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Il existe un nouveau format de codage audio appelé .flac. Cela signifie « Codec audio sans perte gratuit ». La Fondation Xiph.org a été fondée et développée en 1994. La Fondation Xiph.org est une organisation à but non lucratif qui produit des outils logiciels open source ainsi que des formats multimédias. Flac est une forme de codage audio pour les fichiers compressés sans perte. Lorsque celui-ci a été développé, il était disponible sous forme de logiciel gratuit. Flac a la capacité de compresser et de réduire la taille d'un fichier de 50 % à 70 % par rapport au WAV ou à d'autres formats sans perte et peut reproduire son audio sans perte. C'est un excellent outil si vous êtes limité en espace ou si vous ne souhaitez pas utiliser WAV car les fichiers sont très volumineux. Flac offre une compression sans sacrifier la qualité. Une réduction de la taille de 50 à 70 % pourrait fournir de l'espace supplémentaire pour d'autres applications, ce qu'il ne pourrait pas faire en utilisant WAV. Sans perte signifie aucune perte de qualité audio et est la norme dans l’industrie musicale. Flac offre un grand avantage pour de nombreuses applications.
MP3, también conocido como MPEG capa 3, es un formato de archivo de audio digital que almacena y comparte archivos de audio. Kbps, conocido como kilobits por segundo, se refiere a la "tasa de bits", que es la calidad y el tamaño de compresión del archivo de audio. 128 kb es el tamaño del archivo MP3 que tiene una tasa de bits de 128 kilobits por segundo. Esto es bajo en comparación con 256 o 320, que es una calidad relativamente más alta de un formato de audio MP3. Esto hace que el tamaño del archivo sea más eficiente para almacenar y compartir a través de Internet. El efecto negativo de esto sería que velocidades de bits más bajas darán como resultado una calidad de archivo de audio más baja.
MP3 256kb es la tasa de bits del archivo MP3, que permite procesar una cantidad de datos por segundo al reproducir el audio. Cuanto mayor sea la tasa de bits, mayor será el tamaño del archivo. Esto da como resultado una mejor calidad. Un tamaño de archivo de 256 kb significa que el archivo de audio tiene una tasa de bits de 256 kilobits por segundo. Esto es mucho más grande en comparación, por ejemplo, con un archivo de 64 kb, que suele ser el tamaño de archivo de un tono de llamada. El razonamiento detrás de la "calidad de sonido" depende de factores como la configuración de codificación, los dispositivos de reproducción y el material fuente. La preferencia por la calidad del audio depende de cómo se distribuya el archivo de audio. Por ejemplo, grabar un archivo de audio en un estudio de grabación (.wav) en comparación con una descarga digital (128-320 kb).
El caso de 320kb se refiere al tamaño de archivo con una tasa de bits de 320 kilobits por segundo, que es la tasa de bits más alta entre los tamaños de archivos MP3 disponibles para descargar. Una tasa de bits más alta, como 320 kb, da como resultado una mejor calidad ya que se utilizan más datos para codificar la información de audio. A 320 kb, el archivo de audio puede tener una calidad superior a 128 o 256. Aún así, es importante tener en cuenta que la calidad del archivo de audio depende de otros factores, incluido el material fuente, la configuración de codificación y, lo más importante, un dispositivo de reproducción.
WAV o formato de archivo de audio Waveform es un formato de archivo de audio que se utiliza para almacenar grabaciones de audio digital con la más alta calidad de archivo de audio. WAV es un archivo sin ningún tipo de compresión. WAV se graba en el tamaño del archivo original. IBM y Microsoft desarrollaron WAV a principios de la década de 1990 como estándar para almacenar archivos de audio digitales en computadoras. WAV tiene la más alta calidad absoluta; sin embargo, la desventaja es que también es un archivo enorme. WAV no tiene metadatos. Los metadatos identifican información como artista, título, año, número de pista, etc. WAV es el estándar de la industria en la producción musical debido a la calidad del sonido. Los ingenieros de sonido y productores musicales dicen que también proporciona un mayor rango dinámico y profundidad al sonido que no está disponible en otros formatos. WAV hizo más que ser el estándar para el almacenamiento de audio en computadoras; se convirtió en el formato de archivo de audio de mayor calidad. Hoy en día, WAV es el formato de archivo de audio estándar en la industria musical y es el pináculo de la calidad en un archivo de audio. WAV se puede utilizar en cualquier dispositivo, como DVD, TV, iPad, computadora, etc. WAV solía ser un problema con los teléfonos inteligentes debido a su tamaño, pero ahora que los teléfonos pueden almacenar de 64 GB a 1 T de datos, ya no lo es. ya no es un problema.
