Hip hop
¿Crees que la música siempre crea milagros y paz en el corazón? Y el estilo hip-hop sigue siendo un género que a la gente todavía le gusta en todas las épocas. Y no se puede negar que cada estilo de música todavía tiene un aroma que está impregnado de la cultura y la diversidad de la gente en la melodía de la música. Y eso hace que todavía se hable siempre del hip hop. Está claro que escuchar música hip-hop nos hace sentir siempre que están hablando a través del canto y comunicándose a través de la música o ritmos musicales acordes a la situación o a las personas que la escuchan. El hip-hop en la década de 1970 fue muy popular. Y por supuesto, en cada época siempre hay irregularidades. La música hip-hop no se grabó oficialmente para radio o televisión hasta 1979, principalmente debido a la pobreza en el momento de su nacimiento y la falta de aceptación de la comunidad negra. Este género comenzó a difundirse a través de fiestas cerradas en toda la comunidad negra. Esto es una cosa que nos hace reflexionar sobre la importancia de un grupo de personas que tienen diversidad. No importa qué estilo de música escuches, siempre podemos aprender de las diferencias para ser bellos.
País
Cuando imaginas una canción country, ¿qué te viene a la mente? Para mí, es una canción llena de amor, calidez de la familia o en medio de los campos en el campo. No podemos imaginar que cada vez que escuchamos una canción country, nos hará sentir tensos o convertirnos en seguidores de este estilo de música. U otro nombre que todavía conoces hasta hoy se llama música Country. El country (también llamado country y western) es un género musical que se originó en la región sur de los Estados Unidos, tanto en el sur como en el suroeste. La música country, que se produjo por primera vez en la década de 1920, se centró en cantar canciones que contaban historias sobre las vidas de la clase trabajadora y los trabajadores en Estados Unidos. Suena muy interesante porque no pensaba que los estadounidenses fueran un país diverso y que tuviera un estilo de música que siempre fuera hermoso en sus diferencias. Y eso fue lo que pasó. ¿Eres seguidor de este género de música? Y lo que me sorprendió. En 2009, en Estados Unidos, la música country fue la música más escuchada durante las horas punta del trayecto vespertino y también fue el segundo género más popular durante el trayecto matutino. La música country es conocida por sus baladas y canciones bailables ("canciones honky-tonk") que tienen formas sencillas y letras folclóricas. Y la armonía suele ir acompañada de instrumentos como el banjo, el violín, la armónica y varios tipos de guitarra (incluidas las guitarras acústicas, eléctricas, de acero y resonadoras). Aunque la música country tiene sus raíces en la música folclórica estadounidense en formas como la antigua y la de los Apalaches, muchas otras tradiciones, como la mexicana, la irlandesa y la hawaiana, también han influido en su creación. El modo blues del blues también se ha utilizado ampliamente a lo largo de la historia. Por supuesto, creo que cuando llegues a este punto de tu lectura, es posible que estés un poco hastiado de cómo cada género a menudo incorpora la historia y las tradiciones culturales. Pero creo que ahí es donde empezó la estrecha conexión entre los valores conservadores y la música country contemporánea, en respuesta al movimiento contra la guerra de los años 60. Hasta entonces, casi toda la música country, que hasta ese momento se había llamado folk country, no tenía una orientación política clara y se centraba en los problemas y las ansiedades cotidianas de la clase trabajadora. El álbum Okie from Muskogee de Merle Haggard de 1969 presentó la música country con una perspectiva decididamente conservadora y política, que fue popular. El presidente republicano Richard Nixon fortaleció aún más esta conexión musical conservadora durante sus años en el cargo. Organizó con frecuencia eventos para músicos country, declaró octubre de 1970 como el Mes de la Música Country y apeló a los oyentes que veían la música country como algo motivado políticamente. Sin embargo, para entonces, la música country se había extendido a muchos países de Asia y a muchos otros países que veían la música country como una fuente constante de honor.
