الولايات المتحدة
لا نتائج
يوجد تنسيق جديد لترميز الصوت يسمى .flac. يشير هذا إلى "برنامج ترميز الصوت المجاني بدون فقدان البيانات". تأسست مؤسسة Xiph.org وتم تطويرها في عام 1994. مؤسسة Xiph.org هي منظمة غير ربحية تنتج أدوات برمجية مفتوحة المصدر بالإضافة إلى تنسيقات الوسائط المتعددة. Flac هو شكل من أشكال الترميز الصوتي لملفات الضغط غير المفقودة. وعندما تم تطوير هذا، كان متاحًا كبرنامج مجاني. يتمتع Flac بالقدرة على ضغط الملف وتقليل حجمه في أي مكان من 50% إلى 70% مقارنةً بـ WAV أو التنسيقات الأخرى التي لا تفقد البيانات ويمكنه إعادة إنتاج الصوت الذي لا يفقده. هذه أداة ممتازة إذا كانت المساحة محدودة لديك أو لا ترغب في استخدام WAV لأن الملفات كبيرة جدًا. يوفر Flac الضغط دون التضحية بالجودة. يمكن أن يؤدي تقليل الحجم بنسبة 50% إلى 70% إلى توفير مساحة إضافية للتطبيقات الأخرى التي لا يستطيع توفيرها باستخدام WAV. يعني Lossless عدم فقدان جودة الصوت وهو معيار في صناعة الموسيقى. يوفر Flac فائدة كبيرة للعديد من التطبيقات.
MP3، المعروف أيضًا باسم طبقة MPEG 3، هو تنسيق ملف صوتي رقمي يقوم بتخزين الملفات الصوتية ومشاركتها. تشير كيلوبت في الثانية، والمعروفة بالكيلوبت في الثانية، إلى "معدل البت"، وهو جودة الملف الصوتي وحجم ضغطه. 128 كيلو بايت هو حجم ملف MP3 الذي يبلغ معدل البت فيه 128 كيلو بايت في الثانية. وهذا منخفض مقارنة بـ 256 أو 320، وهي جودة أعلى نسبيًا لتنسيق الصوت MP3. وهذا يجعل حجم الملف أكثر كفاءة للتخزين والمشاركة عبر الإنترنت. سيكون التأثير السلبي لذلك هو أن انخفاض معدلات البت يؤدي إلى انخفاض جودة الملف الصوتي.
MP3 256 كيلو بايت هو معدل البت لملف MP3، والذي يسمح بمعالجة كمية من البيانات في الثانية عن طريق تشغيل الصوت. كلما زاد معدل البت، زاد حجم الملف. وهذا يؤدي إلى جودة أفضل. حجم الملف الذي يبلغ 256 كيلو بايت هو أن الملف الصوتي يحتوي على معدل بت يبلغ 256 كيلوبت في الثانية. وهذا أكبر بكثير مقارنة، على سبيل المثال، بملف بحجم 64 كيلو بايت، وهو عادةً حجم ملف نغمة الرنين. يعتمد السبب وراء "جودة الصوت" على عوامل مثل إعدادات التشفير وأجهزة التشغيل والمواد المصدر. يعتمد تفضيل جودة الصوت على كيفية توزيع الملف الصوتي. على سبيل المثال، تسجيل ملف صوتي في استوديو التسجيل (.wav) مقارنة بالتنزيل الرقمي (128-320 كيلو بايت).
تشير حالة 320 كيلو بايت إلى حجم الملف بمعدل بت يبلغ 320 كيلوبت في الثانية، وهو أعلى معدل بت بين أحجام ملفات MP3 المتاحة للتنزيل. يؤدي معدل البت الأعلى، مثل 320 كيلو بايت، إلى جودة أفضل حيث يتم استخدام المزيد من البيانات لتشفير المعلومات الصوتية. عند 320 كيلو بايت، يمكن أن يكون الملف الصوتي بجودة أعلى من 128 أو 256. ومع ذلك، من المهم ملاحظة أن جودة الملف الصوتي تعتمد على عوامل أخرى، بما في ذلك المادة المصدر، وإعدادات التشفير، والأهم من ذلك، جهاز التشغيل.
تنسيق ملف الصوت WAV أو Waveform هو تنسيق ملف صوتي يُستخدم لتخزين التسجيلات الصوتية الرقمية بأعلى جودة للملفات الصوتية. WAV هو ملف بدون أي ضغط. يتم تسجيل WAV بحجم الملف الأصلي. قامت IBM وMicrosoft بتطوير WAV في أوائل التسعينيات كمعيار لتخزين الملفات الصوتية الرقمية على أجهزة الكمبيوتر. تتمتع WAV بأعلى مستويات الجودة على الإطلاق؛ ومع ذلك، فإن الجانب السلبي هو أنه أيضًا ملف ضخم. لا يحتوي WAV على أية بيانات وصفية. تحدد البيانات الوصفية معلومات مثل الفنان والعنوان والسنة ورقم المسار وما إلى ذلك. WAV هو المعيار الصناعي في إنتاج الموسيقى بسبب جودة الصوت. يقول مهندسو الصوت ومنتجو الموسيقى إنه يوفر أيضًا نطاقًا ديناميكيًا أكبر وعمقًا أكبر للصوت غير المتوفر في التنسيقات الأخرى. لقد كان WAV أكثر من مجرد معيار لتخزين الصوت بالكمبيوتر؛ لقد استحوذ على تنسيق الملفات الصوتية الأعلى جودة. اليوم، WAV هو تنسيق الملفات الصوتية القياسي في صناعة الموسيقى وهو قمة الجودة في الملف الصوتي. يمكن استخدام WAV على أي جهاز، مثل DVD أو TV أو iPad أو الكمبيوتر، وما إلى ذلك. كان WAV يمثل مشكلة مع الهواتف الذكية بسبب الحجم، ولكن الآن بعد أن أصبحت الهواتف قادرة على استيعاب ما بين 64 جيجابايت إلى 1 تيرابايت من البيانات، لم يعد الأمر كذلك تعد مشكلة.