Un tono de llamada o recortar un tono de llamada se refiere al proceso de acortar o cortar una sección de un archivo de audio para crear un tono de llamada según sus preferencias. Al comprar o descargar un tono de llamada, puede ser una versión completa de la canción, o Puede que sea solo el clip de 30 segundos el que sea menos personalizable. El uso de recortar un tono de llamada puede permitirle seleccionar una sección del archivo de audio. La sección generalmente recortada para crear un tono de llamada sería una melodía pegadiza o un estribillo de su canción de preferencia. Hoy en día, se han desarrollado muchos teléfonos inteligentes y aplicaciones para permitir al usuario recortar y personalizar fácilmente los tonos de llamada ajustando el punto de inicio y finalización del archivo de audio. Este proceso se ha realizado mediante el uso de una interfaz visual que permite al usuario ver la forma de onda del archivo de audio y recortarla según sus preferencias. Esta es una herramienta divertida. Puede estar fácilmente al tanto de todas sus notificaciones entrantes y divertirse con diferentes tonos de llamada. Esta herramienta le permite personalizar todas sus notificaciones de audio para que sepa qué Acaba de llegar por el tono de llamada. Personalice cada tono de llamada para diferentes notificaciones, como correo entrante, texto entrante, publicaciones de Facebook, Instagram, Twitter, alertas meteorológicas, etc. Además de los tonos de llamada estándar, también puede recortar una canción o un archivo de audio favorito para que solo reproduzca una pieza corta. El uso de recortar un tono de llamada puede permitirle seleccionar solo una sección del archivo de audio o un verso en lugar de toda la canción. La sección que normalmente se recorta para crear un tono de llamada sería una melodía pegadiza o un estribillo de su canción preferida. Tal vez tu canción de boda cuando tu esposo te llama o te envía un mensaje de texto, o la canción favorita de tu mamá cuando te llama o te envía un mensaje de texto. Es posible que la mayoría de las personas no sepan que se han desarrollado muchos teléfonos inteligentes y aplicaciones para permitir al usuario recortar y personalizar fácilmente los tonos de llamada ajustando el punto de inicio y finalización del archivo de audio. Este proceso se realizó mediante el uso de una interfaz visual que permite al usuario ver la forma de onda del archivo de audio y recortarlo según sus preferencias. La forma de onda del audio te permite ver exactamente dónde comienza la letra o melodía preferida y luego puedes elegir exactamente dónde quieres que termine.
¿Crees que la música siempre crea milagros y paz en el corazón? Y el estilo hip-hop sigue siendo un género que a la gente todavía le gusta en todas las épocas. Y no se puede negar que cada estilo de música todavía tiene un aroma que está impregnado de la cultura y la diversidad de la gente en la melodía de la música. Y eso hace que todavía se hable siempre del hip hop. Está claro que escuchar música hip-hop nos hace sentir siempre que están hablando a través del canto y comunicándose a través de la música o ritmos musicales acordes a la situación o a las personas que la escuchan. El hip-hop en la década de 1970 fue muy popular. Y por supuesto, en cada época siempre hay irregularidades. La música hip-hop no se grabó oficialmente para radio o televisión hasta 1979, principalmente debido a la pobreza en el momento de su nacimiento y la falta de aceptación de la comunidad negra. Este género comenzó a difundirse a través de fiestas cerradas en toda la comunidad negra. Esto es una cosa que nos hace reflexionar sobre la importancia de un grupo de personas que tienen diversidad. No importa qué estilo de música escuches, siempre podemos aprender de las diferencias para ser bellos.