Estallido
¿Cómo influyó o se originó realmente la música pop? ¿Y es cierto que es fácil de oír y escuchar para todas las edades? Porque la mayoría de la gente cree que la música se originó a partir de la cultura y el arte que siempre estuvieron unidos. ¿Y cómo sigue siendo una canción pegadiza para los amantes de la música? ¿Quién sabe si el estilo de la música pop es realmente moderno o conservador? De hecho, la música pop ha evolucionado junto con su definición. Como dice el escritor musical Bill Lamb, la música pop es “todas las formas de música desde la Revolución Industrial del siglo XIX que más se asemejan a los gustos e intereses de la clase media urbana”. El término “música pop” se utilizó por primera vez en 1926 para referirse a la música “popular entre las masas”. ”Hatch y Millward sostienen que varios eventos en la historia de la grabación de la década de 1920 se consideran la cuna de la industria de la música pop moderna, incluidos el country, el blues y el hillbilly. La música pop se produjo como un esfuerzo, no como una forma de arte”, y fue “diseñada para atraer a todo el mundo”, pero “no se originó en ningún lugar ni expresó ningún gusto en particular”. Frith añade: “La música pop no está impulsada por grandes ambiciones, salvo las ganancias y las recompensas comerciales, y musicalmente, no está impulsada por grandes ambiciones, salvo las ganancias y las recompensas comerciales”. La música pop es fundamentalmente conservadora. Viene de arriba (de los sellos discográficos, la radio y los promotores de conciertos) más que de abajo. No es música hecha por ellos mismos, sino música producida y empaquetada profesionalmente, y a menudo se cita como la mejor de la música pop. Como dice Frith, las características de la música pop incluyen su objetivo de atraer a un público general en lugar de a una subcultura o ideología específica, y su énfasis en la artesanía en lugar de en las cualidades “artísticas” formales.
Roca
Cuando muchas personas escuchan el género musical, la música rock puede hacer que muchas personas piensen que la música rock puede tener historias o culturas incrustadas en ella, y es increíble que el origen de la música rock se originó en los Estados Unidos bajo el nombre de "rock and roll" a fines de la década de 1940 y principios de la década de 1950 y se ha desarrollado en muchas formas diferentes desde mediados de la década de 1960, principalmente en los Estados Unidos y el Reino Unido. El rock tiene sus raíces en el rock and roll, una forma que se nutre directamente de géneros musicales negros como el blues, el rhythm and blues y el country. El rock también está muy influenciado por géneros como el blues eléctrico y el folk, e incorpora influencias del jazz y otros estilos musicales. En cuanto a los instrumentos, el rock generalmente se centra en la guitarra eléctrica, que a menudo forma parte de un grupo de rock que tiene un bajo eléctrico, batería y uno o más cantantes. El rock suele ser una canción que enfatiza el canto, con un ritmo de 4 tiempos y utiliza un patrón de verso y armonía. Pero el género es muy diverso. Al igual que la música pop, las letras tienden a centrarse en el amor romántico, pero también hablan de muchos otros temas, a menudo sociales o políticos. El rock fue el género musical más popular en los Estados Unidos y en todo el mundo occidental desde la década de 1950 hasta la década de 2010. A mediados de la década de 1960, los músicos de rock comenzaron a impulsar el álbum por encima del sencillo como la forma dominante de expresión y consumo grabado, con The Beatles a la cabeza. Su trabajo llevó al género a la aceptación general y marcó el comienzo de la era del rock influenciada por los álbumes que duró décadas en la industria musical. A fines de la década de 1960, el rock clásico había generado una serie de subgéneros, incluidos híbridos como el blues rock, el folk rock, el country rock y el jazz rock, que ayudaron al desarrollo del rock psicodélico, que fue influenciado por los movimientos de contracultura psicodélica e hippie. Surgieron géneros más nuevos, incluido el rock progresivo, que expandió los elementos artísticos, el heavy metal, que enfatizaba un sonido duro, y el glam rock, que enfatizaba la interpretación y el estilo visual.