تنسيق ملف الصوت WAV أو Waveform هو تنسيق ملف صوتي يُستخدم لتخزين التسجيلات الصوتية الرقمية بأعلى جودة للملفات الصوتية. WAV هو ملف بدون أي ضغط. يتم تسجيل WAV بحجم الملف الأصلي. قامت IBM وMicrosoft بتطوير WAV في أوائل التسعينيات كمعيار لتخزين الملفات الصوتية الرقمية على أجهزة الكمبيوتر. تتمتع WAV بأعلى مستويات الجودة على الإطلاق؛ ومع ذلك، فإن الجانب السلبي هو أنه أيضًا ملف ضخم. لا يحتوي WAV على أية بيانات وصفية. تحدد البيانات الوصفية معلومات مثل الفنان والعنوان والسنة ورقم المسار وما إلى ذلك. WAV هو المعيار الصناعي في إنتاج الموسيقى بسبب جودة الصوت. يقول مهندسو الصوت ومنتجو الموسيقى إنه يوفر أيضًا نطاقًا ديناميكيًا أكبر وعمقًا أكبر للصوت غير المتوفر في التنسيقات الأخرى. لقد كان WAV أكثر من مجرد معيار لتخزين الصوت بالكمبيوتر؛ لقد استحوذ على تنسيق الملفات الصوتية الأعلى جودة. اليوم، WAV هو تنسيق الملفات الصوتية القياسي في صناعة الموسيقى وهو قمة الجودة في الملف الصوتي. يمكن استخدام WAV على أي جهاز، مثل DVD أو TV أو iPad أو الكمبيوتر، وما إلى ذلك. كان WAV يمثل مشكلة مع الهواتف الذكية بسبب الحجم، ولكن الآن بعد أن أصبحت الهواتف قادرة على استيعاب ما بين 64 جيجابايت إلى 1 تيرابايت من البيانات، لم يعد الأمر كذلك تعد مشكلة.
هل تؤمن أن الموسيقى دائمًا تخلق المعجزات والسلام في القلب؟ وأسلوب الهيب هوب لا يزال هو النوع الذي يحبه الناس في كل عصر. ولا يمكن أن ننكر أن كل نمط من أنماط الموسيقى لا يزال لديه رائحة مرتبطة بثقافة وتنوع الناس في لحن الموسيقى. وهذا ما يجعل الهيب هوب لا يزال موضع الحديث دائمًا. ومن الواضح أن الاستماع إلى موسيقى الهيب هوب يجعلنا دائمًا نشعر أنهم يتحدثون من خلال الغناء ويتواصلون من خلال الموسيقى أو الإيقاعات الموسيقية التي تتوافق مع الموقف أو الأشخاص الذين يستمعون إليها. كان الهيب هوب في السبعينيات شائعًا جدًا. وبطبيعة الحال، في كل فترة، هناك دائما مخالفات. لم يتم تسجيل موسيقى الهيب هوب رسميًا للإذاعة أو التلفزيون حتى عام 1979، ويرجع ذلك في الغالب إلى الفقر في وقت ولادتها وعدم قبولها من المجتمع الأسود. بدأ هذا النوع من الموسيقى بالانتشار من خلال الحفلات المغلقة في جميع أنحاء المجتمع الأسود. وهذا أحد الأشياء التي تجعلنا نعكس أهمية مجموعة من الأشخاص الذين لديهم تنوع. بغض النظر عن نوع الموسيقى التي تستمع إليها، يمكننا دائمًا أن نتعلم من الاختلافات أن نكون جميلين.
كيف أثرت موسيقى البوب أو نشأتها حقًا؟ وهل صحيح أنه من السهل سماعه والاستماع إليه لجميع الأعمار؟ لأن معظم الناس يعتقدون أن الموسيقى نشأت من الثقافة والفن والتي اجتمعت دائمًا معًا. وكيف لا تزال أغنية جذابة لعشاق الموسيقى؟ ومن يدري هل أسلوب موسيقى البوب حديث أم محافظ حقاً؟ في الواقع، تطورت موسيقى البوب جنبًا إلى جنب مع تعريفها. كما يقول الكاتب الموسيقي بيل لامب، فإن موسيقى البوب هي "كل أشكال الموسيقى منذ الثورة الصناعية في القرن التاسع عشر والتي تشبه إلى حد كبير أذواق واهتمامات الطبقة المتوسطة الحضرية". تم استخدام مصطلح "موسيقى البوب" لأول مرة في عام 1926 ليعني الموسيقى "التي تحظى بشعبية بين الجماهير". يزعم هاتش وميلوارد أن العديد من الأحداث في تاريخ التسجيل في عشرينيات القرن العشرين تعتبر موطنًا لنشأة صناعة موسيقى البوب الحديثة، بما في ذلك موسيقى الريف والبلوز والهيلبيلي. "تم إنتاج موسيقى البوب كجهد، وليس كشكل فني،" وكانت "مصممة لجذب الجميع"، لكنها "لم تنشأ في أي مكان واحد أو تعبر عن أي ذوق معين". ويضيف فريث: "لا يحرك موسيقى البوب أي طموحات كبيرة، باستثناء الربح والمكافآت التجارية، وموسيقياً، لا يحركها أي طموحات كبيرة، باستثناء المكاسب التجارية والمكافآت". الموسيقى الشعبية محافظة في الأساس. إنها تأتي من الأعلى (عن طريق شركات التسجيلات والإذاعات ومنظمي الحفلات الموسيقية) وليس من الأسفل. إنها ليست موسيقى من صنع الذات، بل هي موسيقى تم إنتاجها وتعبئتها بشكل احترافي، وغالبًا ما يتم الاستشهاد بها على أنها الأفضل في موسيقى البوب. وكما يقول فريث، فإن خصائص موسيقى البوب تشمل هدفها إلى جذب جمهور عام وليس ثقافة فرعية أو أيديولوجية محددة، وتركيزها على الحرفية بدلاً من الصفات "الفنية" الشكلية.
