. Natuurlijk denk ik dat je tegen de tijd dat je dit punt in je lezing bereikt, misschien een beetje blasé bent over hoe elk genre vaak geschiedenis en culturele tradities incorporeert. Maar ik denk dat daar de nauwe band tussen conservatieve waarden en hedendaagse countrymuziek begon, als reactie op de anti-oorlogsbeweging van de jaren 60. Tot dan toe had bijna alle countrymuziek, die tot dan toe folk country werd genoemd, geen duidelijke politieke oriëntatie en richtte zich in plaats daarvan op de alledaagse problemen en angsten van de arbeidersklasse. Merle Haggards album Okie from Muskogee uit 1969 presenteerde countrymuziek met een uitgesproken conservatief en politiek perspectief, wat populair was. Republikeins president Richard Nixon versterkte deze conservatieve muzikale connectie verder tijdens zijn ambtsjaren. Het organiseerde regelmatig evenementen voor countrymuzikanten, riep oktober 1970 uit tot Country Music Month en sprak luisteraars aan die countrymuziek als politiek gemotiveerd zagen. Inmiddels had countrymuziek zich echter verspreid naar veel landen in Azië en veel andere landen die countrymuziek zagen als een constante bron van eer.
Als veel mensen het muziekgenre horen, kan rockmuziek ertoe leiden dat veel mensen denken dat rockmuziek verhalen of culturen in zich draagt, en het is ongelooflijk dat de oorsprong van rockmuziek in de Verenigde Staten ligt onder de naam "rock and roll" in de late jaren 1940 en vroege jaren 1950 en zich sinds het midden van de jaren 1960 heeft ontwikkeld tot vele verschillende vormen, voornamelijk in de Verenigde Staten en het Verenigd Koninkrijk. Rock heeft zijn wortels in rock and roll, een vorm die direct is afgeleid van zwarte muziekgenres zoals blues, rhythm and blues en country. Rock wordt ook sterk beïnvloed door genres zoals elektrische blues en folk, en bevat invloeden van jazz en andere muziekstijlen. Voor instrumenten richt rock zich meestal op de elektrische gitaar, die vaak deel uitmaakt van een rockgroep met een elektrische basgitaar, drums en een of meer zangers. Rock is meestal een nummer dat de nadruk legt op zang, met een ritme van 4 tellen en gebruikmaakt van een couplet en harmoniepatroon. Maar het genre is zeer divers. Net als popmuziek richten de teksten zich meestal op romantische liefde, maar ze gaan ook over veel andere thema's, vaak sociaal of politiek. Rock was het populairste muziekgenre in de Verenigde Staten en in de hele westerse wereld van de jaren 50 tot de jaren 2010. Halverwege de jaren 60 begonnen rockmuzikanten het album boven de single te stellen als de dominante vorm van opgenomen expressie en consumptie, waarbij The Beatles de leiding namen. Hun werk bracht het genre in de mainstream acceptatie en luidde het decennialange album-beïnvloede tijdperk van rock in de muziekindustrie in. Eind jaren 60 had classic rock een aantal subgenres voortgebracht, waaronder hybriden zoals bluesrock, folkrock, countryrock en jazzrock, die hielpen bij de ontwikkeling van psychedelische rock, die werd beïnvloed door psychedelische en hippie-tegencultuurbewegingen. Nieuwere genres ontstonden, waaronder progressieve rock, die artistieke elementen uitbreidde, heavy metal, die de nadruk legde op een hard geluid, en glamrock, die de nadruk legde op uitvoering en visuele stijl.