¿Cómo influyó o se originó realmente la música pop? ¿Y es cierto que es fácil de oír y escuchar para todas las edades? Porque la mayoría de la gente cree que la música se originó a partir de la cultura y el arte que siempre estuvieron unidos. ¿Y cómo sigue siendo una canción pegadiza para los amantes de la música? ¿Quién sabe si el estilo de la música pop es realmente moderno o conservador? De hecho, la música pop ha evolucionado junto con su definición. Como dice el escritor musical Bill Lamb, la música pop es “todas las formas de música desde la Revolución Industrial del siglo XIX que más se asemejan a los gustos e intereses de la clase media urbana”. El término “música pop” se utilizó por primera vez en 1926 para referirse a la música “popular entre las masas”. ”Hatch y Millward sostienen que varios eventos en la historia de la grabación de la década de 1920 se consideran la cuna de la industria de la música pop moderna, incluidos el country, el blues y el hillbilly. La música pop se produjo como un esfuerzo, no como una forma de arte”, y fue “diseñada para atraer a todo el mundo”, pero “no se originó en ningún lugar ni expresó ningún gusto en particular”. Frith añade: “La música pop no está impulsada por grandes ambiciones, salvo las ganancias y las recompensas comerciales, y musicalmente, no está impulsada por grandes ambiciones, salvo las ganancias y las recompensas comerciales”. La música pop es fundamentalmente conservadora. Viene de arriba (de los sellos discográficos, la radio y los promotores de conciertos) más que de abajo. No es música hecha por ellos mismos, sino música producida y empaquetada profesionalmente, y a menudo se cita como la mejor de la música pop. Como dice Frith, las características de la música pop incluyen su objetivo de atraer a un público general en lugar de a una subcultura o ideología específica, y su énfasis en la artesanía en lugar de en las cualidades “artísticas” formales.
Cuando imaginas una canción country, ¿qué te viene a la mente? Para mí, es una canción llena de amor, calidez de la familia o en medio de los campos en el campo. No podemos imaginar que cada vez que escuchamos una canción country, nos hará sentir tensos o convertirnos en seguidores de este estilo de música. U otro nombre que todavía conoces hasta hoy se llama música Country. El country (también llamado country y western) es un género musical que se originó en la región sur de los Estados Unidos, tanto en el sur como en el suroeste. La música country, que se produjo por primera vez en la década de 1920, se centró en cantar canciones que contaban historias sobre las vidas de la clase trabajadora y los trabajadores en Estados Unidos. Suena muy interesante porque no pensaba que los estadounidenses fueran un país diverso y que tuviera un estilo de música que siempre fuera hermoso en sus diferencias. Y eso fue lo que pasó. ¿Eres seguidor de este género de música? Y lo que me sorprendió. En 2009, en Estados Unidos, la música country fue la música más escuchada durante las horas punta del trayecto vespertino y también fue el segundo género más popular durante el trayecto matutino. La música country es conocida por sus baladas y canciones bailables ("canciones honky-tonk") que tienen formas sencillas y letras folclóricas. Y la armonía suele ir acompañada de instrumentos como el banjo, el violín, la armónica y varios tipos de guitarra (incluidas las guitarras acústicas, eléctricas, de acero y resonadoras). Aunque la música country tiene sus raíces en la música folclórica estadounidense en formas como la antigua y la de los Apalaches, muchas otras tradiciones, como la mexicana, la irlandesa y la hawaiana, también han influido en su creación. El modo blues del blues también se ha utilizado ampliamente a lo largo de la historia. Por supuesto, creo que cuando llegues a este punto de tu lectura, es posible que estés un poco hastiado de cómo cada género a menudo incorpora la historia y las tradiciones culturales. Pero creo que ahí es donde empezó la estrecha conexión entre los valores conservadores y la música country contemporánea, en respuesta al movimiento contra la guerra de los años 60. Hasta entonces, casi toda la música country, que hasta ese momento se había llamado folk country, no tenía una orientación política clara y se centraba en los problemas y las ansiedades cotidianas de la clase trabajadora. El álbum Okie from Muskogee de Merle Haggard de 1969 presentó la música country con una perspectiva decididamente conservadora y política, que fue popular. El presidente republicano Richard Nixon fortaleció aún más esta conexión musical conservadora durante sus años en el cargo. Organizó con frecuencia eventos para músicos country, declaró octubre de 1970 como el Mes de la Música Country y apeló a los oyentes que veían la música country como algo motivado políticamente. Sin embargo, para entonces, la música country se había extendido a muchos países de Asia y a muchos otros países que veían la música country como una fuente constante de honor.