عندما تتخيل أغنية ريفية، ما الذي يتبادر إلى ذهنك؟ بالنسبة لي، هي أغنية مليئة بالحب والدفء من العائلة أو في وسط الحقول في الريف. لا يمكننا أن نتخيل أنه في كل مرة نسمع فيها أغنية ريفية، فإنها ستجعلنا نشعر بالتوتر أو نصبح متابعين لهذا النمط من الموسيقى. أو اسم آخر لا تزال تعرفه حتى اليوم يسمى موسيقى الريف. موسيقى الريف (وتسمى أيضًا الريف والغربية) هي نوع موسيقي نشأ في المنطقة الجنوبية من الولايات المتحدة، سواء في الجنوب أو الجنوب الغربي. ركزت موسيقى الريف، التي تم إنتاجها لأول مرة في عشرينيات القرن العشرين، على غناء الأغاني التي تحكي قصصًا عن حياة الطبقة العاملة والعمال في أمريكا. يبدو الأمر مثيرًا للاهتمام للغاية لأنني لم أكن أعتقد أن الأمريكيين بلد متنوع ولديه أسلوب موسيقي جميل دائمًا في اختلافاته. وهذا ما حدث. هل أنت من متابعي هذا النوع من الموسيقى؟ وما فاجأني. في عام 2009 في الولايات المتحدة، كانت موسيقى الريف هي الموسيقى الأكثر استماعًا خلال ساعة الذروة أثناء التنقل في المساء وكانت ثاني أكثر الأنواع شعبية أثناء التنقل في الصباح أيضًا. تشتهر موسيقى الريف بالقصائد الغنائية وأغاني الرقص ("أغاني الهونكي تونك") التي تتميز بأشكال بسيطة وكلمات شعبية. وعادةً ما تكون التناغمات مصحوبة بآلات مثل البانجو والكمان والهارمونيكا وأنواع مختلفة من الجيتار (بما في ذلك الجيتار الصوتي والكهربائي والصلب والرنان). على الرغم من أن موسيقى الريف لها جذورها في الموسيقى الشعبية الأمريكية في أشكال مثل العصور القديمة والأبالاش، إلا أن العديد من التقاليد الأخرى، مثل المكسيكية والأيرلندية والهاواية، أثرت أيضًا على إنشائها. كما تم استخدام نمط البلوز من البلوز على نطاق واسع عبر التاريخ. بالطبع، أعتقد أنه بحلول الوقت الذي تصل فيه إلى هذه النقطة في قراءتك، قد تكون قد سئمت قليلاً من كيفية دمج كل نوع غالبًا للتاريخ والتقاليد الثقافية. ولكنني أعتقد أن هذا هو المكان الذي بدأ فيه الارتباط الوثيق بين القيم المحافظة وموسيقى الريف المعاصرة، رداً على الحركة المناهضة للحرب في ستينيات القرن العشرين. فحتى ذلك الحين، لم يكن لموسيقى الريف كلها تقريباً، والتي كانت تُسمى حتى تلك النقطة بالموسيقى الريفية الشعبية، أي توجه سياسي واضح وركزت بدلاً من ذلك على المشاكل والهموم اليومية للطبقة العاملة. وقد قدم ألبوم "أوكي" للمغني ميرل هاجارد عام 1969 موسيقى الريف بمنظور محافظ وسياسي واضح، وهو ما كان شائعاً. كما عزز الرئيس الجمهوري ريتشارد نيكسون هذا الارتباط الموسيقي المحافظ خلال سنواته في منصبه. فقد استضاف الألبوم بشكل متكرر فعاليات لموسيقيي الريف، وأعلن شهر أكتوبر/تشرين الأول 1970 شهر موسيقى الريف، وجذب المستمعين الذين اعتبروا موسيقى الريف ذات دوافع سياسية. ومع ذلك، بحلول ذلك الوقت، انتشرت موسيقى الريف إلى العديد من البلدان في آسيا والعديد من البلدان الأخرى التي اعتبرت موسيقى الريف مصدراً دائماً للشرف.