Als het om het muziekgenre gaat, is rhythm and blues niet iets waar veel mensen bekend mee zijn. De meeste mensen korten het echter af tot R&B of R'n'B. Het populaire muziekgenre ontstond in de jaren 40 in de zwarte gemeenschap. Platenmaatschappijen begonnen opnames te beschrijven die voornamelijk op zwarten werden gericht. Tijdens de opkomst van "heavy, sustained jazz-rock" in de jaren 50 en 70 bestonden bands doorgaans uit een piano, een of twee gitaren, een bas, drums, een of meer saxofoons en soms een achtergrondzanger. R&B-teksten vatten vaak de geschiedenis en ervaringen van zwarten in Amerika samen, waaronder pijn, de zoektocht naar vrijheid en geluk, evenals triomfen en mislukkingen op het gebied van racisme, onderdrukking, relaties, economie en sociale aspiraties. Zie je, we hebben eindelijk een muziekgenre dat de manier van leven van een groep in een intense en diverse samenleving weerspiegelt, die zich vermengt met alle soorten muziek en natuurlijk de betekenis van "rhythm and blues" vele malen heeft veranderd. Begin jaren 50 werd de term vaak gebruikt voor bluesplaten. Halverwege de jaren 50, nadat deze muziek hielp rock-'n-roll te ontwikkelen, werd de term "R&B" in een bredere context gebruikt, verwijzend naar een muziekstijl die was ontstaan uit en een combinatie was van elektrische blues, gospel en soul. In de jaren 70 veranderde "rhythm and blues" opnieuw en werd het gebruikt als een verzamelnaam voor soul en funk. Er was een nieuwe stijl van R&B-muziek ontstaan die bekend werd als "hedendaagse R&B". Deze hedendaagse stijl combineerde R&B met pop, disco, hiphop, soul, funk en elektronische muziek. R&B werd toen toegepast op bluesalbums. Schrijver en producer Robert Palmer definieerde rhythm and blues als "een verzamelterm voor alle vormen van muziek gemaakt door en voor zwarte Amerikanen." Hij gebruikte ook de term "R&B" als synoniem voor jump blues. AllMusic scheidde de term echter van jump blues omdat R&B een grotere gospelinvloed had.[16] Lawrence Cohn, de auteur van Nothing but the Blues, schreef dat "rhythm and blues" een algemene term was die was uitgevonden voor het gemak van de industrie. Volgens hem omvatte de term alle zwarte muziek, behalve klassieke en religieuze muziek, tenzij gospelmuziek goed genoeg verkocht om in de hitlijsten te komen tot ver in de 21e eeuw. De term R&B werd (in sommige contexten) nog steeds gebruikt om muziek van zwarte muzikanten te categoriseren, los van de stijlen van andere muzikanten. In commerciële rhythm and bluesmuziek, die de jaren 50 en 70 kenmerkte, bestonden bands doorgaans uit een piano, een of twee gitaren, bas, drums en saxofoon. De arrangementen werden tot een minimum gerepeteerd en soms waren er achtergrondzangers bij. Eenvoudige, repetitieve delen werden verweven, wat momentum en ritmisch spel creëerde dat een zachte, melodieuze en vaak hypnotiserende textuur creëerde terwijl de aandacht werd gevestigd op de individuele stemmen, ook al waren de zangers emotioneel betrokken bij de teksten, vaak intens. Maar ze bleven cool, ontspannen en in controle. De band droeg pakken en uniformen, een gewoonte die geassocieerd werd met populaire muziek die R&B-muzikanten wilden domineren. De teksten waren vaak onheilspellend en de muziek volgde vaak voorspelbare akkoordpatronen en -structuren. R&B-teksten omvatten vaak de pijnlijke ervaringen van Afro-Amerikanen. Een publicatie van het Smithsonian vatte de oorsprong van het genre in 2016 samen: "Afro-Amerikaanse muziek, specifiek, puttend uit de diepe takken van Afro-Amerikaanse expressie, is een fusie van gospel, jump blues, bigband swing, boogie en blues die zich ontwikkelde in een periode van dertig jaar die het tijdperk van legale muziek overspande.