Cuando muchas personas escuchan el género musical, la música rock puede hacer que muchas personas piensen que la música rock puede tener historias o culturas incrustadas en ella, y es increíble que el origen de la música rock se originó en los Estados Unidos bajo el nombre de "rock and roll" a fines de la década de 1940 y principios de la década de 1950 y se ha desarrollado en muchas formas diferentes desde mediados de la década de 1960, principalmente en los Estados Unidos y el Reino Unido. El rock tiene sus raíces en el rock and roll, una forma que se nutre directamente de géneros musicales negros como el blues, el rhythm and blues y el country. El rock también está muy influenciado por géneros como el blues eléctrico y el folk, e incorpora influencias del jazz y otros estilos musicales. En cuanto a los instrumentos, el rock generalmente se centra en la guitarra eléctrica, que a menudo forma parte de un grupo de rock que tiene un bajo eléctrico, batería y uno o más cantantes. El rock suele ser una canción que enfatiza el canto, con un ritmo de 4 tiempos y utiliza un patrón de verso y armonía. Pero el género es muy diverso. Al igual que la música pop, las letras tienden a centrarse en el amor romántico, pero también hablan de muchos otros temas, a menudo sociales o políticos. El rock fue el género musical más popular en los Estados Unidos y en todo el mundo occidental desde la década de 1950 hasta la década de 2010. A mediados de la década de 1960, los músicos de rock comenzaron a impulsar el álbum por encima del sencillo como la forma dominante de expresión y consumo grabado, con The Beatles a la cabeza. Su trabajo llevó al género a la aceptación general y marcó el comienzo de la era del rock influenciada por los álbumes que duró décadas en la industria musical. A fines de la década de 1960, el rock clásico había generado una serie de subgéneros, incluidos híbridos como el blues rock, el folk rock, el country rock y el jazz rock, que ayudaron al desarrollo del rock psicodélico, que fue influenciado por los movimientos de contracultura psicodélica e hippie. Surgieron géneros más nuevos, incluido el rock progresivo, que expandió los elementos artísticos, el heavy metal, que enfatizaba un sonido duro, y el glam rock, que enfatizaba la interpretación y el estilo visual.
En lo que respecta al género musical, el rhythm and blues no es algo con lo que mucha gente esté familiarizada. Sin embargo, la mayoría de la gente tiende a abreviarlo como R&B o R'n'B. El género musical popular se originó en la comunidad negra en la década de 1940. Las compañías discográficas comenzaron a describir grabaciones que se comercializaban principalmente para los negros. Durante el auge del "jazz-rock pesado y sostenido" en las décadas de 1950 y 1970, las bandas generalmente estaban formadas por un piano, una o dos guitarras, un bajo, batería, uno o más saxofones y, a veces, un cantante de apoyo. Las letras de R&B a menudo resumen la historia y las experiencias de los negros en Estados Unidos, incluido el dolor, la búsqueda de la libertad y la felicidad, así como los triunfos y los fracasos en términos de racismo, opresión, relaciones, economía y aspiraciones sociales. Verás, finalmente tenemos un género musical que refleja la forma de vida de un grupo en una sociedad intensa y diversa, que se mezcla con todo tipo de música y, por supuesto, hace que el "rhythm and blues" cambie su significado muchas veces. A principios de los años 50, el término se usaba a menudo para los discos de blues. A mediados de los años 50, después de que esta música ayudara a desarrollar el rock and roll, el término "R&B" pasó a usarse en un contexto más amplio, refiriéndose a un estilo de música que evolucionó a partir del blues eléctrico, el gospel y el soul y los combinó. En los años 70, el "rhythm and blues" cambió de nuevo y se usó como un término colectivo para el soul y el funk. Se había desarrollado un nuevo estilo de música R&B y se lo conoció como "R&B contemporáneo". Este estilo contemporáneo combinaba el R&B con el pop, el disco, el hip hop, el soul, el funk y la música electrónica. El R&B se aplicó a los álbumes de blues en ese momento. El escritor y productor Robert Palmer definió el rhythm and blues como "un término colectivo para todas las formas de música hechas por y para los estadounidenses negros". También utilizó el término "R&B" como sinónimo de jump blues. Sin embargo, AllMusic separó el término de jump blues porque el R&B tenía una mayor influencia del gospel.