عندما يسمع الكثير من الناس هذا النوع من الموسيقى، قد تجعل موسيقى الروك العديد من الناس يعتقدون أن موسيقى الروك قد تحتوي على قصص أو ثقافات مدمجة فيها، ومن غير المعقول أن أصل موسيقى الروك نشأ في الولايات المتحدة تحت اسم "الروك أند رول" في أواخر الأربعينيات وأوائل الخمسينيات وتطور إلى أشكال مختلفة عديدة منذ منتصف الستينيات، معظمها في الولايات المتحدة والمملكة المتحدة. تعود جذور موسيقى الروك إلى موسيقى الروك أند رول، وهو شكل مستوحى مباشرة من أنواع الموسيقى السوداء مثل البلوز والإيقاع والبلوز والريف. كما يتأثر الروك بشدة بأنواع مثل البلوز الكهربائي والفولكلور، ويدمج تأثيرات من موسيقى الجاز وغيرها من الأساليب الموسيقية. بالنسبة للآلات الموسيقية، يركز الروك عادةً على الجيتار الكهربائي، والذي غالبًا ما يكون جزءًا من مجموعة روك بها جيتار باس كهربائي وطبول ومغني واحد أو أكثر. عادةً ما تكون موسيقى الروك أغنية تؤكد على الغناء، بإيقاع رباعي الإيقاع وتستخدم نمطًا من الآيات والتناغم. لكن هذا النوع متنوع للغاية. مثل موسيقى البوب، تميل الكلمات إلى التركيز على الحب الرومانسي، ولكنها تتحدث أيضًا عن العديد من الموضوعات الأخرى، غالبًا ما تكون اجتماعية أو سياسية. كان الروك هو النوع الموسيقي الأكثر شعبية في الولايات المتحدة وفي جميع أنحاء العالم الغربي من الخمسينيات إلى العقد الأول من القرن الحادي والعشرين. بحلول منتصف الستينيات، بدأ موسيقيو الروك في دفع الألبوم فوق الأغنية المنفردة كشكل مهيمن للتعبير والاستهلاك المسجل، مع قيادة البيتلز لهذه التهمة. جلب عملهم هذا النوع إلى القبول السائد وأدخل عصر الروك المتأثر بالألبوم الذي استمر لعقود من الزمان في صناعة الموسيقى. في أواخر الستينيات، أنتج الروك الكلاسيكي عددًا من الأنواع الفرعية، بما في ذلك الأنواع الهجينة مثل البلوز روك والروك الشعبي والروك الريفي والروك الجاز، وساعد في تطوير الروك المخدر، الذي تأثر بحركات الثقافة المضادة المخدرية والهيبي. ظهرت أنواع أحدث، بما في ذلك الروك التقدمي، الذي وسع العناصر الفنية، والميتال الثقيل، الذي أكد على الصوت القاسي، والروك الساحر، الذي أكد على الأداء والأسلوب البصري.
عندما يتعلق الأمر بالنوع الموسيقي، فإن موسيقى الإيقاع والبلوز ليست شيئًا مألوفًا لدى الكثير من الناس. ومع ذلك، يميل معظم الناس إلى اختصارها إلى R&B أو R'n'B. نشأ هذا النوع الموسيقي الشعبي في المجتمع الأسود في أربعينيات القرن العشرين. بدأت شركات التسجيل في وصف التسجيلات التي تم تسويقها في المقام الأول للسود. أثناء صعود "موسيقى الجاز والروك الثقيلة والمستدامة" في الخمسينيات والسبعينيات، كانت الفرق تتكون عادةً من بيانو وجيتار واحد أو اثنين وجيتار باس وطبول وساكسفون واحد أو أكثر وأحيانًا مغني احتياطي. غالبًا ما تلخص كلمات أغاني R&B تاريخ وتجارب السود في أمريكا، بما في ذلك الألم والسعي إلى الحرية والسعادة، فضلاً عن الانتصارات والإخفاقات من حيث العنصرية والقمع والعلاقات والاقتصاد والتطلعات الاجتماعية. كما ترى، لدينا أخيرًا نوع موسيقي يعكس أسلوب حياة مجموعة في مجتمع مكثف ومتنوع، ويمتزج مع جميع أنواع الموسيقى، وبطبيعة الحال، تغير معنى "الإيقاع والبلوز" عدة مرات. في أوائل الخمسينيات من القرن العشرين، كان المصطلح يستخدم غالبًا لتسجيلات البلوز. في منتصف الخمسينيات، بعد أن ساعدت هذه الموسيقى في تطوير موسيقى الروك أند رول، بدأ استخدام مصطلح "R&B" في سياق أوسع، للإشارة إلى أسلوب موسيقي تطور من البلوز الكهربائي والإنجيل والسول ودمجهما. في السبعينيات، تغير "الإيقاع والبلوز" مرة أخرى واستخدم كمصطلح جماعي للسول والفانك. تطور نمط جديد من موسيقى الـ R&B وأصبح يُعرف باسم "R&B المعاصر". يجمع هذا النمط المعاصر بين الـ R&B مع موسيقى البوب والديسكو والهيب هوب والسول والفانك والموسيقى الإلكترونية. تم تطبيق الـ R&B على ألبومات البلوز بحلول ذلك الوقت. عرّف الكاتب والمنتج روبرت بالمر موسيقى الإيقاع والبلوز بأنها "مصطلح جماعي لجميع أشكال الموسيقى التي صنعها الأمريكيون السود ولصالحهم". كما استخدم مصطلح "R&B" كمرادف لموسيقى البلوز المبهجة. ومع ذلك، فصلت AllMusic المصطلح عن موسيقى البلوز المبهجة لأن موسيقى الإيقاع والبلوز كانت ذات تأثير إنجيلي أكبر.