Elektronische instrumenten worden in bijna alle muziekvormen veel gebruikt. In populaire muziek, zoals elektronische dansmuziek, zijn bijna alle opgenomen geluiden elektronisch (bijv. bassynths, synthesizers, drumcomputers). De ontwikkeling van nieuwe elektronische instrumenten, controllers en synthesizers blijft een actief en multidisciplinair onderzoeksgebied. De International Conference on New Interfaces for Musical Expression wordt gehouden om verslag te doen van baanbrekend werk en artiesten te laten zien die muziek uitvoeren of creëren met nieuwe elektronische instrumenten, controllers en synthesizers. En nu de meer intense inhoud over dit muzikale onderwerp. Een belangrijke nieuwe ontwikkeling was de komst van computers voor het componeren van muziek. In plaats van geluiden te besturen of te genereren, was Iannis Xenakis de pionier van wat hij Musique Stochastique noemde, of willekeurige muziek, een methode om muziek te componeren die gebruikmaakte van wiskundige waarschijnlijkheidssystemen. Verschillende waarschijnlijkheidsalgoritmen werden gebruikt om werken te genereren binnen een reeks parameters. Xenakis gebruikte grafiekpapier om de snelheidspaden van glissando's te berekenen voor zijn orkeststuk Metastasis (1953-54), maar stapte later over op computers voor compositie, zoals ST/4 voor strijkkwartet en ST/48 voor orkest (beide 1962). De impact van computers zette zich voort in 1956 toen Lejaren Hiller en Leonard Issacson de Illiac Suite voor strijkkwartet componeerden. Dit was het eerste complete werk van computerondersteunde compositie met behulp van algoritmische compositie. In 1957 schreef Max Matthews van Bell Lab de MUSIC-N-serie, het eerste computerprogramma voor het genereren van digitale geluidsgolven door directe synthese. Vervolgens schreef Barry Vercoe MUSIC 11, gebaseerd op het muzieksyntheseprogramma van de volgende generatie MUSIC IV-BF (later ontwikkeld tot csound, dat nog steeds veel wordt gebruikt). Halverwege de jaren tachtig ontwikkelde Miller Puckett van IRCAM een grafische signaalverwerkingssoftware voor de 4X, genaamd Max (naar Max Matthews), en porteerde deze later naar de Macintosh (waarbij Dave Ciccarelli deze uitbreidde voor Opcode[39]) om MIDI in realtime te kunnen besturen, waardoor algoritmische compositie toegankelijk werd voor de meeste componisten met een gemiddeld niveau van computerprogrammering.
House is elektronische dansmuziek met een repetitief ritme van vier beats en een algemeen tempo van 115-130 beats per minuut. Er wordt aangenomen dat wanneer veel mensen dit genre horen, ze vaak denken dat het is uitgevonden of gecreëerd door thuis muziek te maken of door de familiecultuur of door mensen in huis. Maar in feite is dit genre gecreëerd door dj's en muziekproducenten uit de underground clubcultuur van Chicago en ontwikkelde het zich geleidelijk in het begin tot midden van de jaren 80 toen dj's discomuziek begonnen te veranderen om een meer mechanisch ritme te krijgen. Begin 1988 werd house mainstream en verving het de algemene ritmes van de jaren 80. Als we wat dieper graven, wordt het genre in zijn meest algemene vorm gekenmerkt door een repetitieve 4/4 beat, een bass drum, off-beat hi-hat, snaredrum, claps en/of slaps in een tempo tussen 120 en 130 beats per minute (bpm), synthesizer riffs, een diepe baslijn en vaak, maar niet noodzakelijkerwijs, gezongen, gesproken of gesamplede vocalen. In house wordt de bass drum meestal gespeeld op de beats 1, 2, 3 en 4, en een snaredrum, claps of hoger gestemde percussie-instrumenten worden gebruikt op beats 2 en 4. De drumbeats in housemuziek zijn meestal elektronische drumcomputers, meestal de Roland TR-808, TR-909 of TR-707. Claps, shakes, snaredrums of hi-hat geluiden worden gebruikt om syncopering toe te voegen. De kenmerkende ritmische riffs, met name in vroege Chicago house, zijn opgebouwd volgens een clave-patroon, soms met conga's en bongo's toegevoegd voor een Afrikaans geluid. Of metalen percussie voor een Latijns gevoel.