[16] Lawrence Cohn, autor de Nothing but the Blues, escribió que "rhythm and blues" era un término general inventado para la conveniencia de la industria. Según él, el término cubría toda la música negra, excepto la música clásica y religiosa, a menos que la música gospel se vendiera lo suficientemente bien como para aparecer en las listas hasta bien entrado el siglo XXI. El término R&B continuó utilizándose (en algunos contextos) para categorizar la música hecha por músicos negros, separada de los estilos hechos por otros músicos. En la música rhythm and blues comercial, que caracterizó las décadas de 1950 y 1970, las bandas generalmente consistían en un piano, una o dos guitarras, bajo, batería y saxofón. Los arreglos se ensayaban al mínimo y, a veces, incluían coristas. Se entrelazaban partes simples y repetitivas, creando impulso y una interpretación rítmica que creaba una textura suave, melódica y, a menudo, hipnótica, al tiempo que atraía la atención hacia las voces individuales, aunque los cantantes estaban emocionalmente comprometidos con las letras, a menudo intensamente. Pero se mantuvieron tranquilos, relajados y en control. La banda vestía trajes y uniformes, una práctica que se asociaba con la música popular que los músicos de R&B aspiraban a dominar. Las letras eran a menudo siniestras y la música a menudo seguía patrones y estructuras de acordes predecibles. Las letras de R&B a menudo encapsulaban las dolorosas experiencias de los afroamericanos. Una publicación del Smithsonian resumió los orígenes del género en 2016: "La música afroamericana, específicamente, que se basa en las ramas profundas de la expresión afroamericana, es una fusión de gospel, jump blues, swing de big band, boogie y blues que se desarrolló durante un período de treinta años que abarcó la era de la música legal.
Los instrumentos electrónicos se utilizan ampliamente en casi todas las formas de música. En la música popular, como la música electrónica de baile, casi todos los sonidos grabados son electrónicos (por ejemplo, sintetizadores de bajos, sintetizadores, cajas de ritmos). El desarrollo de nuevos instrumentos electrónicos, controladores y sintetizadores sigue siendo un área de investigación activa y multidisciplinaria. La Conferencia Internacional sobre Nuevas Interfaces para la Expresión Musical se lleva a cabo para informar sobre trabajos de vanguardia y mostrar a los artistas que interpretan o crean música con nuevos instrumentos electrónicos, controladores y sintetizadores. Y ahora, el contenido más intenso sobre este tema musical. Un gran avance fue la llegada de las computadoras con el propósito de componer música. En lugar de controlar o generar sonidos, Iannis Xenakis fue pionero en lo que llamó Musique Stochastique, o música aleatoria, un método de composición musical que utilizaba sistemas de probabilidad matemática. Se utilizaban diferentes algoritmos probabilísticos para generar obras dentro de un conjunto de parámetros. Xenakis utilizó papel cuadriculado para calcular las trayectorias de velocidad de los glissandos en su pieza orquestal Metastasis (1953-54), pero más tarde recurrió a los ordenadores para la composición, como el ST/4 para cuarteto de cuerdas y el ST/48 para orquesta (ambos de 1962). El impacto de los ordenadores continuó en 1956, cuando Lejaren Hiller y Leonard Issacson compusieron la Suite Illiac para cuarteto de cuerdas. Esta fue la primera obra completa de composición asistida por ordenador utilizando composición algorítmica. En 1957, Max Matthews de Bell Lab escribió la serie MUSIC-N, el primer programa informático para generar ondas sonoras digitales mediante síntesis directa. Después, Barry Vercoe escribió MUSIC 11, basado en el programa de síntesis musical de próxima generación MUSIC IV-BF (más tarde desarrollado en csound, que todavía se utiliza ampliamente). A mediados de la década de 1980, Miller Puckett de IRCAM desarrolló un software de procesamiento de señales gráficas para el 4X llamado Max (en honor a Max Matthews), y más tarde lo adaptó a Macintosh (con Dave Ciccarelli extendiéndolo para Opcode[39]) para controlar MIDI en tiempo real, haciendo que la composición algorítmica fuera accesible para la mayoría de los compositores con un nivel intermedio de programación informática.