Electrónico
Los instrumentos electrónicos se utilizan ampliamente en casi todas las formas de música. En la música popular, como la música electrónica de baile, casi todos los sonidos grabados son electrónicos (por ejemplo, sintetizadores de bajos, sintetizadores, cajas de ritmos). El desarrollo de nuevos instrumentos electrónicos, controladores y sintetizadores sigue siendo un área de investigación activa y multidisciplinaria. La Conferencia Internacional sobre Nuevas Interfaces para la Expresión Musical se lleva a cabo para informar sobre trabajos de vanguardia y mostrar a los artistas que interpretan o crean música con nuevos instrumentos electrónicos, controladores y sintetizadores. Y ahora, el contenido más intenso sobre este tema musical. Un gran avance fue la llegada de las computadoras con el propósito de componer música. En lugar de controlar o generar sonidos, Iannis Xenakis fue pionero en lo que llamó Musique Stochastique, o música aleatoria, un método de composición musical que utilizaba sistemas de probabilidad matemática. Se utilizaban diferentes algoritmos probabilísticos para generar obras dentro de un conjunto de parámetros. Xenakis utilizó papel cuadriculado para calcular las trayectorias de velocidad de los glissandos en su pieza orquestal Metastasis (1953-54), pero más tarde recurrió a los ordenadores para la composición, como el ST/4 para cuarteto de cuerdas y el ST/48 para orquesta (ambos de 1962). El impacto de los ordenadores continuó en 1956, cuando Lejaren Hiller y Leonard Issacson compusieron la Suite Illiac para cuarteto de cuerdas. Esta fue la primera obra completa de composición asistida por ordenador utilizando composición algorítmica. En 1957, Max Matthews de Bell Lab escribió la serie MUSIC-N, el primer programa informático para generar ondas sonoras digitales mediante síntesis directa. Después, Barry Vercoe escribió MUSIC 11, basado en el programa de síntesis musical de próxima generación MUSIC IV-BF (más tarde desarrollado en csound, que todavía se utiliza ampliamente). A mediados de la década de 1980, Miller Puckett de IRCAM desarrolló un software de procesamiento de señales gráficas para el 4X llamado Max (en honor a Max Matthews), y más tarde lo adaptó a Macintosh (con Dave Ciccarelli extendiéndolo para Opcode[39]) para controlar MIDI en tiempo real, haciendo que la composición algorítmica fuera accesible para la mayoría de los compositores con un nivel intermedio de programación informática.
Gente
Si no estás familiarizado con el género de la música folk hoy, te llevaré a explorarlo en profundidad con un resumen que tanto el autor como los lectores encontrarán juntos. Muchas personas que escuchan este tipo de música creen que. La música folk es un género que refleja la cultura y la forma de vida, con sus raíces en las tradiciones y la cultura de cada localidad. Por ejemplo, la canción folk irlandesa 'The Parting Glass' o la canción folk estadounidense 'This Land Is Your Land' transmiten historias de personas, su forma de vida, creencias y experiencias que se han transmitido de generación en generación. Y si hablamos del desarrollo de la música folk, la música folk existe en todos los países y se ha desarrollado de acuerdo con las épocas. En el siglo XX, la música folk revivió en gran medida, especialmente en Estados Unidos y Europa. Los artistas que desempeñaron un papel esencial en llevar el folk a la corriente principal fueron Bob Dylan, Joan Baez y Woody Guthrie. La música folk no es solo un género, sino una herramienta para contar historias sobre la sociedad. Es un medio utilizado para reflejar los problemas y las emociones de las personas en cada época. Por ejemplo, las canciones populares se han utilizado para abordar cuestiones sociales como la pobreza, la guerra y los derechos civiles. Ya sean canciones populares que reflejan problemas sociales, canciones populares tradicionales o música que se ha combinado con música moderna, la música folklórica sigue desempeñando un papel importante en la industria musical mundial y se ha extendido increíblemente. No puedo creer que la música folklórica sea realmente única y presente historias de cultura que cautivan a los oyentes. Es por eso que las características de la música folklórica son canciones que cuentan historias de personas como el amor, el trabajo, la felicidad y la tristeza, y eventos históricos. Con melodías simples, a menudo se utilizan instrumentos acústicos como guitarras, violines, banjos, mandolinas y flautas. Se transmitió de boca en boca antes de grabarse como notas o grabarse en la era moderna. Con características únicas para cada cultura, como la música folk irlandesa, el bluegrass estadounidense, la música country tailandesa o la música flamenca española. Si has leído hasta aquí, ya has experimentado y te has dado cuenta de que la música folklórica siempre tiene historias que contienen buena energía.