Elektronische dansmuziek Waar is de oorsprong van het genre elektronische dansmuziek eigenlijk ontstaan en ontstaan? Van de auteur, toen ik werd geboren, hoorde ik het muziekgenre. Het liet me het zien als iets internationaals dat uit Europa komt en dat mensen kennen als het muziekgenre (EDM) of de naam die kan worden genoemd als dansmuziek of muziek waar liefhebbers van het nachtleven en gepassioneerd over zijn, muziek, clubmelodie. Natuurlijk is het een verscheidenheid aan elektronische percussieve muziek die is gemaakt voor nachtclubs, raves en muziekfestivals. Het wordt over het algemeen geproduceerd om te spelen door DJ's die een naadloze selectie van nummers maken, genaamd DJ-mix, door van de ene opname naar de andere te wisselen. De programmacontroller, vaak de onbezongen held van de EDM-wereld, is het brein achter de productie van dit genre. EDM beperkt zich niet alleen tot de studio; het komt tot leven in de vorm van liveoptredens op concerten of festivals, een formaat dat vaak een live PA wordt genoemd. Over de eeuw gesproken sinds het begin, EDM is uitgebreid. EDM werd eind jaren 80 en begin jaren 90 enorm populair in Europa na de opkomst van raves, piratenmuziek op de radio, cloudparty's, undergroundfestivals en een toegenomen interesse in clubcultuur. De ravcultuur is echter niet erg populair in de Verenigde Staten. Het is over het algemeen ongewoon buiten de regionale scenes in New York City, Florida, het Midwesten en Californië. Hoewel electro, Chicago house en Detroit techno zowel Europa als de Verenigde Staten hebben beïnvloed, bleven de reguliere media en de Amerikaanse platenindustrie het genre openlijk afkeuren tot in de jaren 90 en daarna. Er was ook een groeiend bewustzijn van de connectie van EDM met de drugscultuur, wat ertoe leidde dat staats- en stadsbesturen wetten en beleid aannamen die erop gericht waren de verspreiding van de ravecultuur een halt toe te roepen. Oh, dat klinkt spannend en verrassend voor mij. Kunnen muziekgenres echt de persoonlijkheden weerspiegelen van de mensen die ernaar luisteren? Later in het nieuwe millennium groeide de populariteit van EDM wereldwijd, met name in de Verenigde Staten en Australië. Begin jaren 2010 propageerden de Amerikaanse muziekindustrie en muziekmedia de termen "elektronische dancemuziek" en het acroniem "EDM" om de Amerikaanse ravecultuur een nieuw imago te geven. Ondanks de pogingen van de industrie om EDM als een enkel genre te brandmerken, wordt het acroniem nog steeds gebruikt als overkoepelende term voor verschillende genres, waaronder dance-pop, house, techno, electro en trance, evenals verwante subgenres. Die allemaal ouder zijn dan het acroniem. De geboorte van elk muziekgenre heeft niet alleen een verhaal en vindt zijn oorsprong in het Samui-tijdperk, maar het weerspiegelt ook de waarde van het gebruik van muziek om de menselijke ziel te genezen en is een geschiedenis geworden die ik kort heb samengevat in het artikel. Geschiedenis Elektronische muziek en de geschiedenis van dj's Verschillende genres van EDM hebben zich de afgelopen 40 jaar ontwikkeld, waaronder house, techno, drum and bass, dance-pop en meer. Stijlveranderingen binnen bestaande EDM-genres kunnen leiden tot de opkomst van wat bekend staat als subgenres. De fusie van elementen uit twee of meer genres kan leiden tot het ontstaan van een geheel nieuw genre binnen EDM.