[16] كتب لورانس كوهن مؤلف كتاب Nothing but the Blues أن "موسيقى الإيقاع والبلوز" كانت مصطلحًا شاملًا تم اختراعه لراحة الصناعة. ووفقًا له، فإن المصطلح يغطي جميع الموسيقى السوداء، باستثناء الموسيقى الكلاسيكية والدينية، ما لم تكن موسيقى الإنجيل تُباع بشكل جيد بما يكفي لتُدرج في المخططات حتى أوائل القرن الحادي والعشرين. استمر استخدام مصطلح R&B (في بعض السياقات) لتصنيف الموسيقى التي صنعها الموسيقيون السود، منفصلة عن الأنماط التي صنعها موسيقيون آخرون. في موسيقى الإيقاع والبلوز التجارية، التي ميزت الخمسينيات والسبعينيات، تتكون الفرق عادةً من بيانو وجيتار واحد أو اثنين وجيتار باس وطبول وساكسفون. كانت الترتيبات تتم بالحد الأدنى، وفي بعض الأحيان كانت تتضمن مغنيين احتياطيين. كانت الأجزاء البسيطة المتكررة متشابكة، مما يخلق زخمًا وعزفًا إيقاعيًا خلق نسيجًا ناعمًا ولحنيًا ومنومًا في كثير من الأحيان مع لفت الانتباه إلى الأصوات الفردية، على الرغم من أن المغنيين كانوا منخرطين عاطفياً في الكلمات، غالبًا بشكل مكثف. لكنهم ظلوا هادئين ومسترخين ومسيطرين. ارتدت الفرقة بدلات وزى موحد، وهي ممارسة مرتبطة بالموسيقى الشعبية التي يطمح موسيقيو R&B إلى الهيمنة عليها. كانت الكلمات غالبًا ما تنذر بالسوء، وغالبًا ما تتبع الموسيقى أنماط وأوتار يمكن التنبؤ بها. غالبًا ما تجسد كلمات R&B التجارب المؤلمة للأمريكيين من أصل أفريقي. لخصت إحدى منشورات سميثسونيان أصول هذا النوع في عام 2016: "الموسيقى الأمريكية الأفريقية، على وجه التحديد، والتي تستمد من الفروع العميقة للتعبير الأمريكي الأفريقي، هي مزيج من موسيقى الإنجيل والبلوز والسوينغ الكبير والبوجي والبلوز التي تطورت على مدى ثلاثين عامًا امتدت خلال عصر الموسيقى القانونية.
تُستخدم الآلات الإلكترونية على نطاق واسع في جميع أشكال الموسيقى تقريبًا. في الموسيقى الشعبية، مثل موسيقى الرقص الإلكترونية، تكون جميع الأصوات المسجلة تقريبًا إلكترونية (مثل آلات توليف الجهير، وآلات التوليف، وآلات الطبول). يظل تطوير الآلات الإلكترونية الجديدة، وأجهزة التحكم، وأجهزة التوليف مجالًا نشطًا ومتعدد التخصصات للبحث. تُعقد المؤتمرات الدولية حول الواجهات الجديدة للتعبير الموسيقي، لتقديم تقارير عن الأعمال المتطورة وعرض الفنانين الذين يؤدون أو ينشئون الموسيقى باستخدام آلات إلكترونية جديدة وأجهزة تحكم وأجهزة توليف. والآن إلى المحتوى الأكثر كثافة حول هذا الموضوع الموسيقي. كان أحد التطورات الجديدة الرئيسية هو ظهور أجهزة الكمبيوتر لغرض تأليف الموسيقى. بدلاً من التحكم في الأصوات أو توليدها، كان يانيس زيناكيس رائدًا لما أسماه Musique Stochastique، أو الموسيقى العشوائية، وهي طريقة لتأليف الموسيقى تستخدم أنظمة الاحتمالات الرياضية. تم استخدام خوارزميات احتمالية مختلفة لتوليد الأعمال ضمن مجموعة من المعلمات. استخدم زيناكيس ورق الرسم البياني للمساعدة في حساب مسارات سرعة الانزلاقات لقطعته الأوركسترالية Metastasis (1953-1954)، لكنه تحول لاحقًا إلى أجهزة الكمبيوتر للتأليف، مثل ST/4 لرباعية الوتريات وST/48 للأوركسترا (كلاهما عام 1962). استمر تأثير أجهزة الكمبيوتر في عام 1956 عندما قام ليجارين هيلر وليونارد إيزاكسون بتأليف مجموعة إيلياك لرباعية الوتريات. كان هذا أول عمل كامل للتأليف بمساعدة الكمبيوتر باستخدام التأليف الخوارزمي. في عام 1957، كتب ماكس ماثيوز من مختبر بيل سلسلة MUSIC-N، وهو أول برنامج كمبيوتر لتوليد موجات صوتية رقمية عن طريق التوليف المباشر. ثم كتب باري فيركو MUSIC 11، استنادًا إلى برنامج توليف الموسيقى من الجيل التالي MUSIC IV-BF (تم تطويره لاحقًا إلى csound، والذي لا يزال مستخدمًا على نطاق واسع). في منتصف الثمانينيات، قام ميلر بوكيت من معهد IRCAM بتطوير برنامج معالجة الإشارات الرسومية لجهاز 4X والذي يسمى Max (نسبة إلى Max Matthews)، ثم نقله لاحقًا إلى Macintosh (مع قيام Dave Ciccarelli بتوسيعه إلى Opcode [39]) للتحكم في MIDI في الوقت الفعلي، مما يجعل التكوين الخوارزمي في متناول معظم الملحنين بمستوى متوسط من برمجة الكمبيوتر.