Casa
El house es una música electrónica de baile que tiene un ritmo repetitivo de cuatro tiempos y un tempo general de 115 a 130 pulsaciones por minuto. Se cree que cuando muchas personas escuchan este género, a menudo piensan que puede haber sido inventado o creado a partir de la música que se hace en casa o de la cultura familiar o de la gente que vive en la casa. Pero, de hecho, este género fue creado por DJ y productores musicales de la cultura de clubes underground de Chicago y se desarrolló gradualmente a principios y mediados de la década de 1980, cuando los DJ comenzaron a cambiar la música disco para tener un ritmo más mecánico. A principios de 1988, el house se convirtió en algo común y reemplazó los ritmos generales de los años 80. Si profundizamos un poco más, de hecho, en su forma más general, el género se caracteriza por un ritmo repetitivo de 4/4, un bombo, un hi-hat fuera de tiempo, una caja, palmas y/o slaps a un tempo entre 120 y 130 pulsaciones por minuto (bpm), riffs de sintetizador, una línea de bajo profunda y, a menudo, pero no necesariamente, voces cantadas, habladas o sampleadas. En la música house, el bombo se toca típicamente en los tiempos 1, 2, 3 y 4, y una caja, palmas o un instrumento de percusión de tono más alto se usa en los tiempos 2 y 4. Los ritmos de batería en la música house son típicamente cajas de ritmos electrónicas, típicamente la Roland TR-808, TR-909 o TR-707. Se usan palmas, sacudidas, cajas o sonidos de hi-hat para agregar síncopa. Los riffs rítmicos característicos, particularmente en el house de Chicago de los primeros tiempos, se construyen siguiendo un patrón de clave, a veces con congas y bongós añadidos para un sonido africano, o percusión metálica para un aire latino.
R&B
En lo que respecta al género musical, el rhythm and blues no es algo con lo que mucha gente esté familiarizada. Sin embargo, la mayoría de la gente tiende a abreviarlo como R&B o R'n'B. El género musical popular se originó en la comunidad negra en la década de 1940. Las compañías discográficas comenzaron a describir grabaciones que se comercializaban principalmente para los negros. Durante el auge del "jazz-rock pesado y sostenido" en las décadas de 1950 y 1970, las bandas generalmente estaban formadas por un piano, una o dos guitarras, un bajo, batería, uno o más saxofones y, a veces, un cantante de apoyo. Las letras de R&B a menudo resumen la historia y las experiencias de los negros en Estados Unidos, incluido el dolor, la búsqueda de la libertad y la felicidad, así como los triunfos y los fracasos en términos de racismo, opresión, relaciones, economía y aspiraciones sociales. Verás, finalmente tenemos un género musical que refleja la forma de vida de un grupo en una sociedad intensa y diversa, que se mezcla con todo tipo de música y, por supuesto, hace que el "rhythm and blues" cambie su significado muchas veces. A principios de los años 50, el término se usaba a menudo para los discos de blues. A mediados de los años 50, después de que esta música ayudara a desarrollar el rock and roll, el término "R&B" pasó a usarse en un contexto más amplio, refiriéndose a un estilo de música que evolucionó a partir del blues eléctrico, el gospel y el soul y los combinó. En los años 70, el "rhythm and blues" cambió de nuevo y se usó como un término colectivo para el soul y el funk. Se había desarrollado un nuevo estilo de música R&B y se lo conoció como "R&B contemporáneo". Este estilo contemporáneo combinaba el R&B con el pop, el disco, el hip hop, el soul, el funk y la música electrónica. El R&B se aplicó a los álbumes de blues en ese momento. El escritor y productor Robert Palmer definió el rhythm and blues como "un término colectivo para todas las formas de música hechas por y para los estadounidenses negros". También utilizó el término "R&B" como sinónimo de jump blues. Sin embargo, AllMusic separó el término de jump blues porque el R&B tenía una mayor influencia del gospel.