Als het gaat om de identiteit van het Dubstep-muziekgenre, is het misschien niet erg bekend bij fans van dit muziekgenre. Met zijn uniciteit en kenmerken lijkt het op elektronische dansmuziek die in het begin van de jaren 2000 in Zuid-Londen ontstond. Deze stijl is ontstaan uit de uitloper van garagemuziek in het Verenigd Koninkrijk, die 2-step beats en zachte dubproductie combineerde. In het Verenigd Koninkrijk was de oorsprong van dit genre de groei van de Jamaicaanse sound system partyscene in het begin van de jaren 80. Dubstep wordt gekenmerkt door het gebruik van gesyncopeerde ritmepatronen, prominente baslijnen en donkere tonen. In 2001 werden dit undergroundgeluid en andere garagegenres getoond en gepromoot in de nachtclub Plastic People in Londen, op het evenement 'Forward' (soms FWD>>) en op het piratenradiostation Rinse FM, dat later een grote invloed had op de ontwikkeling van dubstepmuziek. Half-Time ritme: Dubstep gebruikt vaak ritmes die aanvoelen als half-time ritmes (ook al zijn ze eigenlijk snel), zoals in dit voorbeeld dat uitlegt dat het nummer een tempo van 71 bpm heeft, wat aanvoelt als de helft van de tijd van het snellere tempo (142 bpm). Dit is een van de technieken die helpt om spanning en kracht in het nummer te creëren. Sub-Bass: Dubstep uniek laag en dik basgeluid heeft een sterke trilling en is fysiek voelbaar. Door deze stevige bas te gebruiken, krijgt het nummer meer diepte en kracht. Geknipte samples: Dubstep gebruikt vaak korte, geknipte of "geknipte" geluiden om de beat en het geluid interessanter te maken, waardoor het een afgehakt of ongelijkmatig gevoel krijgt. Ik denk dat je, terwijl je dit artikel leest, zult beginnen te beseffen dat genres vaak worden aangepast en gemanipuleerd om een esthetische aantrekkingskracht te creëren voor de muziekliefhebber, en het is iets echt unieks dat wordt gecreëerd in de vorm van een genre dat herkenbaar en onderscheidend is, en ja, soms. Vocal Chops: Dubstep kan vocalen hebben die zijn geknipt en vervormd, waardoor de muziek een diepere diepte en sfeer krijgt.
Wat is Trapmuziek, waar komt het vandaan en waarvoor is dit genre gecreëerd? Het genre dat de muziekindustrie veranderdeTrapmuziek ontstond begin jaren 2000, oorspronkelijk uit Atlanta, Georgia, VS. De term "trap" komt uit de slang voor drugshandel in de VS, wat een van de belangrijkste thema's is die in dit soort muziek te vinden is. Trapmuziek wordt gekenmerkt door 808 drums, hi-hat, snare rolls en synthesizers of melodieën. Ritmes van nummers zijn op een opwindende manier gestructureerd. Dit heeft geleid tot een toename in populariteit onder zowel hiphopartiesten als producers van andere genres. De oorsprong en groei van Trapmuziek. Trap werd voor het eerst bekend rond 2003-2005. De eerste artiesten die hielpen bij het creëren en populariseren van het genre waren T.I., Gucci Mane en Young Jeezy. Met name het album Trap Muzik uit 2003 van T.I. was instrumenteel in het officieel definiëren van de term "Trapmuziek" als genre.