الهاوس هو نوع من أنواع موسيقى الرقص الإلكترونية التي تتميز بإيقاع متكرر من أربع نبضات وإيقاع عام يتراوح بين 115 و130 نبضة في الدقيقة. ويعتقد أنه عندما يستمع كثير من الناس إلى هذا النوع، فإنهم غالبًا ما يعتقدون أنه ربما تم اختراعه أو ابتكاره من خلال صنع الموسيقى في المنزل أو من ثقافة الأسرة أو من قبل أشخاص في المنزل. ولكن في الواقع، تم ابتكار هذا النوع من قبل منسقي الأغاني ومنتجي الموسيقى من ثقافة النوادي السرية في شيكاغو وتطور تدريجيًا في أوائل إلى منتصف الثمانينيات عندما بدأ منسقو الأغاني في تغيير موسيقى الديسكو ليكون لها إيقاع أكثر ميكانيكية. في أوائل عام 1988، أصبح الهاوس سائدًا وحل محل الإيقاعات العامة في الثمانينيات. إذا تعمقنا أكثر، في الواقع، في شكله الأكثر عمومية، يتميز هذا النوع بإيقاع متكرر 4/4، وطبلة جهير، وهاي هات غير متناغمة، وطبلة صغيرة، وتصفيق، و/أو صفعات بإيقاع يتراوح بين 120 و130 نبضة في الدقيقة (نبضة في الدقيقة)، وريفيات مُصنِّعة، وخط جهير عميق، وغالبًا، ولكن ليس بالضرورة، غناء أو تحدث أو أخذ عينات. في موسيقى الهاوس، تُعزف طبلة الجهير عادةً على الإيقاعات 1 و2 و3 و4، وتُستخدم طبلة صغيرة أو تصفيق أو آلة إيقاعية ذات نبرة أعلى على الإيقاعين 2 و4. عادةً ما تكون إيقاعات الطبول في موسيقى الهاوس عبارة عن آلات طبول إلكترونية، عادةً Roland TR-808 أو TR-909 أو TR-707. تُستخدم التصفيقات أو الهزات أو طبلة صغيرة أو أصوات الهاي هات لإضافة الإيقاع المتقطع. تعتمد الألحان الإيقاعية المميزة، وخاصة في موسيقى الهاوس في شيكاغو المبكرة، على نمط كلاف، وأحيانًا مع إضافة الكونجا والبونجو للحصول على صوت أفريقي. أو قرع معدني للحصول على إحساس لاتيني.
موسيقى الرقص الإلكترونية في الواقع، من أين تطور أصل نوع موسيقى الرقص الإلكترونية ونشأته؟ من المؤلف، عندما ولدت، سمعت هذا النوع الموسيقي. جعلني أراها كشيء دولي يأتي من أوروبا ويعرفه الناس باسم نوع الموسيقى (EDM) أو الاسم الذي يمكن أن يطلق عليه موسيقى الرقص أو الموسيقى التي يحبها عشاق الحياة الليلية والشغف بالموسيقى، لحن النوادي. بالطبع، إنها مجموعة متنوعة من الموسيقى الإيقاعية الإلكترونية التي يتم إنشاؤها للنوادي الليلية والحفلات الراقصة والمهرجانات الموسيقية. يتم إنتاجها عمومًا للعزف بواسطة منسقي الأغاني الذين ينشئون مجموعة سلسة من الأغاني تسمى. مزيج DJ عن طريق التغيير من تسجيل إلى آخر. غالبًا ما يكون المتحكم في البرنامج، البطل المجهول في عالم EDM، هو العقل المدبر وراء إنتاج هذا النوع. لا يقتصر EDM على الاستوديو فحسب؛ بل إنه ينبض بالحياة في شكل عروض حية في الحفلات الموسيقية أو المهرجانات، وهو الشكل الذي يشار إليه غالبًا باسم PA المباشر. عند الحديث عن القرن منذ نشأته، فقد توسعت EDM. أصبحت موسيقى الرقص الإلكترونية شائعة على نطاق واسع في أوروبا في أواخر الثمانينيات وأوائل التسعينيات بعد ظهور حفلات الرايف، وموسيقى الراديو المقرصنة، وحفلات السحاب، والمهرجانات السرية، والاهتمام المتزايد بثقافة النوادي. ومع ذلك، فإن ثقافة الرايف ليست شائعة على نطاق واسع في الولايات المتحدة. فهي غير شائعة بشكل عام خارج المشاهد الإقليمية في مدينة نيويورك، وفلوريدا، والغرب الأوسط، وكاليفورنيا. وعلى الرغم من أن موسيقى الإلكترو، وشيكاغو هاوس، وتكنو ديترويت أثرت على كل من أوروبا والولايات المتحدة، إلا أن وسائل الإعلام السائدة وصناعة التسجيلات الأمريكية ظلت ترفض هذا النوع علنًا حتى التسعينيات وما بعدها. كان هناك أيضًا وعي متزايد باتصال موسيقى الرقص الإلكترونية بثقافة المخدرات، مما دفع حكومات الولايات والمدن إلى إقرار قوانين وسياسات تهدف إلى وقف انتشار ثقافة الرايف. أوه، هذا يبدو مثيرًا ومفاجئًا بالنسبة لي. هل يمكن لأنواع الموسيقى أن تعكس حقًا شخصيات الأشخاص الذين يستمعون إليها؟ في وقت لاحق من الألفية الجديدة، نمت شعبية موسيقى الرقص الإلكترونية في جميع أنحاء العالم، وخاصة في الولايات المتحدة وأستراليا. في أوائل العقد الأول من القرن الحادي والعشرين، دفعت صناعة الموسيقى الأمريكية ووسائل الإعلام الموسيقية بمصطلحي "موسيقى الرقص الإلكترونية" والاختصار "EDM" لإعادة تسمية ثقافة الرايف الأمريكية. وعلى الرغم من محاولات الصناعة وضع علامة تجارية لموسيقى الرقص الإلكترونية كنوع واحد، إلا أن الاختصار لا يزال يُستخدم كمصطلح شامل للعديد من الأنواع، بما في ذلك موسيقى البوب الراقصة والهاوس والتكنو والإلكترونيك والترانس، بالإضافة إلى الأنواع الفرعية ذات الصلة. وكلها تسبق الاختصار. إن ولادة كل نوع موسيقي لا تحتوي على قصة وتنشأ في عصر ساموي فحسب، بل إنها تعكس أيضًا قيمة استخدام الموسيقى لعلاج الروح البشرية وأصبحت تاريخًا لخصته بإيجاز في المقال. التاريخ الموسيقى الإلكترونية وتاريخ منسقي الأغاني تطورت أنواع مختلفة من موسيقى الرقص الإلكترونية على مدار الأربعين عامًا الماضية، بما في ذلك موسيقى الهاوس والتكنو والدرامز آند باس وموسيقى البوب الراقصة والمزيد. يمكن أن تؤدي التغييرات الأسلوبية داخل أنواع موسيقى الرقص الإلكترونية الموجودة إلى ظهور ما يُعرف بالأنواع الفرعية. إن دمج عناصر نوعين أو أكثر من الموسيقى يمكن أن يؤدي إلى ظهور نوع جديد تمامًا من موسيقى EDM.