El house es una música electrónica de baile que tiene un ritmo repetitivo de cuatro tiempos y un tempo general de 115 a 130 pulsaciones por minuto. Se cree que cuando muchas personas escuchan este género, a menudo piensan que puede haber sido inventado o creado a partir de la música que se hace en casa o de la cultura familiar o de la gente que vive en la casa. Pero, de hecho, este género fue creado por DJ y productores musicales de la cultura de clubes underground de Chicago y se desarrolló gradualmente a principios y mediados de la década de 1980, cuando los DJ comenzaron a cambiar la música disco para tener un ritmo más mecánico. A principios de 1988, el house se convirtió en algo común y reemplazó los ritmos generales de los años 80. Si profundizamos un poco más, de hecho, en su forma más general, el género se caracteriza por un ritmo repetitivo de 4/4, un bombo, un hi-hat fuera de tiempo, una caja, palmas y/o slaps a un tempo entre 120 y 130 pulsaciones por minuto (bpm), riffs de sintetizador, una línea de bajo profunda y, a menudo, pero no necesariamente, voces cantadas, habladas o sampleadas. En la música house, el bombo se toca típicamente en los tiempos 1, 2, 3 y 4, y una caja, palmas o un instrumento de percusión de tono más alto se usa en los tiempos 2 y 4. Los ritmos de batería en la música house son típicamente cajas de ritmos electrónicas, típicamente la Roland TR-808, TR-909 o TR-707. Se usan palmas, sacudidas, cajas o sonidos de hi-hat para agregar síncopa. Los riffs rítmicos característicos, particularmente en el house de Chicago de los primeros tiempos, se construyen siguiendo un patrón de clave, a veces con congas y bongós añadidos para un sonido africano, o percusión metálica para un aire latino.
Música electrónica de baile De hecho, ¿de dónde surgió y evolucionó el género de la música electrónica de baile? Del autor, cuando nací, escuché el género musical. Me hizo verlo como algo internacional que viene de Europa y que la gente conoce como el género musical (EDM) o el nombre que se puede llamar música de baile o música que los amantes de la vida nocturna y son apasionados por la música, la melodía del club. Por supuesto, es una variedad de música electrónica de percusión que se crea para clubes nocturnos, raves y festivales de música. Generalmente se produce para que la reproduzcan DJ que crean una selección perfecta de canciones llamadas. Mezcla de DJ cambiando de una grabación a otra. El controlador del programa, a menudo el héroe anónimo del mundo EDM, es el cerebro detrás de la producción de este género. El EDM no se limita solo al estudio; cobra vida en forma de presentaciones en vivo en conciertos o festivales, un formato al que a menudo se hace referencia como PA en vivo. Hablando del siglo desde su inicio, el EDM se ha expandido. La música electrónica de baile se hizo muy popular en Europa a finales de los años 80 y principios de los 90 tras la aparición de las raves, la música de radio pirata, las fiestas en la nube, los festivales underground y el creciente interés por la cultura de los clubes. Sin embargo, la cultura rav no es muy popular en los Estados Unidos. Por lo general, es poco común fuera de las escenas regionales de la ciudad de Nueva York, Florida, el Medio Oeste y California. Aunque el electro, el house de Chicago y el techno de Detroit han influido tanto en Europa como en los Estados Unidos, los medios de comunicación tradicionales y la industria discográfica estadounidense siguieron desaprobando abiertamente el género hasta los años 90 y más allá. También hubo una creciente conciencia de la conexión de la música electrónica de baile con la cultura de las drogas, lo que llevó a los gobiernos estatales y municipales a aprobar leyes y políticas destinadas a detener la expansión de la cultura rave. Oh, eso me suena emocionante y sorprendente. ¿Pueden los géneros musicales reflejar realmente las personalidades de las personas que los escuchan? Más tarde, en el nuevo milenio, la popularidad de la música electrónica de baile creció en todo el mundo, particularmente en los Estados Unidos y Australia. A principios de la década de 2010, la industria musical estadounidense y los medios musicales impulsaron los términos "música electrónica de