Als u niet bekend bent met het genre folkmuziek van vandaag, zal ik u meenemen om het diepgaand te verkennen met een samenvatting die zowel de auteur als de lezers samen zullen vinden. Veel mensen die naar dit soort muziek luisteren, geloven dat. Folkmuziek is een genre dat cultuur en manier van leven weerspiegelt, met zijn wortels in de tradities en cultuur van elke plaats. Bijvoorbeeld, het Ierse folkliedje 'The Parting Glass' of het Amerikaanse folkliedje 'This Land Is Your Land' vertellen verhalen van mensen, hun manier van leven, overtuigingen en ervaringen die van generatie op generatie zijn doorgegeven. En als we het hebben over de ontwikkeling van folkmuziek, folkmuziek bestaat in elk land en is ontwikkeld volgens de tijd. In de 20e eeuw werd folkmuziek enorm nieuw leven ingeblazen, vooral in de Verenigde Staten en Europa. Artiesten die een essentiële rol speelden bij het mainstream maken van folk waren Bob Dylan, Joan Baez en Woody Guthrie. Folkmuziek is niet alleen een genre, maar een hulpmiddel om verhalen over de maatschappij te vertellen. Het is een medium dat wordt gebruikt om de problemen en emoties van mensen in elk tijdperk te weerspiegelen. Bijvoorbeeld, volksliederen zijn gebruikt om sociale problemen aan te kaarten, zoals armoede, oorlog en burgerrechten. Of het nu volksliederen zijn die sociale problemen weerspiegelen, traditionele volksliederen of muziek die is gecombineerd met moderne muziek, volksmuziek speelt nog steeds een belangrijke rol in de muziekindustrie wereldwijd en heeft zich enorm verspreid. Ik kan niet geloven dat volksmuziek eigenlijk heel uniek is en verhalen over cultuur presenteert die luisteraars boeien. Daarom zijn de kenmerken van volksmuziek liederen die verhalen vertellen over mensen, zoals liefde, werk, geluk en verdriet en historische gebeurtenissen. Met eenvoudige melodieën worden vaak akoestische instrumenten zoals gitaren, violen, banjo's, mandolines en fluiten gebruikt. Het werd mondeling doorgegeven voordat het werd opgenomen als noten of werd opgenomen in het moderne tijdperk. Met unieke kenmerken voor elke cultuur, zoals Ierse volksmuziek, Amerikaanse bluegrass, Thaise countrymuziek of Spaanse flamencomuziek. Als je tot hier hebt gelezen, heb je al ervaren en gerealiseerd dat volksmuziek altijd verhalen heeft die goede energie bevatten.
Het is onmiskenbaar dat reizen over de hele wereld een stad onvergetelijk maakt. Ik ben ervan overtuigd dat als je ooit in een zuidelijk land in Amerika bent geweest, je zeker bekend zult zijn met Latijns-Amerikaanse muziek. Ook al bent u er niet bekend mee, de lokale bevolking en burgers die de lokale muziek in stand hebben gehouden, kunnen u zeker kennis laten maken met de klanken van Latijns-Amerikaanse muziek. En dat is de reden dat Latijns-Amerikaanse muziek tot op de dag van vandaag populair is gebleven en steeds populairder wordt, zelfs nadat de muziek zich inmiddels in Amerika heeft gevestigd. Ik denk dat je dit soort muziek ook leuk zult vinden, omdat er een Spaans- of Portugeestalige invoeging in zit, waardoor het weer pakkend is. De gouden eeuw van de Latijns-Amerikaanse muziek begon toen NARAS in 1997 de Latin Recording Academy (LARAS) oprichtte in een poging haar activiteiten uit te breiden naar zowel Latijns-Amerika als Spanje. In september 2000 lanceerde LARAS de Latin Grammy Awards, een aparte prijsuitreiking naast de Grammy Awards. Volgens de organisatoren was het Latijns-Amerikaanse muziekuniversum te groot om in de Grammy's te passen. Michael Greene, voormalig hoofd van NARAS, zei ooit dat de verscheidenheid aan Latijns-Amerikaanse muziekstijlen de creatie van de Latin Grammy Awards bemoeilijkte. Hoewel de enige overeenkomst tussen de twee muziekstijlen de taal is, worden de Latin Grammy Awards toegekend aan muzieknummers die in het Spaans of Portugees worden gespeeld. De organisatie richt zich echter op muziek uit Latijns-Amerika, Spanje en Portugal. Sinds eind jaren negentig is er in de Verenigde Staten een toenemende groei in de bevolking van "Latinos" te zien, een term die in de jaren zestig populair werd door de term "Spaans" te verwarren met de meer correcte maar minder populaire term "Hispanic". Mensen in de Verenigde Staten begonnen alle muziek met Spaanse zang te benoemen als "Latijnse muziek". Spaans gezongen in welk genre dan ook werd gecategoriseerd als "Latijns". Hierdoor werden artiesten in Spanje "Latijns" genoemd.