عندما يتعلق الأمر بهوية نوع موسيقى Dubstep، فقد لا يكون مألوفًا جدًا لمحبي هذا النوع من الموسيقى. بتميزه وخصائصه، فهو يشبه موسيقى الرقص الإلكترونية التي نشأت في جنوب لندن في أوائل العقد الأول من القرن الحادي والعشرين. نشأ هذا النمط من فرع موسيقى الجراج في المملكة المتحدة، والتي جمعت بين إيقاعات الخطوتين وإنتاج الدوب الناعم. في المملكة المتحدة، كانت أصول هذا النوع من الموسيقى من نمو مشهد حفلات نظام الصوت الجامايكي في أوائل الثمانينيات. يتميز Dubstep باستخدام أنماط إيقاع متزامنة وخطوط باس بارزة ونغمات داكنة. في عام 2001، بدأ عرض هذا الصوت تحت الأرض وأنواع الجراج الأخرى والترويج لها في ملهى Plastic People الليلي في لندن، في حدث "Forward" (أحيانًا FWD>>)، وعلى محطة الراديو القراصنة Rinse FM، والتي كان لها لاحقًا تأثير كبير على تطوير موسيقى الدوبستيب. إيقاع نصف الوقت: يستخدم الدبستيب غالبًا إيقاعات تبدو وكأنها إيقاعات نصف الوقت (على الرغم من أنها سريعة بالفعل)، كما هو الحال في هذا المثال الذي يوضح أن الأغنية لها إيقاع 71 نبضة في الدقيقة، والذي يبدو وكأنه نصف وقت الإيقاع الأسرع (142 نبضة في الدقيقة). هذه إحدى التقنيات التي تساعد في خلق التوتر والقوة في الأغنية. الجهير الفرعي: يتمتع صوت الجهير المنخفض والسميك الفريد من نوعه في الدبستيب باهتزاز قوي ويمكن الشعور به جسديًا. يمنح استخدام هذا الجهير القوي الأغنية مزيدًا من العمق والقوة. العينات المقطوعة: غالبًا ما يستخدم الدبستيب أصواتًا قصيرة أو مقتطعة أو "مقتطعة" لإضافة الاهتمام إلى الإيقاع والصوت، مما يمنحه شعورًا متقطعًا أو غير متساوٍ. أعتقد أنه أثناء قراءتك لهذا المقال، ستبدأ في إدراك أن الأنواع غالبًا ما يتم تكييفها والتلاعب بها لخلق جاذبية جمالية لعشاق الموسيقى، وهو شيء فريد حقًا يتم إنشاؤه في شكل نوع يمكن التعرف عليه ومميز، ونعم، في بعض الأحيان. القطع الصوتية: يمكن أن تحتوي موسيقى الدبستيب على غناء مقطوع ومشوه، مما يمنح الموسيقى عمقًا وأجواءً أعمق.
ما هي موسيقى التراب ومن أين نشأت وما الغرض من هذا النوع؟ النوع الذي غيّر صناعة الموسيقى ظهرت موسيقى التراب في أوائل العقد الأول من القرن الحادي والعشرين، ونشأت في أتلانتا بولاية جورجيا بالولايات المتحدة الأمريكية. يأتي مصطلح "تراب" من اللغة العامية التي تعني تجارة المخدرات في الولايات المتحدة، وهي واحدة من الموضوعات الرئيسية الموجودة في هذا النوع من الموسيقى. تتميز موسيقى التراب بطبول 808، والهي هات، ولفائف الصنج، والمركبات أو الألحان. يتم تنظيم إيقاعات الأغاني بطريقة مثيرة. وقد أدى هذا إلى زيادة في الشعبية بين فناني الهيب هوب والمنتجين من الأنواع الأخرى. أصل ونمو موسيقى التراب. اشتهرت موسيقى التراب لأول مرة في الفترة من 2003 إلى 2005. كان أول الفنانين الذين ساعدوا في إنشاء هذا النوع ونشره هم تي آي، وغوتشي مان، ويونغ جيزي. على وجه الخصوص، كان ألبوم Trap Muzik الذي أصدره T.I. في عام 2003 فعالاً في التعريف الرسمي لمصطلح "موسيقى Trap" كنوع موسيقي.