baile" y el acrónimo "EDM" para cambiar el nombre de la cultura rave estadounidense. A pesar de los intentos de la industria de marcar la EDM como un género singular, el acrónimo sigue utilizándose como término general para varios géneros, incluidos el dance-pop, el house, el techno, el electro y el trance, así como subgéneros relacionados. Todos los cuales son anteriores al acrónimo. El nacimiento de cada género musical no solo tiene una historia y se origina en la era de Samui, sino que también refleja el valor de usar la música para sanar el alma humana y se ha convertido en una historia que he resumido brevemente en el artículo. Historia de la música electrónica y la historia de los DJ En los últimos 40 años se han desarrollado diferentes géneros de EDM, incluidos el house, el techno, el drum and bass, el dance-pop y más. Los cambios estilísticos dentro de los géneros de EDM existentes pueden llevar al surgimiento de lo que se conoce como subgéneros. La fusión de elementos de dos o más géneros puede llevar al surgimiento de un género de EDM completamente nuevo.
En lo que respecta a la identidad del género musical Dubstep, puede que no sea muy familiar para los fanáticos de este género musical. Con su singularidad y características, es similar a la música electrónica de baile que se originó en el sur de Londres a principios de la década de 2000. Este estilo surgió de la derivación de la música garage en el Reino Unido, que combinaba ritmos de 2-step y producción de dub suave. En el Reino Unido, los orígenes de este género se remontan al crecimiento de la escena de fiesta del sound system jamaicano a principios de la década de 1980. El dubstep se caracteriza por el uso de patrones rítmicos sincopados, líneas de bajo prominentes y tonos oscuros. En 2001, este sonido underground y otros géneros de garage comenzaron a exhibirse y promocionarse en el club nocturno Plastic People de Londres, en el evento 'Forward' (a veces FWD>>) y en la estación de radio pirata Rinse FM, que más tarde tuvo una gran influencia en el desarrollo de la música dubstep. Ritmo de medio tiempo: el dubstep suele utilizar ritmos que parecen ritmos de medio tiempo (aunque en realidad sean rápidos), como en este ejemplo que explica que la canción tiene un tempo de 71 bpm, que parece la mitad del tiempo del tempo más rápido (142 bpm). Esta es una de las técnicas que ayuda a crear tensión y potencia en la canción. Subgraves: el sonido de graves bajos y gruesos único del dubstep tiene una vibración fuerte y se puede sentir físicamente. El uso de este bajo sólido le da a la canción más profundidad y potencia. Muestras recortadas: el dubstep suele utilizar sonidos cortos, recortados o "recortados" para añadir interés al ritmo y al sonido, dándole una sensación entrecortada o desigual. Creo que a medida que leas este artículo, comenzarás a darte cuenta de que los géneros a menudo se adaptan y manipulan para crear un atractivo estético para el entusiasta de la música, y es algo verdaderamente único que se crea en forma de un género que es reconocible y distintivo, y sí, a veces. Cortes vocales: el dubstep puede tener voces que han sido cortadas y distorsionadas, lo que le da a la música una atmósfera y una profundidad más profundas.
¿Qué es la música trap, de dónde se originó y para qué se creó este género? El género que cambió la industria musical La música trap surgió a principios de la década de 2000, en Atlanta, Georgia, EE. UU. El término "trap" proviene de la jerga que se usa para referirse al tráfico de drogas en los EE. UU., que es uno de los temas principales que se encuentran en este tipo de música. La música trap se caracteriza por tambores 808, hi-hat, redobles y sintetizadores o melodías. Los ritmos de las canciones están estructurados de una manera emocionante. Esto ha llevado a un aumento de popularidad entre los artistas de hip-hop y los productores de otros géneros. El origen y el crecimiento de la música trap. El trap se conoció por primera vez alrededor de 2003-2005. Los primeros artistas que ayudaron a crear y popularizar el género fueron T.I., Gucci Mane y Young Jeezy. En particular, el álbum Trap Muzik de T.I. de 2003 fue decisivo para definir oficialmente el término "música trap" como género.