[16] Lawrence Cohn, autor de Nothing but the Blues, escribió que "rhythm and blues" era un término general inventado para la conveniencia de la industria. Según él, el término cubría toda la música negra, excepto la música clásica y religiosa, a menos que la música gospel se vendiera lo suficientemente bien como para aparecer en las listas hasta bien entrado el siglo XXI. El término R&B continuó utilizándose (en algunos contextos) para categorizar la música hecha por músicos negros, separada de los estilos hechos por otros músicos. En la música rhythm and blues comercial, que caracterizó las décadas de 1950 y 1970, las bandas generalmente consistían en un piano, una o dos guitarras, bajo, batería y saxofón. Los arreglos se ensayaban al mínimo y, a veces, incluían coristas. Se entrelazaban partes simples y repetitivas, creando impulso y una interpretación rítmica que creaba una textura suave, melódica y, a menudo, hipnótica, al tiempo que atraía la atención hacia las voces individuales, aunque los cantantes estaban emocionalmente comprometidos con las letras, a menudo intensamente. Pero se mantuvieron tranquilos, relajados y en control. La banda vestía trajes y uniformes, una práctica que se asociaba con la música popular que los músicos de R&B aspiraban a dominar. Las letras eran a menudo siniestras y la música a menudo seguía patrones y estructuras de acordes predecibles. Las letras de R&B a menudo encapsulaban las dolorosas experiencias de los afroamericanos. Una publicación del Smithsonian resumió los orígenes del género en 2016: "La música afroamericana, específicamente, que se basa en las ramas profundas de la expresión afroamericana, es una fusión de gospel, jump blues, swing de big band, boogie y blues que se desarrolló durante un período de treinta años que abarcó la era de la música legal.
Latina
No se puede negar que viajar alrededor del mundo hace que una ciudad sea memorable, y creo que si has viajado a cualquier país del sur de Estados Unidos, definitivamente estarás familiarizado con la música latina. Incluso si no está familiarizado con ella, los lugareños y ciudadanos que han preservado la música local definitivamente podrán presentarle los sonidos de la música latina. Y es por eso que la música latina ha seguido siendo popular hasta el día de hoy y se está volviendo cada vez más popular incluso después de haberse mudado a Estados Unidos. Creo que este tipo de música también te encantará, porque tiene un inserto en idioma español o portugués, lo que la hace pegadiza nuevamente. La época de oro de la música latina comenzó cuando en 1997, NARAS fundó la Academia Latina de la Grabación (LARAS) en un esfuerzo por expandir sus operaciones tanto en América Latina como en España. En septiembre de 2000, LARAS lanzó los Premios Grammy Latinos, una ceremonia de premios separada de los Premios Grammy. Los organizadores dijeron que el universo de la música latina era demasiado grande para caber en los Grammy. Michael Greene, ex director de NARAS, dijo una vez que la variedad de estilos de música latina complicó la creación de los Premios Grammy Latinos. Al destacar que lo único que tienen en común es el idioma, los Premios Grammy Latinos se entregan a discos reproducidos en español o portugués, mientras que la organización se centra en la música de América Latina, España y Portugal. Desde finales de la década de 1990, Estados Unidos ha visto un crecimiento creciente en su población de "latinos", un término popularizado en la década de 1960 al confundir el término "español" con el término más apropiado pero menos popular "hispano". La gente en los Estados Unidos comenzó a referirse a toda la música con voces en español como "música latina". El español cantado en cualquier género fue categorizado como "latino". Esto hizo que los artistas en España fueran llamados "latinos".
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