إذا لم تكن على دراية بنوع الموسيقى الشعبية اليوم، فسأصحبك لاستكشافه بعمق مع ملخص سيجده المؤلف والقراء معًا. يعتقد الكثير من الأشخاص الذين يستمعون إلى هذا النوع من الموسيقى أن الموسيقى الشعبية هي نوع يعكس الثقافة وطريقة الحياة، بجذورها في تقاليد وثقافة كل منطقة. على سبيل المثال، تنقل الأغنية الشعبية الأيرلندية "The Parting Glass" أو الأغنية الشعبية الأمريكية "This Land Is Your Land" قصص الناس وطريقة حياتهم ومعتقداتهم وتجاربهم التي انتقلت من جيل إلى جيل. وإذا تحدثنا عن تطور الموسيقى الشعبية، فإن الموسيقى الشعبية موجودة في كل بلد وتطورت وفقًا للأوقات. في القرن العشرين، انتعشت الموسيقى الشعبية بشكل كبير، وخاصة في الولايات المتحدة وأوروبا. كان الفنانون الذين لعبوا دورًا أساسيًا في جلب الموسيقى الشعبية إلى التيار الرئيسي هم بوب ديلان وجوان بايز وودي جوثري. الموسيقى الشعبية ليست مجرد نوع، بل هي أداة لسرد القصص عن المجتمع. إنها وسيلة تستخدم لعكس مشاكل ومشاعر الناس في كل عصر. على سبيل المثال، تم استخدام الأغاني الشعبية لمعالجة القضايا الاجتماعية مثل الفقر والحرب والحقوق المدنية. سواء كانت الأغاني الشعبية التي تعكس المشاكل الاجتماعية أو الأغاني الشعبية التقليدية أو الموسيقى التي تم دمجها مع الموسيقى الحديثة، لا تزال الموسيقى الشعبية تلعب دورًا مهمًا في صناعة الموسيقى في جميع أنحاء العالم وانتشرت بشكل لا يصدق. لا أستطيع أن أصدق أن الموسيقى الشعبية فريدة من نوعها حقًا وتقدم قصصًا ثقافية تجذب المستمعين. ولهذا السبب فإن خصائص الموسيقى الشعبية هي الأغاني التي تحكي قصص الناس مثل الحب والعمل والسعادة والحزن والأحداث التاريخية. مع الألحان البسيطة، غالبًا ما يتم استخدام الآلات الصوتية مثل الجيتار والكمان والبانجو والمندولين والفلوت. تم تناقلها شفهيًا قبل تسجيلها على شكل ملاحظات أو تسجيلها في العصر الحديث. مع خصائص فريدة لكل ثقافة، مثل الموسيقى الشعبية الأيرلندية، أو البلوجراس الأمريكي، أو موسيقى الريف التايلاندية، أو موسيقى الفلامنكو الإسبانية. إذا كنت قد قرأت حتى هذا الحد، فقد اختبرت وأدركت بالفعل أن الموسيقى الشعبية تحتوي دائمًا على قصص تحتوي على طاقة جيدة.
لا شك أن السفر حول العالم يجعل المدينة لا تُنسى، وأعتقد أنه إذا سافرت إلى أي دولة جنوبية في أمريكا، فسوف تكون على دراية بالموسيقى اللاتينية بالتأكيد. حتى لو لم تكن على دراية بها، فإن السكان المحليين والمواطنين الذين حافظوا على الموسيقى المحلية سيكونون قادرين بالتأكيد على تعريفك بأصوات الموسيقى اللاتينية. وهذا هو السبب في أن الموسيقى اللاتينية ظلت تحظى بشعبية حتى يومنا هذا، وأصبحت تحظى بشعبية متزايدة حتى بعد انتقالها إلى أمريكا. أعتقد أنك سوف تحب هذا النوع من الموسيقى أيضًا، لأنه يحتوي على إضافة باللغة الإسبانية أو البرتغالية، مما يجعلها جذابة مرة أخرى. بدأ العصر الذهبي للموسيقى اللاتينية عندما قامت NARAS في عام 1997 بتأسيس أكاديمية التسجيل اللاتينية (LARAS) في محاولة لتوسيع عملياتها في كل من أمريكا اللاتينية وإسبانيا. في سبتمبر 2000، أطلقت LARAS جوائز Latin Grammy Awards، وهي حفل توزيع جوائز منفصل عن جوائز Grammy. وقال المنظمون إن عالم الموسيقى اللاتينية أصبح أكبر من أن يتسع لحفل جوائز جرامي. قال مايكل جرين، الرئيس السابق لـ NARAS، ذات مرة إن تنوع أنماط الموسيقى اللاتينية أدى إلى تعقيد إنشاء جوائز جرامي اللاتينية. وبما أن الشيء الوحيد المشترك بينهم هو اللغة، تُمنح جوائز Latin Grammy للتسجيلات التي يتم تشغيلها باللغة الإسبانية أو البرتغالية، في حين تركز المنظمة على الموسيقى من أمريكا اللاتينية وإسبانيا والبرتغال. منذ أواخر تسعينيات القرن العشرين، شهدت الولايات المتحدة نموًا متزايدًا في عدد سكانها من "اللاتينيين"، وهو مصطلح انتشر في الستينيات من خلال الخلط بين مصطلح "إسباني" ومصطلح "هسباني" الأكثر ملاءمة ولكن الأقل شعبية. بدأ الناس في الولايات المتحدة في الإشارة إلى جميع الموسيقى التي تتميز بالغناء الإسباني على أنها "موسيقى لاتينية". تم تصنيف الإسبانية المغناة في أي نوع على أنها "لاتينية"، مما جعل الفنانين في إسبانيا يطلق عليهم "لاتينيون".