Si no estás familiarizado con el género de la música folk hoy, te llevaré a explorarlo en profundidad con un resumen que tanto el autor como los lectores encontrarán juntos. Muchas personas que escuchan este tipo de música creen que. La música folk es un género que refleja la cultura y la forma de vida, con sus raíces en las tradiciones y la cultura de cada localidad. Por ejemplo, la canción folk irlandesa 'The Parting Glass' o la canción folk estadounidense 'This Land Is Your Land' transmiten historias de personas, su forma de vida, creencias y experiencias que se han transmitido de generación en generación. Y si hablamos del desarrollo de la música folk, la música folk existe en todos los países y se ha desarrollado de acuerdo con las épocas. En el siglo XX, la música folk revivió en gran medida, especialmente en Estados Unidos y Europa. Los artistas que desempeñaron un papel esencial en llevar el folk a la corriente principal fueron Bob Dylan, Joan Baez y Woody Guthrie. La música folk no es solo un género, sino una herramienta para contar historias sobre la sociedad. Es un medio utilizado para reflejar los problemas y las emociones de las personas en cada época. Por ejemplo, las canciones populares se han utilizado para abordar cuestiones sociales como la pobreza, la guerra y los derechos civiles. Ya sean canciones populares que reflejan problemas sociales, canciones populares tradicionales o música que se ha combinado con música moderna, la música folklórica sigue desempeñando un papel importante en la industria musical mundial y se ha extendido increíblemente. No puedo creer que la música folklórica sea realmente única y presente historias de cultura que cautivan a los oyentes. Es por eso que las características de la música folklórica son canciones que cuentan historias de personas como el amor, el trabajo, la felicidad y la tristeza, y eventos históricos. Con melodías simples, a menudo se utilizan instrumentos acústicos como guitarras, violines, banjos, mandolinas y flautas. Se transmitió de boca en boca antes de grabarse como notas o grabarse en la era moderna. Con características únicas para cada cultura, como la música folk irlandesa, el bluegrass estadounidense, la música country tailandesa o la música flamenca española. Si has leído hasta aquí, ya has experimentado y te has dado cuenta de que la música folklórica siempre tiene historias que contienen buena energía.
No se puede negar que viajar alrededor del mundo hace que una ciudad sea memorable, y creo que si has viajado a cualquier país del sur de Estados Unidos, definitivamente estarás familiarizado con la música latina. Incluso si no está familiarizado con ella, los lugareños y ciudadanos que han preservado la música local definitivamente podrán presentarle los sonidos de la música latina. Y es por eso que la música latina ha seguido siendo popular hasta el día de hoy y se está volviendo cada vez más popular incluso después de haberse mudado a Estados Unidos. Creo que este tipo de música también te encantará, porque tiene un inserto en idioma español o portugués, lo que la hace pegadiza nuevamente. La época de oro de la música latina comenzó cuando en 1997, NARAS fundó la Academia Latina de la Grabación (LARAS) en un esfuerzo por expandir sus operaciones tanto en América Latina como en España. En septiembre de 2000, LARAS lanzó los Premios Grammy Latinos, una ceremonia de premios separada de los Premios Grammy. Los organizadores dijeron que el universo de la música latina era demasiado grande para caber en los Grammy. Michael Greene, ex director de NARAS, dijo una vez que la variedad de estilos de música latina complicó la creación de los Premios Grammy Latinos. Al destacar que lo único que tienen en común es el idioma, los Premios Grammy Latinos se entregan a discos reproducidos en español o portugués, mientras que la organización se centra en la música de América Latina, España y Portugal. Desde finales de la década de 1990, Estados Unidos ha visto un crecimiento creciente en su población de "latinos", un término popularizado en la década de 1960 al confundir el término "español" con el término más apropiado pero menos popular "hispano". La gente en los Estados Unidos comenzó a referirse a toda la música con voces en español como "música latina". El español cantado en cualquier género fue categorizado como "latino". Esto hizo que los artistas en España fueran llamados "latinos".
